Repasamos la historia de Uber a través de sus hitos intentando entender cómo pasó de la nada en París, hasta estar valorada en 50.000 millones de dólares.

Los resultados de buscar Uber en Google son astronómicos y recopilar todos los pasos, acontecimientos y sucesos de la historia de una de las compañías más mencionadas de los últimos años es complejo. La compañía de transportes que opera bajo el lema "Un chófer para todos" ha querido llevar a todo el mundo un nuevo modelo de red de transporte; con más o menos acierto, un sistema de negocio odiado por algunos y admirado por otros. Con esto, Uber se ha convertido en algo de lo que todos hablan.

Invierno en París

Diciembre de 2008.

En invierno hace mucho frío en París, casi tanto como para no querer estar en la calle ni un minuto más de lo estrictamente necesario, y además siempre llueve. Para un canadiense de Calgary quizá fuese más soportable, pero en absoluto para un californiano acostumbrado al sol eterno de esa región.

Garret M. Camp, nuestro canadiense licenciado en ingeniería, se encontraba en La Ciudad de la Luz junto un amigo lejano, el californiano Travis Kalanik, para asistir a LeWeb, un congreso sobre los negocios del futuro y la innovación. Paradojas del destino, y esperando un taxi que no paraba o nunca llegaba, fue que a las puertas de este evento, unas cuantas maletas, mucha lluvia, y quizá, un poco de mal humor, a este par de amigos se les ocurrió la idea de uno de los negocios más revolucionarios de los últimos años. ¿Qué pasaría si con mi móvil pudiese llamar a un coche para que estuviese en el lugar adecuado en el momento adecuado? Con esta sencilla idea comenzó la verdadera tormenta en las cabezas de estos personajes.

La fundación después de la insistencia

Principios de 2009.

Garret M. Camp y Travis Kalanik volvieron a California, pero el primero de ellos no pudo olvidarse de las idea que se le había venido a la cabeza. El torrente se había desencadenado.

Garret venía de vender su primer negocio por un monto millonario: StumbleUpon, una suerte de red social. Fundada en 2002, y vendida a Ebay en 2007 por $75 millones (en 2009 volvió a comprar la empresa junto con el otro socio fundador, Geof Smith). Por lo que este contaba con fondos, y con ganas, para buscar su próximo objetivo. En una situación similar se vio Travis Kalanik. En 2006 fundó con sus compañeros de universidad el motor de búsqueda Scour, vendido a Angel Investors en el 2000; con los fondos montaron en 2001 RedSwoosh, una web de intercambio de archivos, que también terminó siendo vendida a Akamai en 2007 por $15 millones. La historia se repetía respecto a su par canadiense: fondos disponibles para buscar un nuevo proyecto.

La insistencia del primero sobre el segundo para hacer realidad las ideas de París terminó dando sus frutos y ambos terminan asociándose bajo el título de Uber en marzo de 2009, y con la friolera de $250 millones en fondos iniciales.

Prototipos, Nueva York y UberCab

Enero-septiembre de 2010.

La ciudad que nunca duerme asistió insomne a los primeros vestigios de lo que hoy conocemos como Uber. Primeros prototipos para la aplicación móvil y un par de coches luchando en las fuertemente transitadas calles de Nueva York sirvieron de placa de Petri para lanzar, en junio de 2010, UberCab en San Francisco. El éxito estaba servido.

Las primeras apariciones en prensa no se hicieron esperar, e incluso ya se hablaba de abrirse a nuevos mercados. Los usuarios estaban encantados por la rapidez del servicio, un poco más caro eso sí, pero útil y con coches mucho más cómodos. Definido por muchos como el transporte por taxi del futuro, el cual elimina todo lo malo y solo deja la buena experiencia para el usuario.

La lógica de los contrastes

Octubre de 2010

Durante este mes, y con apenas horas de diferencia, Uber asistió a lo que vendría a ser su futuro: el apoyo de los grandes inversores vs. el odio de las asociaciones de transporte.

Las buenas críticas llegaron a oídos de algunos inversores y pronto valoraron la compañía en $4 millones, además de añadir un incentivo de $1.250 millones para jugar en el mercado del transporte Californiano. Acto seguido, en las oficinas de la empresa se recibió una curiosa notificación; la Comisión de Servicios Públicos de California pidió expresamente el cese y cierre de la compañía por actuación ilícita. Estas eran las primeras demandas contra UberCab, a las que los fundadores se enfrentaron con optimismo, pero con un cambio de nombre a Uber, a secas, por lo que pudiese pasar.

Y con ese sistema han seguido hasta hoy.

Fuerzas nuevas para el año entrante y regreso al origen

2011.

La compañía terminó uno de sus mejores años con el cambio de su CEO: el ingeniero Ryan Graves tomó las riendas de la empresa de manos de sus fundadores. Y tiempo le faltó para seguir llenando las arcas de Uber. Tan enamorados dejó a los inversores que el 14 de febrero recibió $11 millones, no sabemos si con un ramo y una tarjeta, de un grupo de inversores y con el plus de una valoración de $60 millones. El camino, además, se estaba allanando con varios mensajes de los fundadores para proveer a los europeos "desamparados" de otro tipo de servicio de taxis.

Y no solo a los europeos, varias ciudades de Estados Unidos acogieron a la compañía. La que vio el proyecto en forma de prototipo, Nueva York, en mayo, seguido de Seattle, Chicago y Washinton D.C. Todo esto con la presión de Olacabs o Lyft, sus principales competidoras, tras ellos.

Y de forma simultánea consiguió dos proezas. $32 millones en otra ronda de financiación, y hacer realidad lo que se pensó aquella tarde lluviosa de diciembre de 2008 y ponerlo en las calles de la Ciudad de la Luz. Uber se estrenaba en París en diciembre de 2011, justo tres años después de la "tormenta original" y con el nuevo servicio UberMoto especial para empresarios.

Bye bye black car

2012.

Nuevas tarifas, más baratas, en detrimento del color y la gama de los coches, que dejan de ser estrictamente negros, a través del lanzamiento de Uber X, una de tantas filiales que verán la luz a los pies de su matriz. El hito de Uber en 2012. Además de otra ronda de financiación por $5 millones, también otra de tantas. Como también se amplia su expansión a otras ciudades condales del país, además de Toronto, Berlín, Ámsterdam, Roma, Estocolmo, Londres y Milán.

Pero los problemas crecen en el cálido San Francisco. Las demandas por actividad ilícita se acumulan en el buzón de 1455 Market Street; las acusaciones de gestión de una flota ajena que opera sin licencias de transporte de pasajeros llegaban día sí y día también, desde todos los puntos donde opera, y todas con las mismas acusaciones que el Fiscal Gary Oswald de San Francisco impuso sobre la compañía:

"Uber está violando descaradamente este régimen legal sin siquiera molestarse en ofrecer un pretexto para sus actos abiertamente ilegales al igual que lo han hecho en la ciudad de Nueva York, Chicago y otros lugares. Al ignorar la ley, Uber está poniendo en peligro los medios de vida de hombres y mujeres que impulsan de forma segura y siguen las reglas."

Una de cal y otra de arena

2013.

40 ciudades en las que tienen actividad y con previsión de 500 al cierre de 2014. Con este precioso titular Uber inauguraba el año nuevo; pero las alegrías duran poco en la casa del pobre, y en la del rico pues también. El gigante emprendedor, valorado en $3.500 millones, recibía una de las peores demandas de su historia. Nada que ver con su actividad. Una mujer de 20 años de edad, acusó a su conductor de Uber de violarla después de haber realizado el transporte hacia su casa; y tras esta, el resto se sucedieron una tras otra. Incluida una por homicidio, de la cual Uber se desentendió absolutamente.

Pero, el ya unicornio, no se amilanó. México y Colombia vieron entrar a la compañía por la puerta grande, el Estado de California aprobó una ley para permitir la actividad de Uber (la cual ha sido emulada por otros Estados posteriormente) y lograron una nueva financiación de $258 millones. Esta vez con Google por medio, ni más ni menos.

La era de las prohibiciones y la prensa en el papel del malo

2014.

La expansión, rápida y voraz, de Uber por el mundo queda patente por el incremento de todas las noticias que se suceden en los medios internacionales. Las novedades de la compañía, que habían quedado relegadas a la prensa estadounidense, comienzan a hacerse eco del éxito y sobre todo, de la amenaza.

Para Uber, 2014 fue el año con más cantidad de anunciosCon un global de $3.390 millones de financiación durante este año, Uber volvió a enfrentarse a uno de sus problemas más graves. La actitud arrolladora con la que entraba en sus nuevas conquistas se le empezaba a venir encima en forma de prohibiciones, y esta vez muy en serio. Alemania prohibía la actividad de Uber para luego volver a levantarlo, para volver a prohibirlo. No se han aclarado demasiado con su política. París siguió el mismo camino, con la excepción de una de las variopintas filiales de la compañía, UberPOP, que sí pudo continuar con su actividad. Al igual que India, que por varias violaciones a mujeres cortó por lo sano, para luego retractarse.

Y llegaron a Madrid y Barcelona. Los peores temores de los taxistas españoles se hicieron realidad. Protestas, avisos, quejas... colocando a nuestro país como uno de los más agresivos de todos aquellos en los que habían entrado. Tanto, que en apenas tres meses se consiguió que el juez prohibiese la actividad de Uber a la espera del juicio. Hasta hoy seguimos con este plantel.

Y a todo esto, nuestros fundadores seguían en su centro de operaciones en California, observando como su pequeño proyecto se convertía en el tema que estaba en boca de todos a escala global y, posiblemente, sonriendo ante la valoración de $40.000 millones. Pero la presión cansa y no aguantaron más el silencio, y tanto los fundadores como Emil Michael, el vicepresidente senior, lanzaron un aviso a todos los medios tentados a criticar a la compañía en el que se pensaban tomar medidas para acabar con esas circunstancias. Más de un millón de dólares, calderilla para ellos, querían invertir en "parar" a la prensa.

中国, renovación y quién sabe qué más...

Un inacabado 2015.

La historia se va acercando al presente. Sus prohibiciones siguen tal y como las dejaron en 2014, su expansión continúa sin límites, y sus valoraciones y financiaciones rozan niveles históricos para cualquier compañía. Se plantean, incluso, salir a bolsa. La imaginación de las mentes pensantes de Uber no conocen límite, y las versiones de la empresa de transportes se suceden una tras otra: UberBoat, UberEats, asociación con Duolingo. E incluso, logran ser legales en México, y según su último anuncio, legales en Gran Bretaña. Lo cual marcaría un precedente par el resto de la Unión Europea.

Pero todo esto da igual, Uber quiere el caramelo de China. Donde de hecho se encuentra conquistando el terreno en este momento, para lo cual ha recibido una cuantiosa financiación, y luchando contra el gigante Lyft.

Con todo esto, a la espera de lo que puedan hacer en lo que queda de año y siete años después de aquella tarde en París de Garret M. Camp y Travis Kalanik, la compañía vale 50.000 millones de dólares.

• La aparición de Legionella en Manzanares (Ciudad Real) provoca la muerte de cuatro personas y 237 afectados.
• Se trata del segundo peor brote de legionelosis de la historia de España.

237 casos confirmados y cuatro personas fallecidas. Ése es el triste balance que ha dejado el brote de legionela en Manzanares, una localidad de 20.000 habitantes situada al este de Ciudad Real. Una crisis sanitaria sin precedentes en Castilla-La Mancha que ha generado una gran incertidumbre entre los habitantes del municipio afectado.

La localidad castellanomanchega ha vivido el segundo peor brote de legionela de la historia de España. Así lo reconoció ayer Jesús Fernández Sanz, Consejero de Sanidad del Gobierno de Castilla-La Mancha, durante su intervención en las Cortes regionales. Solo Murcia con casi 700 afectados en 2001 y Alcalá de Henares con 224 casos confirmados de legionelosis en 1996 comparten este terrible podio. Un mes después de la detección de los primeros casos de legionelosis, ¿qué lecciones podemos extraer sobre el brote de Manzanares?

¿Legionela en diciembre?

La aparición de los casos de legionela en Manzanares en diciembre podría sorprender a aquellos que relacionan esta infección con los períodos estivales. Nada más lejos de la realidad. No es la primera vez que aparece un brote de legionela en diciembre ni en una fuente ornamental Como explicó Jesús Fernández Sanz, "la frecuencia estacional suele ser a finales de verano y en otoño, pero no implica que no pueda haber casos en diciembre"; de hecho, la incidencia para este mes es igual a la que ocurre en mayo según las autoridades europeas, recalcó el consejero en su intervención en las Cortes. Una valoración en la que coincide Miquel Sabrià, catedrático de Medicina de la Universitat Autònoma de Barcelona, que comenta a Hipertextual que "normalmente no aparecen tantos casos en agosto como parece".

El también experto en legionela del Hospital Universitari Germans Trias i Pujol explica que "muchos aparecen en octubre-noviembre cuando la gente vuelve de vacaciones y se ponen de nuevo en marcha las torres de refrigeración, en las que a veces no se da la suficiente limpieza y desinfección". Un informe del Centro Nacional de Epidemiología del Instituto de Salud Carlos III corrobora estas afirmaciones, que muestran que entre 1999 y 2011 también aparecieron brotes de legionela durante el mes de diciembre:

Fuente ornamental: ¿el origen del foco?

Otra de las grandes sorpresas del brote de legionela ha sido el origen del foco. El 30 de diciembre, el Ayuntamiento de Manzanares emitía una nota de prensa en la que informaba sobre "la positividad en legionela de la fuente ornamental de la estación de autobuses". En este punto del municipio se habrían encontrado, según los análisis del Laboratorio de Secuenciación Genética de la Unidad Mixta de Infección y Salud Pública de la Universidad de Valencia, dos cepas de Legionella pneumophila que, en principio, podrían estar relacionadas con las cepas aisladas de los pacientes.El Ayuntamiento de Manzanares sospechó inicialmente de tres fuentes ornamentales y de una torre de refrigeración privada

Beatriz Labián, portavoz del gobierno del Ayuntamiento de Manzanares, señala a este medio que "no está confirmado que sea la fuente ornamental y que se siguen realizando análisis para confirmar el origen del foco". Unas declaraciones que chocan con las valoraciones realizadas por Fernández Sanz en las Cortes, donde detalló que la fuente con carga alta de la bacteria de la legionela era la fuente ornamental de la estación. La torre de refrigeración sospechosa de una empresa privada del polígono industrial de Manzanares, según el consejero, "presentaba una carga bacteriana baja". Asimismo, el responsable regional de Sanidad comentó que se habían descubierto cepas de Legionella en dos fuentes más del parque y del teatro de la localidad, pero que no suponían un peligro pues permanecían cerradas desde el 14 de diciembre.

Miquel Sabrià pone en duda los resultados iniciales dados a conocer por el Ayuntamiento de Manzanares y la Junta de Castilla-La Mancha. "El riesgo [de una fuente ornamental] es tan bajo que no me lo creo", responde a Hipertextual. Los brotes de legionela se localizan normalmente en torres de refrigeración, condensadores o sistemas de enfriamiento por donde existen circuitos de retorno de agua caliente. Estos pueden estar situados en grandes edificios como hospitales, industrias u hoteles y una mala limpieza, control y desinfección de los mismos puede llevar a que la bacteria se amplifique. "Puede haber problemas con fuentes ornamentales si no hay una cloración adecuada", sostiene el experto en enfermedades infecciosas, que añade que es raro que dichas dificultades se den en agua fría. "Cuando se cloran circuitos de agua caliente, el cloro se evapora y puede haber problemas", comenta. No es el caso de las fuentes ornamentales en España, que presentan agua fría y son tratadas con cloro. "En Alemania, por ejemplo, el agua no se clora, pero aquí sí", confirma el catedrático de la Universitat Autònoma de Barcelona."El riesgo [de una fuente ornamental] es tan bajo que no me lo creo", señala Miquel Sabrià, experto en legionela

Estos motivos hacen dudar al investigador sobre el origen de un "brote tan explosivo", según sus propias palabras. Una revisión histórica en España confirma un caso anterior de legionela en una fuente ornamental. Sucedió en un restaurante de Móstoles en junio de 2012, y según datos de la Comunidad de Madrid, 46 personas resultaron afectadas, un número bastante alejado de los 237 casos confirmados en Manzanares. "En treinta años de trabajo no había visto algo así", comenta Sabrià a Hipertextual. El microbiólogo apunta además que de confirmarse finalmente el foco de la fuente ornamental, podría deberse a un "descuido de las autoridades por no haber clorado de manera adecuada el agua". En ese sentido, la Dirección General de Salud Pública de Castilla-La Mancha decidió el pasado 8 de enero "elevar los niveles de cloro (no superando en ningún caso los fijados por la normativa legal) como medida preventiva" en la red de agua de abastecimiento del municipio. Una resolución que llega casi un mes después de la detección de los primeros casos de legionelosis.

¿El impacto del cambio climático?

El clima anómalo vivido en diciembre podría hacernos pensar que la aparición de la bacteria pudiera deberse a un incremento anormal de la temperatura en Manzanares. De hecho la propia Organización Mundial de la Salud ya apuntaba en 2015 que el cambio climático podría ser un factor clave en brotes de enfermedades infecciosas como la legionela. Esta patología, llamada enfermedad del legionario por su hallazgo inicial en la reunión de la Legión Americana en Filadelfia de 1976 -aunque antes fuera detectada en un hotel de Benidorm-, es característica de los países industrializados. Y no es raro que su incidencia vaya aumentando con el paso del tiempo. El Centro Europeo para la Prevención y el Control de las Enfermedades (ECDC) alertaba hace unas horas que "2014 había sido el año con más casos de legionela", al registrar 6.941 pacientes confirmados, lo que supone 13,5 casos por cada millón de habitantes.

El microorganismo, que se desarrolla idealmente en un rango de temperaturas del agua de entre 25ºC y 42ºC, se verá favorecido en los próximos años por climas más cálidos. La Agencia para la Protección del Medio Ambiente de Estados Unidos (EPA) también alertaba de que el cambio climático podría promover la aparición de patógenos emergentes. Un estudio realizado en el área metropolitana de Filadelfia, publicado en The Journal of Infectious Diseases, concluía que no solo la temperatura, sino el incremento de la humedad, podrían ser factores que beneficiarían la multiplicación de bacterias como la Legionella. Sin embargo, según Sabrià, "no es tanto un problema de cambio climático, sino de la crisis". El catedrático de Medicina sostiene que la situación económica de los últimos años está detrás del incremento de brotes de legionela. "Hay mucha picaresca y los controles y tratamientos de desinfección cuestan dinero", resume. "Esto con la crisis se ha notado", añade el también jefe de sección de Medicina Interna del Hospital Universitario Germans Trias i Pujol de Barcelona.

¿Una legislación caduca?

Durante la sesión parlamentaria, Fernández Sanz apuntó la necesidad de modificar el Real Decreto 865/2003, de 4 de julio, por el que se establecen los criterios higiénico-sanitarios para la prevención y control de la legionelosis. "Entendemos que es susceptible [de cambio] el bajo riesgo de las fuentes ornamentales y no solo en Manzanares", comentó el político. "Así me lo han hecho ver varios consejeros [de Sanidad de otras Comunidades Autónomas], parece que toca revisar el Real Decreto y elevarlo al Consejo Interterritorial", sostuvo. A la espera de contar con los resultados finales de los análisis sobre el origen del foco de legionela en Manzanares, lo cierto es que la legislación actual contempla a las fuentes ornamentales dentro del apartado de "Instalaciones con menor probabilidad de proliferación y dispersión de Legionella". Esto implica que las condiciones de mantenimiento sean las siguientes:

Se elaborarán y aplicarán programas de mantenimiento higiénico-sanitario adecuados a sus características, e incluirán: el esquema de funcionamiento hidráulico y la revisión de todas las partes de la instalación para asegurar su correcto funcionamiento. Se aplicarán programas de mantenimiento que incluirán como mínimo la limpieza y, si procede, la desinfección de la instalación. Las tareas realizadas deberán consignarse en el registro de mantenimiento. La periodicidad de la limpieza de estas instalaciones será de, al menos, una vez al año, excepto en los sistemas de aguas contra incendios que se deberá realizar al mismo tiempo que la prueba hidráulica y el sistema de agua de consumo que se realizará según lo dispuesto en el anexo 3.

"No pueden darse más brotes así", asevera Sabrià, quien pide que se cumpla la normativa y que haya mayor concienciación en el sector privado sobre esta problemática. "La crisis hace que se quieran gastar menos dinero, hasta que se ven afectados por un brote de estos con personas infectadas", sostiene. En situaciones como la vivida en Manzanares, el catedrático comenta que "las autoridades van muy presionadas cuando hay un brote, pero los criterios para identificar la cepa no son sencillos". La propia Consejería de Sanidad señaló en una nota de prensa que "los técnicos continúan realizando estudios analíticos y contra analíticos en varios laboratorios para tener la máxima información posible sobre el brote, ya que los expertos recuerdan que estos brotes son difíciles de identificar".En la última década, más del 60% de los brotes de legionela no se localizaron después de ser controlados

La administración castellanomanchega admitía que, en los últimos diez años, más del 60% de los brotes por Legionella registrados en España no se habían localizado después de ser controlados. Miquel Sabrià también pide un cambio en la legislación española sobre legionelosis. En ese sentido, el experto solicita que se apruebe el "nuevo proyecto de Real Decreto que introduce variables muy importantes, como la necesidad de que los laboratorios estén acreditados por ENAC o que la recogida de las muestras de las torres las haga el laboratorio y no la empresa que certifica". De este modo, en su opinión, mejorará el control de la legionela en España.

Comunicación y responsabilidad política

La última gran lección sobre la crisis de la legionela en Manzanares es de comunicación y responsabilidad política. Fernández Sanz, consejero del gobierno socialista, calificó ayer su gestión como "excelente". El político elogió asimismo la labor de los profesionales médicos, "que se han comportado como verdaderos jabatos", aunque admitió que "se deben mejorar los procesos de información externa e interna".

"Las crisis sanitarias se acentúan porque la comunicación está mal hecha", comenta el periodista Antonio Calvo RoyPrecisamente una de las críticas del resto de formaciones políticas se centró en la mala comunicación de la crisis sanitaria. Como ejemplo, tanto el Partido Popular como Podemos criticaron que la página web sobre legionela del SESCAM (Servicio de Salud de Castilla la Mancha) se vaya a poner en marcha el lunes 18 de enero, un mes después del inicio del brote. En ese sentido, Carlos Velázquez (PP) señaló que el gobierno de Emiliano García-Page ha obtenido un "absoluto suspenso". "No podía ser peor ni más nefasta la gestión", declaró el diputado popular. Por su parte, José García Molina (Podemos) lamentó que la comunicación del gobierno "no llegara a la gente ni a los profesionales sanitarios".

La sesión parlamentaria celebrada en las Cortes se convirtió entonces en un auténtico rifirrafe político, con cruce de acusaciones y reproches incluido. Blanca Pilar Fernández Morena (PSOE) comentó, en relación al retraso en la página web sobre la legionela, que "una cosa es lo urgente y otra lo prioritario". Una opinión diametralmente opuesta a la que tiene Antonio Calvo Roy, periodista científico y presidente de la Asociación Española de Comunicación Científica. "¿Es la primera crisis sanitaria? ¿No tienen acaso un manual de crisis?", se pregunta ante la gestión comunicativa del brote de legionela en Manzanares.

Calvo Roy comenta a Hipertextual que, al igual que ocurrió en casos como el ébola o la gripe A, "las crisis sanitarias se ven acentuadas porque la comunicación está mal hecha". "Parece que no se aprende", lamenta el veterano periodista, quien sostiene que "es demagógico" decir que la gestión comunicativa de una crisis como la de la legionela no es prioritaria porque debes atender a los pacientes. En su opinión no solo hay que cuidar a los afectados, sino también informar y aprender de estos errores. Un consejo que reflejaba bien Alfredo Pascual en este artículo en El Confidencial, donde denunciaba que "nadie sabía nada de la legionela en Manzanares".

El debate de las Cortes también reflejó un intenso politiqueo. La portavoz socialista acusó al PP de "acordarse hoy [por ayer] de los profesionales sanitarios". Y es que el grupo popular de Manzanares había denunciado horas antes que "hay pacientes que acuden al hospital de la localidad a los que se les informa de que tienen legionela pero se van con informes donde solo pone que tienen neumonía". Fernández Moreno criticó al PP por "irresponsable" al decir que "los profesionales se saltan la ley". En otro de los momentos álgidos de la sesión, el consejero de Sanidad señaló que el portavoz popular "no era un interlocutor válido" para hablar sobre las temperaturas de incubación de la bacteria. Pura batalla política maquillada de crisis sanitaria.

Mientras los intereses partidistas embarraban el debate sobre la legionela en Manzanares, la plataforma de afectados anunciaba que "denunciará al responsable del contagio". En situaciones anteriores los tribunales habían explorado las responsabilidades civiles, penales, administrativas y laborales en querellas relacionadas con casos de Legionella. Según los expertos consultados por Hipertextual, la enfermedad de los legionarios cuenta con una baja mortalidad -en Castilla-La Mancha han fallecido cuatro personas de edad avanzada que presentaban problemas de salud- debido a que es fácilmente tratable con antibióticos como la eritromicina. Pero la crisis vivida en las últimas semanas en este pequeño municipio debería provocar una profunda reflexión pública. "Esto podemos controlarlo, no pueden darse más brotes de este tipo", concluye el especialista Miquel Sabrià.

• El sistema CRISPR-Cas9 es una revolucionaria tecnología para editar el genoma de forma precisa y eficaz.
• La Universidad de California y el MIT protagonizan una guerra de patentes para determinar quién inventó este "bisturí molecular".

El sistema CRISPR-Cas9, bautizado por Jennifer Doudna como el "bisturí molecular" para editar el genoma, ha revolucionado por completo la investigación. Estas herramientas permiten modificar el ADN de una forma más precisa y eficaz. Su hallazgo fue todo un hito en biología, por el que sus descubridoras -la propia Doudna y Emmanuelle Charpentier- fueron galardonadas con el Premio Princesa de Asturias de Investigación Científica y Técnica el pasado año.

La importancia de CRISPR es de tal envergadura que la técnica llegó incluso a sonar para el Premio Nobel. Aunque no lo consiguió, esta tecnología genética ha mostrado ya su eficacia para frenar una enfermedad rara en modelos animales. Pero estas peculiares "tijeras moleculares" no están exentas de polémica. CRISPR vive ahora inmersa en una auténtica guerra de patentes, que ensombrece su potencial y, sobre todo, retrasa sus hipotéticas aplicaciones. Esta es la crónica de una batalla legal y científica entre la Universidad de California y el Instituto Tecnológico de Massachusetts (MIT). Una pelea jurídica en la que está en juego un mercado estimado en más de 46.000 millones de dólares.

El origen: la mina de oro biotecnológica

Corría el año 1974. Un grupo de científicos de Estados Unidos, liderado por Paul Berg, solicitó una moratoria para aplicar una tecnología destinada a revolucionar el mundo. La técnica del ADN recombinante, que posteriormente provocó el impulso de la ingeniería genética y de la biotecnología, presentaba importantes implicaciones bioéticas, según los investigadores.La tecnología del ADN recombinante provocó un considerable debate ético y social, pero también demostró la rentabilidad de la biotecnología

Tres artículos científicos publicados entre octubre de 1972 y noviembre de 1973 habían hecho estallar la polémica. En primer lugar, David A. Jackson, Robert H. Symons y Paul Berg habían logrado introducir nuevas piezas de ADN en el genoma del virus SV40. Posteriormente, Stanley Cohen y Annie Chang habían conseguido que una pieza de ADN recombinante de la bacteria Escherichia coli se "autofotocopiara" por sí misma. El último trabajo, de Stanley Cohen, Annie Chang, Herbert Boyer y Robert Helling, permitió construir plásmidos bacterianos in vitro. ¿El resultado? La comunidad científica era capaz por primera vez de "cortar y pegar" ADN, una posibilidad que anticipaba la modificación genética de organismos vivos.

Tras la publicación de estos tres artículos, el debate sobre las implicaciones éticas y sociales se disparó. Fueron los propios científicos, liderados por Paul Berg, los que propusieron la organización de la conferencia de Asilomar, un encuentro en el que se analizaron las aplicaciones de la tecnología del ADN recombinante. Pero existía una importante repercusión económica subyacente a aquella discusión.

Una patente sobre la tecnología del ADN recombinante, solicitada por Herbert Boyer (Universidad de California) y Stanley Cohen (Universidad de Stanford), garantizaba la "explotación en exclusiva" durante veinte años de las herramientas de modificación genética. Dicha patente fue concedida solo en Estados Unidos, dado que el sistema de propiedad industrial de este país contempla el denominado período de gracia. De este modo, la legislación norteamericana reconoce a los inventores la posibilidad de haber difundido su invención doce meses antes de la solicitud de patente. En Europa, sin embargo, esta posibilidad no existe. Aquellas personas que divulguen su invención de forma previa -mediante artículos científicos o comunicaciones a congresos, por ejemplo- no podrán patentarla. Por este motivo la tecnología del ADN recombinante fue patentada en EEUU y no en Europa.Los royalties por la explotación de la patente de California y Stanford alcanzaron los 255 millones de dólares

Con aquella patente sobre las herramientas para "cortar y pegar" el ADN, la industria biotecnológica comenzó a crecer de manera exponencial. Desde la década de los setenta a 1997, año en el que expiró la protección, la tecnología del ADN recombinante se licenció a 468 compañías. Los royalties que recibieron las citadas universidades, según algunas estimaciones, alcanzaron los 255 millones de dólares. La biotecnología demostraba así ser una auténtica mina de oro, con un mercado asociado para esta técnica de modificación genética de 35.000 millones de dólares. En países como España, la protección de invenciones como la polimerasa del virus phi29, reportó unos ingresos al CSIC de 4 millones de euros, casi el 50% de los royalties obtenidos por el Consejo Superior de Investigaciones Científicas. Modificar el genoma no solo supuso una auténtica revolución científica, social y bioética. La explotación de la patente US 4.237.224 sobre la tecnología del ADN recombinante también demostró su rentabilidad.

La llegada de la edición genómica

Cuarenta años después del nacimiento de la ingeniería genética, Jennifer Doudna (Universidad de California) y Emmanuelle Charpentier (Instituto Max Planck) publicaron en la revista Science un trabajo en el que demostraban el potencial del sistema CRISPR-Cas9. Pero el hallazgo de las secuencias de repeticiones de CRISPR correspondió en realidad a un investigador español, Francis Mojica. El científico descubrió un nuevo sistema de inmunidad adaptativa en arqueas, según publicó en la revista Molecular Microbiology en 1993. Dos décadas antes del "bombazo" de Doudna y Charpentier, el hoy profesor de la Universidad de Alicante comprendió que aquellas herramientas podrían tener aplicación en biotecnología. Aunque como él mismo reconoce a Hipertextual, "no estaba claro que sirvieran para editar el genoma, especialmente en el caso de células humanas".El microbiólogo español Francis Mojica descubrió el sistema CRISPR-Cas9 en 1993

El sistema descubierto por el microbiólogo español fue empleado por Doudna y Charpentier para editar el genoma de organismos procariotas, los seres vivos más "simples" que existen. Menos de un año después, el grupo de Feng Zhang ampliaba el potencial de CRISPR-Cas9. Según publicaron en la revista Science, el "bisturí molecular" era capaz de editar el genoma en eucariotas, es decir, organismos más "complejos" que presentan su ADN "encerrado" en el núcleo de las células. Las posibilidades de modificación genética que se abrían, al igual que sucedió con la tecnología del ADN recombinante, eran infinitas. Pero también el debate bioético generado y la hipotética rentabilidad económica de la invención.

Jennifer Doudna explicaba en esta entrevista en Hipertextual su cautela ante las implicaciones éticas que podría tener el nuevo "bisturí molecular" de edición genómica. Razones no le faltaban. En abril de 2015, científicos chinos de la Universidad Sun Yat-sen de Guangzhou modificaron genéticamente embriones humanos mediante la tecnología CRISPR-Cas9. Al igual que sucedió con la tecnología del ADN recombinante, el debate bioético sobre la edición genómica volvía a reavivarse. Por este motivo, Doudna y otros investigadores impulsaron la celebración de un congreso en Washington el pasado mes de diciembre, de forma similar a lo que ocurrió con la conferencia de Asilomar en los setenta.En 2012, Jennifer Doudna y Emmanuelle Charpentier demostraron que CRISPR-Cas9 podía servir para editar el genoma

La discusión ética generada recuperaba algunos de los planteamientos de Asilomar: mantener el principio de precaución y promover el desarrollo de una tecnología calificada como "revolucionaria". Unas semanas después, tres trabajos independientes publicados en Science demostraban la utilidad de CRISPR-Cas9 para frenar la distrofia muscular de Duchenne en ratones. El grupo de Feng Zhang y George M. Church, del Instituto Broad del MIT, participaba en dos de estas investigaciones. La misma entidad que, casualmente, mantiene abierta una guerra de patentes con la Universidad de California. Y es que cuando el éxito de CRISPR-Cas9 parece más cerca que nunca, también se dispara el interés económico por esta tecnología. Un interés que mantiene inmersas a dos de las instituciones académicas más importantes del mundo en una polémica legal que parece no tener fin. Al menos de momento.

La guerra de patentes por CRISPR

El 15 de marzo de 2013, la Universidad de California (Berkeley) y la Universidad de Viena realizaron la solicitud 13/842,859 de patente para el método CRISPR-Cas9. El documento original, que contenía 152 reivindicaciones que cubrían la protección de "células no humanas", presentaba como fecha de prioridad el 25 de mayo de 2012. Los datos son especialmente relevantes para entender el conflicto jurídico desatado con el MIT. Porque en este segundo caso, el Instituto Broad pidió una segunda patente con número de solicitud 14/054,414 con fecha 15 de octubre de 2013. Por otro lado, la fecha de prioridad del documento en el que consta Feng Zhang como inventor es el 12 de diciembre de 2012. En otras palabras, la patente del MIT es posterior a la solicitud de la Universidad de California.Dos solicitudes de patentes para explotar comercialmente este "bisturí" molecular ha provocado una guerra abierta entre dos de las instituciones académicas más prestigiosas del mundo

¿Qué ocurrió entonces? El documento presentado por el equipo de Doudna y Charpentier era demasiado complejo técnicamente y no cubría todas las reivindicaciones posibles de la tecnología CRISPR-Cas9. Además, la solicitud fue tramitada por la vía normal de la Oficina de Patentes y Marcas de Estados Unidos (USPTO). Estos aspectos fueron aprovechados por el equipo de abogados del MIT, que decidió solicitar la segunda patente -cubriendo las células humanas y, por tanto, las posibles aplicaciones clínicas- mediante un procedimiento más rápido, conocido técnicamente como Accelerated Examination Request.

"Se la jugaron a todo o nada", admite el Dr. Lluís Montoliu, del Centro Nacional de Biotecnología. Y es que este procedimiento solo admite tres reivindicaciones para una única invención. La decisión que tomase la USPTO tampoco podía ser recurrida por el MIT. Pero mientras la patente de Doudna y Charpentier languidecía en la burocracia legal, la carta jugada por Zhang ganó la partida: fue aceptada el 15 de abril de 2014. El Instituto Broad del MIT, una vez que la patente fue concedida, comenzó a emitir licencias para la explotación del sistema CRISPR-Cas9.

Durante el año 2014, el equipo jurídico de la Universidad de California trató de enmendar los errores de la primera solicitud, una tarea compleja ya que también estaban involucradas diferentes entidades europeas. El 8 de enero de 2015, finalmente, las 152 reivindicaciones iniciales fueron sustituidas por 9 claims, que cubrían el uso de CRISPR-Cas9 como herramienta de edición genómica -también en células eucariotas-. A lo largo de este período de tiempo, una misteriosa tercera parte ha tratado de tumbar en los tribunales la solicitud de patente de Doudna y Charpentier. Un documento que volvería a ser modificado a posteriori en abril de 2015, con el fin de ampliar las reivindicaciones de la patente. En ese momento, los abogados de California decidieron ir a por todas: solicitar un "procedimiento de interferencia", publicado aquí por Technology Review, en relación a la invención protegida por Zhang.Parece que los propios investigadores han entrado de lleno en un debate que hasta la fecha se mantenía solo entre bufetes de abogados

La guerra entre ambas partes ya era una realidad. La comunidad científica sigue a día de hoy pendiente de que se resuelva este conflicto entre derechos de propiedad industrial. Pero en este debate surgen varias preguntas clave. ¿Era la invención de Zhang completamente nueva? ¿No se derivaba su solicitud del estado de la técnica difundido por Doudna y Charpentier? "Debemos hilar muy fino en este debate, ya que si las patentes llevan meses paralizadas es por algo", comenta Montoliu a Hipertextual. La última polémica en esta batalla ha surgido por un artículo en la revista Cell escrito por Eric Lander, a la sazón director del Instituto Broad del MIT. En él se repasan las contribuciones de "los héroes de CRISPR", incluido el propio Mojica. El investigador comenta a Hipertextual que se "siente muy feliz", dado que "es muy grande que te reconozcan, y más si lo hace alguien como Lander". El microbiólogo de la Universidad de Alicante prefiere no entrar en la discusión entre Berkeley y el MIT, aunque admite que quien gane finalmente tendrá "una repercusión muy grande".

Sin embargo, hay quien acusa a Lander de utilizar esta revisión para "minusvalorar" el trabajo de Doudna y Charpentier en esta guerra de patentes entre ambas instituciones. Las propias científicas, de hecho, criticaron la publicación con estos comentarios en PubMed. "No podemos creer que el artículo de Lander sea inmaculado", admite el Dr. Lluís Montoliu, quien destaca como aspecto positivo el reconocimiento al Dr. Francis Mojica de la Universidad de Alicante. Sea como fuere, parece que los propios investigadores han entrado de lleno en un debate que hasta la fecha se mantenía solo entre bufetes de abogados. No podría de entenderse de otra forma tanto el trabajo de Lander en Cell como las airadas reacciones de Jennifer Doudna y Emanuelle Charpentier. Una discusión que, incluso, va más allá de las autorías académicas de las invenciones. Diversas compañías fundadas por Zhang, Church, Doudna y Charpentier, tales como Editas Medicine, Caribou Biosciencies, Intellia Therapeutics o CRISPR Therapeutics, también pelean por los derechos de comercialización exclusiva de una tecnología tan revolucionaria como -según todos los análisis- multimillonaria. ¿Pero qué ocurrirá a partir de ahora?

Según Montoliu, la solución pasa por resolver qué entidad se adjudicará la explotación en exclusiva de CRISPR-Cas9. ¿Será la Universidad de California la que gane la carrera? ¿O por contra funcionará la estrategia del MIT, por la que están presentando cuadernos de laboratorio para demostrar que investigaban el "bisturí molecular" al mismo tiempo que Doudna y Charpentier?La nueva guerra de las biopatentes está provocando un "retraso absoluto" en las aplicaciones de CRISPR ¿Llegarán a un acuerdo ambas entidades, como ocurrió con la Universidad de Stanford y California en el caso de la tecnología del ADN recombinante, para así repartirse las regalías a partes iguales? La batalla legal y científica, lejos de solucionarse, está provocando un "retraso absoluto" en la aplicación de CRISPR-Cas9, en palabras del investigador del Centro Nacional de Biotecnología.

A nivel académico este impacto es "menor", como sostiene Montoliu, pues es posible obtener los reactivos a través de procedimientos legalmente establecidos con la firma del correspondiente "acuerdo de transferencia de material" (MTA, por sus siglas en inglés). El gran problema se centra en la industria biotecnológica ya que, según las fuentes consultadas por este medio, muchas compañías rechazan licenciar los derechos al Instituto Broad mientras no se aclare quién es el titular de la patente. "Hay empresas que, directamente, han optado por no usar la tecnología CRISPR en sus desarrollos mientras no esté clara la propiedad de la patente. Lo cual es un riesgo también", confirman. Estas palabras demuestran la guerra total que se cierne sobre la edición genómica y que podría tener un impacto muy negativo en sus múltiples e hipotéticas aplicaciones, que van más allá de la medicina. Según comenta Mojica a Hipertextual, el uso de CRISPR-Cas9 también nos podría permitir crear plantas resistentes a virus o factorías microbianas para producir alimentos que no se vean afectadas por los ataques víricos. Su empleo también generará una menor controversia social, ya que en palabras del microbiólogo alicantino, "la edición genómica no deja huellas". El gran futuro que le podría esperar a CRISPR, sin embargo, se ve ensombrecido por una nueva guerra de las biopatentes, al igual que sucedió con las patentes de BRCA1 y BRCA2. La solución para este conflicto no es sencilla, pero en juego está el progreso científico e innovador que prometía el "bisturí molecular" de CRISPR-Cas9.

Blizzard Entertainment cumple 25 años como uno de los protagonistas más importantes en la historia de los videojuegos, con títulos que influyeron a generaciones enteras y que marcarían el camino que ha seguido la industria hasta nuestros días.

Corría el año 1991 cuando tres ambiciosos jóvenes recién salidos de la Universidad de California deciden crear su propia compañía de videojuegos. Su objetivo era hacer cosas geniales y divertirse en el camino. Hoy en día, veinticinco años más tarde, aquella pequeña compañía es hoy Blizzard Entertainment, una de las compañías de videojuegos más exitosas, populares e influyentes de la historia con millones de jugadores que disfrutan a sus títulos a diario en todo el mundo.

Blizzard es una empresa peculiar, pasó de ser un grupo de jóvenes a un imperio que ha dictado el tempo de la industria del videojuego. Es una historia de cómo un grupo de amigos, fuertemente unidos, logró superar todas las adversidades para convertirse en los reyes de los videojuegos gracias a su estricto nivel de calidad.

Blizzard no es una empresa dominada por las hojas de cálculo, su nombre es lo más importante y no han dudado a lo largo de estos 25 años en reconstruir proyectos desde cero o cancelarlos cuando eran conscientes de que no era un título sobresaliente. No es una empresa que haya sacado al mercado cientos de juegos, pero todos han sido una gran influencia y han vendido millones y millones de copias mientras se cancelaban muchos proyectos que otras compañías hubiesen presentado y publicado.

Los comienzos fueron muy humildes para Silicon & Synapse — la compañía fundada por Michael Morhaime, Allen Adham, y Frank Pearce que más tarde se convertiría en Blizzard Entertainment — y sus primeros trabajos fueron portabilidades de juegos para otros estudios de videojuegos hasta 1993, cuando lograron desarrollar 'Rock N' Roll Racing' y 'Lost Vikings', dos juegos que los aficionados a los videojuegos retro tienen en gran consideración.

En 1994, Silicon & Synapse fue comprada por la distribuidora Davidson & Associates por $6,75 millones y la compañía fue renombrada como Chaos Studios, pero cambiaron el nombre a Blizzard Entertainment debido a que ya existía otra compañía llamada Chaos. Con su primer gran éxito, 'Warcraft: Orcs and Humans', daría comienzo el inmenso y rico legado de la empresa en la industria de los videojuegos y la vida de millones de personas.

Warcraft y la influencia de Blizzard en los RTS

Allen Adham se convirtió en el líder y responsable de marketing del grupo debido a sus habilidades innatas. Los programadores tenían mucho talento y era ávidos jugadores a los que no les gustaban los juegos actuales de aventura que parecían una película y no requerían mucha interacción por parte del jugador. El equipo era bueno trabajando bajo presión y completando proyectos en poco tiempo, pero no tenían suerte con los publishers ni tenían una idea clara sobre qué hacer más allá de portar de juegos a otros sistemas.

Pero llegó el 'Dune II' y el equipo quedó enamorado del título. Fue el primer juego de estrategia en tiempo real, algo increíble en aquellos años ya que el género se limitaba al combate por turnos, debido a la limitación de las máquinas computacionales. El juego era rápido, requería que el jugador estuviese atento, interactuando continuamente mediante órdenes. Muchos de sus elementos serían clave en el desarrollo de juegos mucho más populares como Warcraft o Starcraft.

Gestión de recursos, construcción de edificios, entrenamiento de tropas y ataques. Dune II lo tenía todo. Salvo una cosa: era un juego que carecía de multijugador. Los programadores de Blizzard jugaban al Dune II en los descansos y después del trabajo, pero soñaban con crear algo así pero para dos jugadores; creían que sería increíble así que se pusieron manos a la obra.

Comenzó sin un plan serio de diseño o evaluación de requisitos técnicos. Nada de metodología, pero el equipo fue avanzando y lograron crear un juego de estrategia en tiempo real ambientado en un mundo de fantasía donde los humanos libraban una encarnizada y duradera guerra contra los orcos. Por aquel entonces la compañía sólo contaba con 25 empleados, pero el juego fue un éxito debido a que era más rápido que Dune II, su ambientación era fantástica y tenía multijugador a través de LAN y modem. Este avance fue introducido por id Software, con sus revolucionarios 'Wolfstein' y 'Doom': sería el nacimiento del juego online y el auge de los eSports en los noventa.

Cuando Warcraft salió al mercado en 1994 sólo había tres juegos de estrategia en tiempo real en las estanterías de las tiendas de videojuegos. Años más tarde quedaron inundadas de clones y juegos mediocres que empleaban los conceptos de Dune II y Warcraft sin añadir aliciente alguno y con un ritmo narrativo desastroso. Gracias al éxito de Warcraft, Blizzard pudo empezar a destinar más recursos a sus proyectos, lo que culminaría con la presentación de 'Warcraft II: Tides of Darkness': el juego de estrategia más importante de la historia, por su influencia en títulos posteriores — y hoy en día más populares — tales como StarCraft.

Warcraft II disponía de un juego online auténtico y los fans comenzaron a crear webs dedicadas y nacían los primeros rankings. Los universitarios de media América se quedaban hasta altas horas de la madrugada jugando a Warcraft II a través de sus conexiones módem. El sistema de juego online era una maravilla por aquel entonces y no era raro que los teléfonos estuviesen desenchufados para que sus partidas no se interrumpiesen. Era el comienzo de la edad de oro de los videojuegos online junto a Quake.

El juego de estrategia definitivo: Starcraft

Blizzard pasó de ser un pequeño estudio casi desconocido a llevar el género de la estrategia a las masas. No sólo eran juegos que atraían a los más jugones, hacían que cualquier jugador casual se convirtiera en asiduo al género e invirtiera muchas horas de sus días en aquellos mundos de fantasía en batallas trepidantes.

Y bajo esa situación llegaría su siguiente título. No fue 'Warcraft III', fue algo diferente. En lugar de dar a los fans lo que esperaban, decidieron explorar una ambientación diferente que se alejase de la fantasía medieval de sus anteriores títulos para centrarse en la ciencia ficción. Estaba naciendo el título de estrategia real definitivo hasta hoy, eran las primeras ideas de 'StarCraft'.

Decidieron usar el motor de sus anteriores trabajos en la saga WarCraft y emplear otro arte, siendo presentado en el E3 de 1996. Pero a los fans no les impresionó, reconoce el CEO y fundador de Blizzard, Mike Morhaime:

"Enseñamos el juego y todo el mundo pensó que era un simple WarCraft con orcos en el espacio. No era la reacción que buscábamos"

Con el ego dañado, Blizzard se puso manos a la obra: el juego necesitaba muchas horas de trabajo, mejoras profundas y repensar cómo se podría desarrollar un juego RTS ambientado en el espacio que fuese realmente increíble. Una modificación de Warcraft no lo iba a ser. El proyecto fue revisado y el foco cambió hacia la creación de tres razas o facciones distintas, siendo en el futuro el cambio más importante respecto a Warcraft, que se basaba en dos bandos rivales emplazados como si fuese un ajedrez.

StarCraft permitiría a los jugadores desarrollar estrategias muy diferentes sobre la base de cada especie, y requeriría pensar y elaborar diferentes estrategias para combatir a las otras dos especies.

A principios de 1997, la nueva versión de StarCraft se dio a conocer, y recibió una respuesta mucho más positiva. Sin embargo, el juego se vio afectado aún por las dificultades técnicas, por lo que se rediseñó por completo el motor de Warcraft II al plazo de dos meses para asegurarse de que muchas de las características deseadas por los diseñadores, como las capacidades de las unidades de madriguera y la capa, podrían ser implementadas. Se mejoró el juego, mientras los fans esperaban irascibles retraso tras retraso, incluyendo sprites pre-renderizados y fondos, construidos con 3D Studio Max. La vista isométrica también fue adoptada por el juego, en contraste con la perspectiva 2D de Warcraft II. El juego fue pionero al emplear música de alta calidad y voces grabadas de la locución de actores profesionales.

StarCraft saldría a las tiendas en 1998 con un éxito comercial sin precedentes. Fue el juego más vendido del año con un millón y medio de copias, llegando a los casi 10 millones en la próxima década con 4,5 millones de estas en Corea del Sur. El sistema de juego online de Blizzard, Battle.net, creció un 800% y, pese a los casi 20 años desde su salida, es aún hoy en día un juego muy popular.

Blizzard se hizo masiva

En el 1999, Blizzard Entertainment era ya una empresa de culto: los jugadores no jugaban a Starcraft, lo amaban; no jugaban a Diablo, lo vivían, no jugaban a Warcraft II, competían día y noche. Era ya la compañía más importante en el género de los juegos de estrategia en tiempo real mientras id Software hacía lo mismo con los juegos de disparos en primera persona. Eran tiempos de cambio y de juegos magníficos.

Lo que no sabía nadie es que tras las puertas cerradas en el campus de Blizzard se estuviese desarrollando algo totalmente nuevo. No era otro Diablo ni otro Starcraft. Era el World of Warcraft, un juego que marcaría a toda una generación y engancharía a millones de jugadores sin importar su género, sexo, raza o edad.

Cinco años de desarrollo y el proyecto más ambicioso. En World of Warcraft encarnaría a un héroe en un mundo de fantasía dividido en razas y en dos facciones. Era algo totalmente nuevo: un juego 3D en tercera persona con elementos de rol en una partida infinita, en un mundo que cambiaba las 24 horas del día, los siete días de la semana, y en el que nunca se acababan las cosas que hacer.

World of Warcraft se convirtió en un fenómeno popular, todos los periódicos importantes de los Estados Unidos dedicaron piezas al juego y muchos cómicos y creativos lo usaron en sus monólogos y sátiras por su capacidad para enganchar y atrapar al jugador en ese mundo sinfín de fantasía.

La ajustada curva de dificultad, su ambientación y su aspecto social hizo que millones de personas quedasen prendados a los videojuegos para siempre gracias a World of Warcraft. El juego fue el mayor éxito de la empresa, pero también su mayor desafío. Un desafío al carácter del equipo, a su cultura; pasar de ser un pequeño grupo de programadores talentosos a una gran corporación no es una tarea fácil.

La organización creció muy rápido, se formaban equipos dentro de la empresa y, de un día para otro, aquel pequeño estudio que portaba juegos se transformó en una de las empresas de videojuegos más grandes e influyentes que existe.

Presente y futuro

World of Warcraft sigue disfrutando de una gran cantidad de suscriptores y de actualizaciones con contenido adicional, pero ha perdido relevancia frente a los eSports free-to-play como League of Legends debido al crecimiento de la industria y al interés de los jugadores por juegos competitivos multijugador con los que disfrutar con sus amigos.

Esta relativa pérdida de interés acontece también al Starcraft II, el sucesor del mejor juego de estrategia real de todos los tiempos, que todavía goza de numerosos torneos, pero que se sitúa a la zaga de títulos de juego en equipo como Counter-Strike o Dota 2. Sin embargo Blizzard continúa haciendo lo mejor que sabe: diseñar grandes juegos de exquisita ambientación y curvas de dificultad magistralmente ideadas que permitan al título ser muy accesible y, a su vez, muy dificultoso de dominar.

El mejor ejemplo es Hearthstone, el último bombazo de la compañía. Cuenta con un planteamiento muy sencillo donde un jugador se enfrenta a otro a través de un mazo de cartas, como en el popular juego de mesa 'Magic The Gathering'. El juego es gratuito y los ingresos son generados a través de micropagos dentro del propio juego que sirven para obtener cartas más rápido, mediante sobres con cartas al azar.

Una fórmula exitosa que se ha convertido en uno de los eSports del momento, jugado por los casuales y por los profesionales. Su variedad, actualizaciones y cambios del metajuego — estrategias y formas de jugar competitivamente — han hecho que el título sea uno de los más populares en Twitch.tv.

La nueva apuesta de la compañía es Overwatch, el primer y prometedor videojuego de disparos en primera persona de la compañía. Su ambientación está basada en una realidad ficticia, un mundo sumido en la anarquía. Para poner fin a esta situación, se funda una fuerza elite internacional llamada Overwatch. Esta fuerza está compuesta por héroes de todos los países cuya hegemonía se ve pronto amenazada, teniendo como consecuencia la destrucción de la organización. Pero el mundo aún necesita héroes.

El juego promete frescura añadiendo toques de rol al manido género de los FPS con la ambientación y cuidado que, tal vez, sólo Blizzard pueda conseguir.

Blizzard ha sido uno de los ejes principales del motor de la industria de los videojuegos en estos últimos 25 años y, aunque no sepamos qué nos deparará la industria en el futuro, sí que podemos intuir que Blizzard seguirá marcando las pautas los próximos 25 años.

• Detrás del dios Himeneo se escondía en realidad el gran mito del himen, alrededor del cual se formulan conceptos erróneos y medias verdades.
• Estos mitos afectan a la forma en la que las mujeres pueden disfrutar libremente de su sexualidad.

El primer gobernador de las Islas Malvinas no respondía al perfil clásico de político. George Rennie había soñado desde niño con ser escultor, por lo que en su juventud decidió viajar a Roma para formarse como artista. Al regresar a tierras británicas, Rennie expuso sus primeras estatuas y bustos en la Real Academia de Artes de Londres. La histórica institución, situada en la mansión Burlington de Picadilly, acogió obras como A Gleaner and Grecian Archer (1828) o Cupid and Hymen (1831). Esta segunda escultura es una alegoría de la pareja formada por Cupido e Himen, una representación que puede encontrarse también en las monedas que Napoleón acuñó para celebrar su boda con María Luisa.

La idea de la escultura de George Rennie es sencilla. El dios romano del amor, Cupido (Eros en la mitología griega), sopla el fuego de la antorcha de Himeneo, considerado como el dios del matrimonio. Pero su obra, que puede contemplarse hoy en día en el Victoria and Albert Museum de Londres, no es la única que inmortaliza a Hymenaeus. El catalán Damià Campeny también representó al dios en una escultura en mármol custodiada en el Salón Dorado de la Casa Llotja de Barcelona. La historia del arte nos enseña numerosas obras más en las que la figura de Himeneo aparece como un joven con una corona de flores en la cabeza y una antorcha pequeña en las manos, representando las llamas del amor.

Lo que sabemos del himen es falso

Según la mitología griega, Himeneo es el dios que preside el cortejo nupcial. La noche de bodas se celebraba por aquel entonces en un aposento conocido como tálamos, un lecho engalanado para la ocasión. Como explica la investigadora Pilar González Serrano, "la joven esposa no era víctima de una violencia dolorosa, ya que todas las niñas, en torno a los diez años, sufrían un ritual de iniciación sexual en el santuario de Artemisa Brauronia". El objetivo era que la pérdida de la virginidad durante la celebración del Himeneo no fuera una "experiencia traumática". Con ese fin, según la profesora de Arqueología de la Universidad Complutense de Madrid, las niñas acudían vestidas de color azafrán a la conocida como arketia o "fiestas de la osa". En esta ceremonia, una sacerdotisa vestida con piel de oso utilizaba un falo artificial, denominado olisbos, para 'romper' el himen de las iniciadas y facilitar así sus primeras relaciones conyugales.

Detrás del dios Himeneo se escondía en realidad el gran mito del himen, alrededor del cual se formulan conceptos erróneos, falsedades y medias verdades Desde la antigua Grecia hasta la actualidad, la errónea imagen del himen intacto ha representado la virginidad, un simbólico rasgo de 'pureza' que se presuponía ante el matrimonio. El cortejo nupcial terminaba en la noche de bodas con unas sábanas manchadas, según la tradición religiosa y cultural vigente durante siglos. En comunidades gitanas, la conocida como prueba del pañuelo es practicada por una juntaora o sicobari, que se encarga de introducir un pañuelo en la vagina de la novia para demostrar con las manchas de sangre —o tres rosas— que la joven llega virgen al matrimonio. En Indonesia, las mujeres que querían acceder al Cuerpo de Policía también debían probar su virginidad mediante un examen similar, una práctica condenada por los activistas de derechos humanos. Porque además de ser contraria a los derechos fundamentales, la prueba es completamente falsa.

El error es asumido incluso por la Real Academia Española. El diccionario de la lengua sostiene que himen, procedente del latín hymen y del griego ὑμήν hymḗn, es el "repliegue membranoso que reduce el orificio externo de la vagina mientras conserva su integridad". El uso del concepto 'integridad' nos devuelve un lenguaje arcaico y despectivo, asociando de nuevo el término himen con la supuesta pureza que refleja la virginidad y la castidad —femenina, por si las dudas—. Sin embargo, según la Dra. María Jesús Cancelo y la Dra. María José Rodríguez, portavoces de la Sociedad Española de Ginecología y Obstetricia (SEGO), "hace muchos años que el concepto de integridad del himen ha perdido la importancia que se le daba en generaciones anteriores". En su opinión, "desde la última década del siglo pasado, con el adelanto del inicio de las relaciones sexuales coitales, así como las características especiales de las relaciones en estas edades [16 años], en las que no es infrecuente el cambio de pareja, hace que los adolescentes hayan dejado de considerar la virginidad como un valor en sí mismo".

Y es que el himen no es una membrana que 'tapice' la vagina y 'deba romperse' durante la primera penetración, ocasionando las manchas de sangre que se buscan en la prueba del pañuelo y exámenes similares. El imaginario popular evocaba la relación sexual inicial como un acto violento, que precisamente trataban de evitar en Grecia con la ceremonia de la arketia. Hoy en día, según las portavoces de la SEGO, "a los jóvenes no les preocupa el estado del himen como ocurría en generaciones anteriores", en las que su ruptura "pudiera suponer para la mujer una merma en su valía personal". Como explican Cancelo y Rodríguez a Hipertextual, quizás en otras culturas o etnias, como la musulmana o la gitana, la integridad de la membrana continúe aún teniendo importancia. Porque detrás del dios Himeneo se escondía en realidad el gran mito del himen, alrededor del cual se han formulado conceptos erróneos, falsedades y medias verdades.

El himen es una membrana situada entre uno y dos centímetros a la entrada de la vagina, como describió primero Avicena y demostró posteriormente Vesalio en una disección realizada en 1544. Su función biológica, a pesar de su conocimiento ancestral, no ha sido determinada todavía, aunque algunos trabajos apuntan que podría servir como "barrera protectora vaginal" frente a las heces y otros materiales, especialmente durante los primeros meses de vida. Sea como fuere, lo cierto es que la apariencia de este tejido mucoso varía diametralmente de una mujer a otra. Según sostienen Hegazy y Al-Rukban en theHealth, el himen de la mayoría de niñas al nacer tiene una forma anular. En otros casos, la membrana adopta una estructura labial, cribiforme o semilunar. Pero la vagina no se encuentra tapizada por completo, dado que en esa situación estaríamos hablando de un himen imperforado, una anomalía que ocurre en un 0,1% de las recién nacidas y provoca la obstrucción del flujo genital.

La forma, el tamaño y la apariencia del himen varían de una mujer a otra. Los cambios pueden deberse a factores diferentes a las prácticas sexuales Tampoco es cierto que la primera relación sexual con penetración conlleve la rotura del himen y el sangrado. Como señalan los doctores Velásquez, Briñez y Delgado, "con la actividad sexual y partos los desgarros del himen dejan unas carnosidades", denominadas técnicamente carúnculas mirtiformes o himenales, unos restos "que han sido considerados erróneamente como demostración de pérdida de la virginidad". El tamaño y la forma del himen varían en cada mujer, además de verse afectados por "la edad, la contextura física, el uso de tampones o las relaciones sexuales". La falta de educación sexual y el desconocimiento nos hace pensar que la primera relación sexual será traumática y dolorosa. ¿Acaso el coito produce la ruptura del himen? Un trabajo publicado en JAMA Pediatrics analizó el himen de 85 jóvenes con una edad entre 13 y 19 años. El 68% declararon no haber practicado el coito, mientras que el 32% sí habían mantenido relaciones sexuales con penetración.

Al analizar la presencia de muescas o hendiduras en la membrana himenal, los investigadores de la Universidad de California observaron que el 91% de las adolescentes "vírgenes" tenían 0-1 muescas o hendiduras en el himen, mientras que un 9% de las jóvenes presentaban de dos a cuatro marcas de este tipo, que asociaríamos tradicionalmente por equivocación a la práctica del coito. Pero en el caso de las chicas que mantuvieron relaciones con penetración, los resultados eran todavía más relevantes: el 67% tenía 0-1 hendiduras o muescas y el 33% presentaba 2-4 signos de este tipo. Es decir, la existencia de dichas marcas se observa más frecuentemente en mujeres que hayan practicado el coito, pero los científicos señalaron que las dificultades en el uso de tampones o los exámenes vaginales con espéculo también pueden provocar estas hendiduras o muescas en la membrana del himen. Por último, el artículo apunta que "las adolescentes que no tienen muescas profundas en el himen aún podrían haber experimentado la penetración", ya que el 52% de las participantes que admitieron haber practicado el coito no presentaban "muescas profundas o hendiduras completas" en las zonas laterales o posteriores del himen. Esta observación llevó a los investigadores a afirmar que "la ausencia de muescas no descarta la penetración", por lo que "el término intacto se debe evitar cuando se describe un himen que está libre de hendiduras".

La presencia de un himen 'intacto' no significa que no haya habido penetración sexual, por lo que los expertos recomiendan evitar el uso de este términoEl estudio, según explican las portavoces de la SEGO, "admitió que no se pueden establecer diferencias concluyentes [sobre las características del himen en niñas o adolescentes que habían tenido o no relaciones con penetración], pues niñas sin relaciones sexuales presentaban hallazgos similares a las que reconocían haberlas tenido". La importancia de investigaciones como la de JAMA Pediatrics estriba, según Cancelo y Rodríguez, en determinar si existen "datos diagnósticos de certeza de existencia o ausencia de penetración que permitan una valoración en los casos de sospecha de abuso sexual". La presencia o no de himen, por tanto, "no debe aplicarse a otras situaciones de la vida real", sostienen las ginecólogas.

En otras palabras, la primera relación sexual con penetración puede resultar dolorosa, pero esa sensación no tiene por qué estar provocada por la "ruptura del himen intacto". En ocasiones la inexperiencia de la pareja, la falta de lubricación, las infecciones o una práctica poco cuidadosa pueden causar pequeños desgarros y/o la presencia de sangre que asociamos erróneamente con la pérdida de la virginidad. Otras veces, sin embargo, el dolor (dispareunia) continúa en posteriores coitos, una sensación que se relaciona con un "problema emocional". Pero nada más lejos de la realidad, ya que puede estar asociado con el vaginismo, un trastorno que produce espasmos involuntarios que cierran la vagina dificultando o impidiendo la penetración. Se han llegado a describir casos excepcionales, como el reportado por unos ginecólogos en 2008 en el que una mujer descubrió, décadas después de practicar coito uretral sin saberlo, que su himen estaba microperforado. Sucesos como este pueden considerarse como problemas médicos poco frecuentes, dado que el himen cambia con la edad y con el efecto de las hormonas femeninas. Como señalan Cancelo y Rodríguez a Hipertextual, el aspecto de la membrana varía desde una estructura fina y pálida en las niñas a un himen más engrosado y rosado en las adolescentes. Aquellas mujeres que no hayan mantenido relaciones con penetraciones pueden, según las portavoces de SEGO, "presentar hendiduras similares a aquellas que sí las han tenido". Estas muescas pueden aparecer "de forma espontánea o a veces tras la introducción traumática de tampones, objetos o estimulación manual", afirman Cancelo y Rodríguez. Y al revés, sostienen las doctoras, "existen hímenes elásticos que permiten la penetración sin desgarrarse".

La evidencia científica ha logrado ya desmontar el mito del himen como una "estructura intacta que tapiza completamente la vagina y que no se modifica por factores distintos a las propias relaciones sexuales". En ese sentido, otro estudio, publicado en Journal of Pediatric and Adolescent Gynecology, determinó que las jóvenes al entrar en la pubertad presentan una membrana himenal redundante y con tendencia a plegarse, dos características diferentes a las que tiene el himen de las niñas pequeñas. Esta evolución es debida a la influencia de los estrógenos, las hormonas citadas por Cancelo y Rodríguez, que provocan un aumento en su elasticidad y engrosamiento. En línea con estas conclusiones, un tercer trabajo en Forensic Science International también planteó que la presencia de muescas o hendiduras puede observarse tanto en jóvenes que hayan mantenido relaciones con penetración como en adolescentes que no hayan practicado el coito. Este último artículo apuntó además la posibilidad de que el uso del tampón se asociara con un incremento del número de hendiduras completas en la membrana himenal. Resultados que demuestran, por tanto, que el himen 'intacto' poco o nada tiene que ver con el concepto tradicional y religioso asociado con la virginidad.

¿Se puede reconstruir el himen?

La técnica de la himenoplastia saltó a los medios de comunicación hace un año, cuando Leticia Sabater anunció que se había sometido a una operación de reconstrucción del himen en una clínica de Miami por 6.000 euros. La intervención quirúrgica, que consiste en reconstruir las posibles roturas o desgarros que pudiera tener la membrana himenal, se ha hecho popular en múltiples consultas de cirugía estética y ginecología. Clínicas como The Gynae Centre en Londres ofrecen la posibilidad de realizar una himenoplastia a aquellas mujeres que lo requieran por cuestiones culturales o religiosas. Desde Hipertextual nos hemos puesto en contacto con varios centros especializados en España, que ofertan la intervención por un precio aproximado de 2.500 euros. Según estas informaciones, "el procedimiento se realiza bajo anestesia local y es cómodo, solo requiere evitar las relaciones sexuales durante los primeros treinta días". Los centros de este tipo también aseguran que "siguiendo las recomendaciones del ginecólogo no existe ningún riesgo". Afirmaciones como estas, sin embargo, giran alrededor de los mitos que han existido históricamente en torno a la membrana himenal.

Los mitos sobre el himen afectan a la forma en la que las mujeres pueden disfrutar libremente de su sexualidad en el mundoLa falta de información fiable sobre la virginidad y el sexismo imperante en la cultura popular no son nuevos. Ya en el siglo XV Fernando de Rojas hizo famosa la reconstrucción del himen en su obra más conocida, La Celestina. En la también denominada Tragicomedia de Calisto y Melibea, la Celestina es célebre por "restaurar el virgo" a "vírgenes ya corruptas". Como asegura Sempronio a Calisto en la obra, "pasan de cinco mil virgos los que se han hecho y deshecho por su autoridad en esta ciudad". Una actividad que, en palabras de Enrique Montero y María Cruz Herrero, "no dejaba de tener su mérito y su rendimiento económico en una sociedad en la que la honra de una mujer se colocaba en su virginidad".

Seis siglos después de la publicación de la novela, resulta terrible pensar que en algunas culturas o etnias la honra de una persona pueda depender de si ha mantenido o no relaciones sexuales. Y más cuando dicha virginidad, según los estudios, no se demuestra con la presencia de una membrana himenal intacta. Autores como V. Raveenthiran cuestionan la necesidad de aprobar la himenoplastia por razones éticas. "¿Es aceptable inventar y promover una técnica quirúrgica que no tiene una indicación científica válida y que simplemente respalda falsas creencias?", se pregunta. Y es que al contrario que la circuncisión, que puede ser practicada por causas médicas más allá de motivos religiosos, la reconstrucción del himen no hace más que perpetuar consideraciones pseudocientíficas y sexistas.

Juristas como Rebecca J. Cook y Bernard M. Dickens apoyan esta visión, aunque también comentan que la pérdida del himen puede afectar el bienestar mental y social de algunas mujeres en determinadas regiones del mundo y que, por tanto, la intervención tendría que ser aceptada en estos casos. "Muchas adolescentes pierden su virginidad [...] por violación o coacción, y, sin reconstrucción del himen, las mujeres pueden enfrentarse a la violencia e incluso la muerte", sostienen. Estos investigadores afirman además que "el procedimiento suele ser legal" y debe ser distinguido de prácticas tan terribles como la mutilación genital femenina.Según los especialistas, la rotura del himen no tiene ninguna influencia para la salud, por lo que no existen razones médicas para realizar la himenoplastia

Pero sus aseveraciones chocan con la realidad de la práctica clínica. Un estudio publicado en The Lancet demostró que la himenoplastia estaba asociada con diversos problemas de salud, como infecciones, hemorragias, incontinencia, fístulas o dolor extremo durante el coito. Estos resultados coinciden con los recogidos por la Sociedad Española de Ginecología y Obstetricia, que señala que "pueden producirse complicaciones como la infección o el sangrado". Cancelo y Rodríguez comentan a Hipertextual, por último, que "no hay ninguna razón médica para realizar esta cirugía, ya que el himen no tiene ninguna funcionalidad en el organismo de la mujer y, por tanto, su rotura no tiene ningún tipo de influencia para la salud".

En otras palabras la reconstrucción del himen, muy popular en algunas culturas, no tiene sentido médico y puede provocar trastornos en las mujeres. Pero lo más significativo es que intervenciones como estas ayudan a respaldar los mitos que existen sobre el himen. Una búsqueda rápida en Internet también nos permite comprar un himen falso por 29,95 dólares o unas píldoras por 59,95 dólares con las que aparentar que hemos sangrado tras mantener una relación sexual. Tres ejemplos que demuestran que el desconocimiento va más allá de la desinformación y se adentra en el terreno arcaico y despectivo del sexismo. Porque el himen, según la evidencia científica disponible, sigue rodeado de mitos que afectan a la forma en la que las mujeres pueden disfrutar libremente de su sexualidad en el mundo.

Repasamos la historia de la red social que nos obsesiona desde hace una década. Twitter pasa en su décimo aniversario por una época turbulenta difícil de solucionar.

Durante diez años Twitter ha sido el lugar de ocurrencias de miles de trending topics, de cientos de miles de hashtags, donde algunos memes pasaban por su juventud tras nacer en 4chan o Reddit, y antes de morir en Facebook o Instagram.

Con el paso de los años su puesto destacado ha ido diluyéndose. Mantiene el pulso del día a día público, pero acabó perdiendo la batalla por la mensajería personal ante las plataformas de mensajería. Los nuevos usuarios optan por Instagram o Snapchat, y la masa opta por Facebook. Pero no por menos relevante hoy, la historia de Twitter es menos importante.

La prehistoria

Twitter, entonces llamado “twttr”, se creó como un producto dentro de Odeo, una compañía de podcasting que pasó más o menos desapercibida. Una especie de SoundCloud rudimentario en el que algunos mantuvimos cuenta y usábamos con interés, pero éramos pocos en total.

Es Noah Glass, uno de los empleados, el que crea el nombre "Twitter". Gracias a la moda de Silicon Valley de la época, comienza llamándose “twttr”. Poco después Jack Dorsey envía el primer tweet.

just setting up my twttr

— Jack (@jack) 21 de marzo de 2006

El tiempo pasa, y los usuarios que hay son básicamente empleados de Odeo y amigos de los mismos. La plataforma va creciendo por el boca a boca y se usa exclusivamente a través de SMS. El 15 de julio del mismo año tienen su primera cobertura en la prensa, a través de sendos artículos en TechCrunch y GigaOm. Mientras que el post de Om Malik es bastante favorable, calificando a Twitter de algo “viral”, “ubicuo” y “adictivo”, Michael Arrington lo define como “un rollo total” aunque califica la idea de “buena” y “viral”. Y es que veréis, jóvenes amigos, viral era la palabra de moda entonces. Todo era viral, incluso los virus.

Pasados varios meses, varios empleados de Odeo, entre ellos los cuatro fundadores, Biz Stone, Evan Williams, Jack Dorsey y Noah Glass deciden fundar la “Obvious Corporation” para comprar la empresa en la que trabajan, Odeo. La compra incluye todos sus activos, entre los que se encuentran Twitter y el dominio Twitter.com, que ya había mutado su nombre para entonces.

La explosión geek

En marzo de 2007 se dispara el número de usuarios, alcanzando el millón. Es todo un éxito y la comidilla durante la convención South by Southwest de 2007 en Texas. La chispa prende la blogosfera y los “geek” se abren cuentas en masa.

Al mes siguiente Twitter sale de Obvious Corporation y se establece como su propia empresa al recibir su primera ronda de inversión: 5 millones de dólares con una valoración total de 20 millones. Poco después compran Summize, un motor de búsqueda que había nacido al calor de la pasión por Twitter.

Creación del hashtag, la mención y el retweet

Lo creáis o no, amigos, Twitter no nació con el hashtag bajo el brazo, ni la mención, ni el retweet. Fuimos los usuarios los que creamos eso.

La primera mención la realizó Robert Andersen en noviembre de 2006:

@ buzz - you broke your thumb and youre still twittering? that's some serious devotion

— Robert Andersen (@rsa) November 3, 2006

Los retweets no tardarían en llegar tras la explosión de usuarios. Y sí amigos, tenías que hacerlo a mano, copiando y pegando el tweet. Poco a poco los clientes no oficiales fueron añadiendo soporte para hacerlo más fácil.

ReTweet: jmalthus @spin Yes! Web2.0 is about social media, and guess what people like to be social about? Themselves. Social Narcissism

— Eric Rice (@ericrice) April 18, 2007

El primer hashtag lo utilizó Chris Messina mucho más tarde, en agosto de 2007

how do you feel about using # (pound) for groups. As in #barcamp [msg]?

— Chris Messina ✌︎ (@chrismessina) August 23, 2007

”Esto de Twitter no está tan mal…”

Jack Dorsey deja de ser el CEO de la compañía para irse hacer yoga y meditar. Luego acabaría fundando Square, una compañía que permite a comercios aceptar pagos por tarjeta de forma fácil y cómoda. Evan Williams le sustituye y empieza la era dorada de Twitter. Comienza a verse el valor de la red social.

Los Juegos Olímpicos de Pekín, la Eurocopa de fútbol, el Mundial de 2010 y varias Superbowl hacen destacar la inmediatez de la información fluyendo por Twitter, y la hacen la herramienta favorita de los medios de comunicación.

Ashton Kutcher consigue ser el primer usuario en alcanzar el millón de followers en un sprint final muy justo entre él y la CNN. Con los usuarios millonarios llegarían los problemas tecnológicos de Twitter, que tuvo durante años problemas para escalar su plataforma.

Victory is ours!!!!!!!!

— ashton kutcher (@aplusk) April 17, 2009

Congrats @aplusk. Ashton Kutcher is the first twitter account to reach 1MM followers.

— CNN Breaking News (@cnnbrk) April 17, 2009

Twitter tiene que instalar servidores concretos para macro-estrellas de la red social como Kutcher, Justin Bieber, Katy Perry, y muchos, muchos, más. Hoy en día Kutcher tiene más de 17 millones de seguidores y está bastante lejos de los más seguidos en la plataforma. Ahora un millón de followers es algo casi baladí. Caitlyn Jenner tardaría solo cuatro horas en conseguir su primer millón de followers desde que crea su cuenta. El anterior récord lo tenía el presidente de Estados Unidos en @POTUS que tardó casi 5h, pero durante un año el récord era de Robert Downey Jr. que había tardado 23 horas en llegar a las siete cifras.

Fail Whale

Durante esta época dorada los problemas de crecimiento eran agudos. Interrupciones constantes del servicio mantenían a los usuarios enfadados tanto por la caída del servicio como por la manifiesta adicción que tenían del mismo.

Twitter crea la Fail Whale, una ilustración de Yiying Lu, que pronto se convirtió en casi un icono mismo de la plataforma. Con camisetas, memes y chistes. El nombre, como todo, surgió de la propia comunidad. Los directivos de Twitter no dudaron en subirse a la ola de la popularidad de la ballena.

Wow, just got a box of customized FailWhale shirts for the entire team, from @tlimongello! Mixed feelings. http://www.zazzle.com/failwhale

— Ev Williams (@ev) June 25, 2008

Llega Costolo

Evan Williams se baja del carro para dejar el volante a Dick Costolo. El antiguo directivo de Google, donde llegó tras crear FeedBurner, lleva a Twitter a su apogeo de usuarios, y consigue una ronda de financiación especialmente alta, de 800 millones de dólares con una valoración total de 8.000 millones. La compañía supera los 100 millones de usuarios activos.

Del amor al odio con los desarrolladores

Twitter estaba dando el estirón y empezaron a llegar problemas. A nivel interno tuvieron que implementar SnowFlake, un sencillo algoritmo que creaba identificadores únicos para cada tweet en un entorno distribuido para paliar la avalancha de tweets durante momentos clave.

Para los usuarios de a pie los cambios empezaron cuando Twitter decide adquirir la famosa Tweetie y la convierte en cliente oficial. Twitter se da cuenta que tenía que controlar la plataforma y no dejar la experiencia final en manos de desarrolladores ajenos. Poco a poco también Android, BlackBerry, Mac y Windows Phone fueron recibiendo sus apps oficiales. Un año después la compra de TweetDeck, el cliente preferido de muchos usuarios y empresas, dejaba clara la apuesta por los clientes propios. Nadie esperaba lo que ocurriría después, cuando Twitter destruyó casi todo el interés de los desarrolladores al limitar el número máximo de usuarios que podía tener cada aplicación. De un plumazo toda la innovación que estaba teniendo lugar sobre la plataforma desapareció.

Fue ese momento en el que, en retrospectiva, se empezaron a notar los problemas de la red social. Hoy podemos decir que Twitter se muere. Lleva un año sin crecer y recientemente empezó a perder usuarios, un signo que ninguna red social ha sabido invertir.

Twitter y la democracia

Twitter se convierte en una herramienta que realmente mide el pulso de la humanidad, al menos de la humanidad con acceso a Internet, claro.

Cientos de protestas mundiales son instantáneamente compartidas y organizadas a través de Twitter. Entre ellas destacan los movimientos de la Primavera Árabe en Egipto, el 15M en España, el movimiento Occupy en Estados Unidos, las protestas en Grecia por la situación económica, la invasión de Ucrania y el movimiento BlackLivesMatter en Estados Unidos y JeSuisCharlie en Francia, las protestas post-electorales en Irán, y muchos, muchos más movimientos. Twitter fue sin duda instrumental en la creación, difusión y organización de todos ellos. Una herramienta de la democracia.

Momentos históricos

Durante los diez años miles de momentos clave han pasado por la red social. Varias muertes, en especial la de Michael Jackson, Paul Walker, Avalanna, una fan de Justin Bieber que murió de cáncer con seis años, Cory Monteith, Steve Jobs y muchos más famosos marcaron los días posteriores en la red social. Pero más allá del luto colectivo digital, hubo varios tweets históricos por su propio peso.

Cuando un avión se estrella en el río Hudson de Nueva York, la imagen capturada por un usuario de Twitter acapara portadas de todo el mundo. Por entonces Twitter no permitía subir imágenes y los usuarios utilizaban servicios alternativos como el ahora difunto TwitPic.

http://twitpic.com/135xa - There's a plane in the Hudson. I'm on the ferry going to pick up the people. Crazy.

— Janis Krums (@jkrums) January 15, 2009

Mientras Estados Unidos intentaba captura a Bin Laden en Pakistan, alguien tuiteó lo extraño que era escuchar helicópteros en Abotabad a esas horas de la noche. Sin querer, expuso al mundo una operación secreta.

Helicopter hovering above Abbottabad at 1AM (is a rare event).

— Sohaib Athar (@ReallyVirtual) May 1, 2011

La NASA declaró que había encontrado hielo, de agua, en Marte.

Are you ready to celebrate? Well, get ready: We have ICE!!!!! Yes, ICE, *WATER ICE* on Mars! w00t!!! Best day ever!!

— MarsPhoenix (@MarsPhoenix) June 20, 2008

Mike Massimino tuiteó desde el espacio por primera vez en 2009.

From orbit: Launch was awesome!! I am feeling great, working hard, & enjoying the magnificent views, the adventure of a lifetime has begun!

— Mike Massimino (@Astro_Mike) May 12, 2009

Barack Obama publicó un tweet para señalar que había ganado las elecciones a presidente de Estados Unidos.

Four more years. pic.twitter.com/bAJE6Vom

— Barack Obama (@BarackObama) November 7, 2012

Durante los premios Oscar de 2014, Bradley Cooper y varios artistas más se toman una fotografía y posterior tweet que, debido a la audiencia del evento y la instantaneidad de la plataforma, rápidamente se convierte en lo más compartido en la historia de Twitter.

If only Bradley's arm was longer. Best photo ever. #oscars pic.twitter.com/C9U5NOtGap

— Ellen DeGeneres (@TheEllenShow) 3 de marzo de 2014

¡A bolsa!

Costolo saca la red social a bolsa y la compañía triplica su valor en bolsa en los cuatro meses posteriores. Este movimiento fue ampliamente visto como algo bueno en su momento, pero que ha llevado los vaivenes de la red social a un entorno más expuesto. La acción hoy se sitúa en un precio mucho inferior a su salida a bolsa, y es fruto de constantes rumores de venta, que nunca se han materializado, aunque Google y Twitter mantuvieron negociaciones que finalmente no llegaron a nada.

Vine y Periscope

Tras no conseguir comprar Instagram Dick Costolo realizó dos compras que definirían el futuro de la compañía. No haber cerrado la compra de Instagram sería "mi mayor fracaso durante mis años en Twitter", según Costolo.

Tras su fundación en verano de 2012, y antes incluso de lanzar al público, Costolo compra Vine en octubre de 2012 por 30 millones de dólares. La plataforma sigue mintiendo el mismo espíritu y forma: vídeos de 6 segundos que se han popularizado increíblemente con el paso de los años, especialmente entre los jóvenes urbanos de Estados Unidos.

Vine pasaría a crear una nueva generación de actores y músicos que alcanzarían cuotas inimaginables de popularidad y serían catapultados a Hollywood debido a su éxito creando vídeos en la plataforma. Algo impensable en 2012.

La otra gran compra fue Periscope. También fue otro gran acierto de Dick Costolo que se adelantó adquiriéndola antes de su lanzamiento público. Tras una competencia dura inicial con Meerkat, Periscope acabó quedando como la plataforma de streaming en directo por excelencia gracias a la integración con el propio Twitter.

Hola de nuevo, Jack

Costolo abandona la compañía y uno de sus fundadores, Jack Dorsey vuelve como CEO temporal mientras buscan uno permanente. Dorsey mantendría su puesto como CEO en Square, la compañía de pagos que creó al dejar la red social. Unos meses después la junta decide que Jack era el CEO permanente que buscaban. Una medida controvertida porque muchos piensan que Dorsey no podría dirigir de forma efectiva ambas empresas.

Poco después Twitter lanza “Moments” para rivalizar con otros servicios curando historias y acontecimientos, ante el desinterés mayoritario de la base de usuarios, que ven como Twitter intenta dar mucho más protagonismo a Moments del valor que realmente acaba aportando.

El futuro

La implementación de un algoritmo de ordenación de tweets crea fricción con los usuarios muy activos del medio, las aplicaciones de terceros cada versión añaden menos funcionalidad al no poder expandir su base de usuarios e ingresos, y las diferencias entre los clientes oficiales y de terceros se agrandan.

El futuro no pinta bien, pero aún queda mucho margen de maniobra. Twitter dará alas a una gran expansión publicitaria para paliar su descenso de usuarios, y la plataforma seguirá aportando valor, de momento.

Nadie sabe a ciencia cierta qué puede hacer Twitter para impedir su probable descenso continuado de usuarios, pero lo más preocupante: ¿puede un director ejecutivo que gasta la mitad de sus energías en otra empresa también en una época clave, llevar el timón de forma efectiva?

El cineasta J.J. Abrams se hizo celebérrimo por ser uno de los creadores de la serie 'Lost'. Esta ha sido su carrera cinematográfica hasta el momento.

Que el cine es una industria y un negocio, especialmente en el caso de Hollywood, lo sabemos bien; como que realizar películas y series de televisión para embolsarse una pasta gansa no implica que, sobre todo en cuanto a las de determinados cineastas, no puedan considerarse buenas obras artísticas. Y hay algunos que se han convertido por méritos propios en verdaderos hombres de la industria, en personalidades cercanas a las del Rey Midas, aunque quizá aún tengan tiempo para demostrar que la ocasión en que más han sobresalido no se ha tratado de una chispa puntual. Jeffrey Jacob Abrams es uno de ellos.

J.J. Abrams en la gran pantalla

La carrera de este neoyorkino comenzó en 1990 cuando Hollywood Pictures y Silver Screen Partners IV produjeron la comedia Taking Care of Business, con los actores James Belushi y Charles Grodin y dirigida por el veterano Arthur Hiller (Love Story, See No Evil, Hear No Evil), cuyo guion había escrito Abrams con Jill Mazursky. Luego, en 1991, el reputado Mike Nichols (The Graduate, Closer) se encargó del primer guion de Abrams en solitario, Regarding Henry, y él produjo la película, un drama protagonizado por Harrison Ford y Annette Bening.Comenzó en el cine como productor y guionista de películas como 'Regarding Henry' o 'Armageddon'

En 1992, escribió y produjo Forever Young, una comedia romántica con trasfondo fantástico que dirigió el mediocre Steve Miner (House: Ding Dong, You’re Dead, My Father, the Hero) y en la que actuaron Mel Gibson, Jamie Lee Curtis y un jovencísimo Elijah Wood. Más tarde, en 1996, fue productor de otra comedia romántica con David Schwimmer, Gwyneth Paltrow, Barbara Hershey, Michael Rapaport y Toni Collette, titulada The Pallbearer, que dirigió Matt Reeves (Let Me In, Dawn of the Planet of the Apes, un compatriota con quien volvería a colaborar en el futuro.

La comedia Gone Fishin’, del insulso Christopher Cain (The Principal, The Next Karate Kid) y producida en 1997, seguía el otro guion que Abrams ha escrito con Mazursky; y en 1998 llegó aquella conocida película de ciencia ficción burda por la que le nominaron junto con su compañero Jonathan Hensleigh como peor guionista en los Premios Razzie, la pasable Armageddon, que contaba con la dirección del pirotécnico Michael Bay (The Rock, The Island) y un reparto competente, integrado por Bruce Willis, Ben Affleck, Liv Tyler, Billy Bob Thornton, Steve Buscemi, Udo Kier, Will Patton, Peter Stormare, Michael Clarke Duncan, Owen Wilson y Jason Isaacs, entre otros.La primera película que dirigió fue 'Mission: Impossible 3' en 2006, y constituyó un alivio para la saga

Abrams produjo en 1999 el único filme del malogrado Donal Lardner Ward, The Suburbans, un melodrama desconocidísimo pese a contar con las interpretaciones de Jennifer Love Hewitt, Will Ferrell, Bridgette Wilson y Ben Stiller; y en 2001, tras crear su famosa productora Bad Robot, la estrenó produciendo Joy Ride, un thriller de terror con Paul Walker y Leelee Sobieski y dirigido por el hoy televisivo John Dahl (Californication, Dexter) cuyo guion había redactado él mismo con Clay Tarver.

Tras unas temporada por completo televisiva, le ofrecieron dirigir en 2006 ese tenso alivio que fue para la saga Mission: Impossible 3, cuyo guion escribió con Alex Kurtzman y Roberto Orci, a los que ya conocía y a quienes volvería a ver en otros proyectos. Naturalmente, el incombustible Tom Cruise encabezaba el reparto, y le acompañaban, entre otros, Ving Rhames, Philip Seymour Hoffman, Laurence Fishburne, Billy Crudup, Jonathan Rhys Meyers, Michelle Monaghan, Simon Pegg y Keri Russell, protagonista de la primera serie que había creado Abrams.

En 2008 produjo para Reeves la catastrófica Cloverfield, de terror y ciencia ficción, una película guionizada por Drew Goddard que no va a ninguna parte; y en 2009, produjo y filmó la que es la mejor entrega de Star Trek hasta la fecha para quien esto escribe, con Kurtzman y Orci como guionistas, una revitalización de la saga, con alguna grata sorpresa para nostálgicos e intérpretes como Chris Pine, Zachary Quinto, Zoe Saldana, Eric Bana, Simon Pegg, Karl Urban o Anton Yelchin, que se portaron la mar de bien.En 2009 filmó la que es probablemente la mejor entrega de 'Star Trek' hasta la fecha

El británico Roger Michell (Notting Hill, Venus) capitaneó en 2010 la comedia periodística Morning Glory, con Rachel McAdams, Harrison Ford, Diane Keaton, Patrick Wilson y Jeff Goldblum, en la que participó la productora de Abrams. Y en 2011, continuando con la nostalgia, este último estrenó Super 8, un correcto y espectacular filme de estilo ochentero que él mismo pagó, escribió y dirigió, aunque la chequera de Steven Spielberg, por ejemplo y muy propiamente, también estaba en el ajo.

Ese mismo año, Abrams produjo la aceptable Mission: Impossible. Ghost Protocol, de Brad Bird (The Incredibles, Ratatouille), de nuevo con Cruise, Pegg y Rhames, y también con Jeremy Renner, Michael Nyqvist, Léa Seydoux, Josh Holloway y Tom Wilkinson. Y en 2013 volvió con su productora al universo trekkie en la digna Star Trek Into Darkness, de la que también estuvo al mando; y regresaron también Kurtzman y Orci para el guion, colaborando con Damon Lindelof, otro de los compinches habituales de Abrams; y al reparto principal de la anterior se unió Benedict Cumberbatch.

Fue productor ejecutivo del poco conocido drama independiente Infinitely Polar Bear, realizado por la primeriza Maya Forbes en 2014, con Mark Ruffalo y Saldana, la cual probablemente vendría recomendada por Abrams desde Star Trek. Y en 2015 puso dinero nuevamente para la entretenida Mission: Impossible. Rogue Nation, dirigida por Christopher McQuarrie, que ya se había visto las caras con Cruise en Jack Reacher tres años antes; Renner, Pegg y Rhames volvieron igualmente, y Sean Harris y Alec Baldwin se unieron a ellos.En 2015 dirigió una de las películas más esperadas por distintas generaciones de cinéfilos, 'Star Wars: The Force Awakens', y fue un gran éxito

Y el mismo año pasado, Abrams tuvo la oportunidad de dirigir una de las películas más esperadas por distintas generaciones de cinéfilos, Star Wars: The Force Awakens, que además produjo y en cuyo guion intervino junto con Michael Arndt y Lawrence Kasdan, que ya había escrito los de The Empire Strikes Back y Return of the Jedi. El resultado fue un espectáculo emocionante y gozoso, poco arriesgado en la trama pero satisfactorio para la mayoría de los nuevos espectadores de la mítica saga de George Lucas y de los de toda la vida, superior a lo que este último había logrado en la trilogía de precuelas. No faltaron los clásicos e indispensables Harrison Ford, Carrie Fisher, Mark Hamill, Peter Mayhew y Anthony Daniels, ni caras nuevas como las de Daisy Ridley, John Boyega, Adam Driver, Oscar Isaac, Domhnall Gleeson, Max von Sydow, Lupita Nyong’o, Gwendoline Christie o Andy Serkis, aunque para los tres últimos es un decir.

Por último, este 2016 se ha estrenado la intrigante 10 Cloverfield Lane, del novato Dan Trachtenberg; en verano podremos ver Star Trek Beyond, dirigida por el peligroso Justin Lin (The Fast and the Furious); y ambas las ha producido el cineasta neoyorkino.

Los proyectos televisivos de J.J. Abrams

Teniendo en cuenta que su propio padre, Gerald, es productor de televisión desde hace más de cuarenta años —con la miniserie de 2014 Houdini, de Uli Edel, como única obra medianamente percibida — y que su madre, Carol, lo fue en algunas ocasiones, ya sabemos de qué casta le viene su profesión al galgo de J.J. y cómo le resultó más fácil meter la cabeza en la industria. Pero dicha facilidad no desmerece ni su esfuerzo ni sus méritos: mientras que en las películas se ha dedicado a remozar proyectos o estilos ajenos con buen tino, en las series de televisión realmente crea.Su propio padre es productor de televisión desde hace más de cuarenta años

Con Reeves creó el drama adolescente Felicity, que se emitió entre 1998 y 2002, con los actores Keri Russell, Scott Speedman, Scott Foley, Tangi Miller, Greg Grunberg y Amanda Foreman, que aparece en sus dos películas de Star Trek, y en la que trabajó un poco con el director Jack Bender y el guionista Adam Horowitz, que colaborarían con él más adelante. Por ejemplo, en su siguiente creación televisiva, Alias, valorado drama de acción e intriga que estuvo en antena desde 2001 hasta 2006, con las interpretaciones de Jennifer Garner, Ron Rifkin, Carl Lumbly, Kevin Weisman, Victor Garber, Michael Vartan, Grunberg y Foreman de nuevo y, por ejemplo, Bradley Cooper o Terry O’Quinn. Y fue entonces cuando entró en contacto con Kurtzman, Orci, Goddard, Michael Giacchino, que se convirtió en su compositor fetiche, y el productor y guionista Jeff Pinkner.Mientras que en las películas se ha dedicado a remozar proyectos o estilos ajenos con buen tino, en las series de televisión realmente crea universos

Pero el éxito más absoluto que Abrams ha cosechado en todos los sentidos es la serie Lost, que comenzó en 2004 por todo lo alto, con un episodio piloto gracias al que le dieron un Emmy como director, y cuyo final vino en 2010 y fue todo un acontecimiento televisivo, con emisiones simultáneas en todo el mundo. El misterio de este drama de fantasía y ciencia ficción se apropió de las mentes de los espectadores mientras fue emitido, y habrá pocas series que se puedan echar más de menos. Abrams la creó con Jeffrey Lieber y Lindelof, y en ella participaron Horowitz, Bender, Goddard, Giacchino y la productora Elizabeth Sarnoff, y en el reparto, Matthew Fox, Evangeline Lilly, Jorge García, Naveen Andrews, Daniel Dae Kim, Yunjin Kim, Michael Emerson, Holloway y O’Quinn, y vuelve a verse a Grunberg al comienzo.

'Alias' fue la primera obra valorada de verdad que realizó en su carrera como cineastaEn 2008, creó la serie de fantasía y ciencia ficción Fringe con Kurtzman y Orci, clarísima heredera del planteamiento de Chris Carter para The X-Files, que contó con J.H. Wyman y Pinkner como algunos de sus principales guionistas. De su reparto formaron parte Anna Torv, Joshua Jackson, Jasika Nicole, John Noble, Blair Brown o Lance Reddick, que probablemente vendría aquí porque Joe Chappelle, uno de los directores de cabecera, fue también responsable de The Wire, esa impresionante serie policiaca que David Simon encabezó entre 2002 y 2008, y Reddick era uno de sus intérpretes habituales. Por otro lado, Leonard Nimoy, célebre por interpretar al primer Spock, actúa en once episodios de Fringe, y está claro que la posibilidad de intervenir en esta serie surgió tras el rodaje de Star Trek en 2009.

Coprodujo The People Speak en 2009, un documental televisivo de Anthony Arnove, Chris Moore y Howard Zinn, 2009 sobre las luchas sociales estadounidenses, basado en el ensayo A People’s History of the United States del historiador neoyorkino Howard Zinn. Y en 2010 creó la fallida serie de acción Undercovers junto con Josh Reims, cuya emisión fue cancelada a dos episodios del final de la única temporada que la compone.El éxito más absoluto que Abrams ha cosechado en todos los sentidos es la serie 'Lost'

Ha sido el productor ejecutivo de series como la sitcom What About Brian, creada por Dana Stevens y con Foreman, el drama Six Degrees, de Raven Metzner y Stu Zicherman, ambos emitidos entre 2006 2007; el thriller de ciencia ficción Person of Interest, de Jonathan Nolan y con Emerson, en antena desde 2011 hasta este 2016; la intriga fantástica de Alcatraz, concebida por Steven Lilien, Bryan Wynbrandt y Sarnoff para una temporada de 2012 con García; Revolution, drama de acción y ciencia ficción de Eric Kripke, que empezó en 2012 y duró hasta 2014; Almost Human, de Wyman, otro thriller de ciencia ficción, emitido entre 2013 y 2014; el drama fantástico y de ciencia ficción Believe, creado por Alfonso Cuarón (Harry Potter and the Prisoner of Azkaban, Gravity) y Mark Friedman en 2014; o 11.22.63, la adaptación de la novela de Stephen King llevada a cabo por Bridget Carpenter este 2016.

Su serie 'Fringe' es una clarísima heredera del planteamiento de 'The X-Files'Y de los pilotos de algunas series que no cuajaron entre 2005 y 2015, como The Catch, Anatomy of Hope, Shelter o Dead People. Además, dirigió en 2006 el episodio 4.269 del programa Jimmy Kimmel Live! y, en 2007, “Cocktails”, uno de la tercera temporada de la comedia The Office, creada por Greg Daniels, Ricky Gervais y Stephen Merchant y emitida entre 2008 y 2013. Y pronto le hincaremos el diente al western de ciencia ficción Westworld de Jonathan Nolan y Lisa Joy, basado en la novela de Michael Crichton, y al drama Roadies, de Cameron Crowe (Jerry Maguire, Almost Famous), ambos para este año y con la producción ejecutiva de Abrams.

Por si todo esto fuera poco, el tipo compuso algunas de las melodías principales de las series que ha creado o en las que ha tomado parte; concretamente, Felicity, Alias, Lost, Fringe, Person of Interest, Alcatraz, Revolution y Almost Human. Se ve que hay cineastas que nunca tienen suficiente; y menos mal.

El síndrome hemolítico urémico presenta una incidencia de dos casos por cada millón de habitantes. Su terapia, el eculizumab, vale 300.000 euros al año. Es uno de los medicamentos más caros del mundo, lo que dificulta el tratamiento de una enfermedad ya de por sí ultra rara.

"Fue como caer en un pozo". Así describe Francisco Monfort, presidente de la Asociación Síndrome Hemolítico Urémico (ASHUA), la situación que vivió hace una década con su hijo. El niño, que solo tenía tres años, pasó de encontrarse mal a que sus riñones se paralizaran por completo. En aquel septiembre de 2006, aunque ni familiares ni médicos lo sabían, el pequeño sufría el primer brote de una enfermedad ultra rara. Bajo el nombre de síndrome hemolítico urémico (SHU), se esconde un trastorno cuya incidencia es de dos casos por cada millón de habitantes.

El reducido número de pacientes en todo el mundo ha dificultado mucho su investigación. A pesar de ello, España, junto a Reino Unido e Italia, se ha posicionado como uno de los países de referencia en el estudio del síndrome hemolítico urémico, incluido dentro del listado de enfermedades raras. La patología ocurre porque "nuestro sistema inmune no distingue los endotelios, los daña y se forman trombos", explica a Hipertextual el Dr. Santiago Rodríguez de Córdoba, investigador del Centro de Investigaciones Biológicas (CIB-CSIC). De algún modo, nuestras defensas destruyen dichos endotelios, que son las paredes de las "tuberías" formadas por los vasos sanguíneos. Como consecuencia, el riñón es el órgano más afectado, aunque el síndrome hemolítico urémico también puede atacar a otros como el cerebro, el hígado, el corazón, los pulmones o el sistema gastrointestinal.

Cuando nuestras defensas nos atacan

La Dra. Margarita López Trascasa, especialista en inmunología del Hospital Universitario La Paz, señala que es la vía alternativa del sistema de complemento la que sufre una desregulación en el desarrollo del síndrome hemolítico urémico. Este mecanismo de complemento "es un conjunto de proteínas del sistema de inmunidad innata que funcionan en cascada", dice la experta a este medio. El sistema de complemento es fundamental en la respuesta que lleva a cabo el organismo ante el ataque de un agente extraño como, por ejemplo, bacterias patógenas. Su objetivo no es otro que lisar o "romper" a los microbios, literalmente. Para ello debe reconocer su parte externa y provocar que "exploten". El problema llega cuando este sistema de complemento se equivoca de superficie exterior. En ese caso, en lugar de romper a las bacterias que nos infectan, creará "agujeros" en las paredes de los vasos sanguíneos. Es lo que sucede en el síndrome hemolítico urémico.

La enfermedad se produce por fallos en el sistema de complemento, un mecanismo de defensa frente a agentes extraños como las bacterias"Desde el punto de vista genético estamos ante una enfermedad compleja", sostiene Rodríguez de Córdoba. A día de hoy la ciencia ha logrado determinar entre ocho y diez genes candidatos que aumentan la predisposición a padecer síndrome hemolítico urémico. "Se trata de genes que codifican proteínas reguladoras del sistema de complemento", explica el investigador. Sin embargo, el ambiente juega un papel fundamental en la aparición de este trastorno, que se manifiesta con brotes agudos como el que sufrió el hijo de Francisco Monfort. "A la enfermedad contribuyen también factores adquiridos, como los autoanticuerpos, y factores ambientales, que actúan como disparadores" de la predisposición genética que tenga un individuo. Una infección o un determinado tratamiento farmacológico, por ejemplo, pueden activar el sistema de complemento. Entonces la persona "no es capaz de diferenciar a un patógeno de sus propios tejidos y los ataca", señala Rodríguez de Córdoba.

"Lo que falla en los pacientes es un escudo que protege a sus propios componentes del daño accidental por parte del sistema inmune", prosigue el científico. En otras palabras, "no necesitas un paraguas cuando no llueve; pero si no tienes paraguas y llueve, te vas a mojar", explica el investigador del CIB-CSIC a Hipertextual. Las personas con síndrome hemolítico urémico presentan "defectos genéticos que les impiden protegerse de su propio sistema inmune". Ante determinados factores disparadores externos, aún no bien conocidos, el sistema del complemento ataca las paredes de los vasos sanguíneos. "Una vez tuvimos el caso de un joven de diecisiete años que perdió el riñón tras un partido de baloncesto. Presentaba una mutación en el factor H -uno de los errores en el ADN que se asocia con los episodios más complicados de esta enfermedad- y se sometió a diálisis. Recibió un trasplante de riñón donado por su padre, y perdió el segundo órgano a las 24 horas", explica López Trascasa, que destaca además que se trata de un trastorno muy poco previsible.

El síndrome hemolítico urémico es una enfermedad sistémica, que afecta a todo el cuerpo, aunque su diana principal sean los riñones"El debut del síndrome es muy agresivo", cuenta Monfort. "En poco tiempo pasas de tener un niño saltando y corriendo a que esté en la UCI y no sepas cómo va a terminar", explica. Su hijo perdió la función renal por completo, lo que le provocó una hipertensión totalmente descontrolada. Llama la atención que el síndrome hemolítico urémico ataque de manera tan fulminante los riñones. "Son el filtro de las impurezas que lleva la sangre", señala el presidente de ASHUA. "Es un órgano diana en otras muchas enfermedades", añade la inmunóloga del Hospital Universitario La Paz. Pero no es el único afectado de esta patología. "Si uno busca daño endotelial en otros órganos se encuentra", explica Rodríguez de Córdoba. En otras manifestaciones asociadas con el síndrome hemolítico urémico, los investigadores también han observado afectación neurológica o problemas de corazón como las cardiopatías. Son la otra cara de una misma moneda. La enfermedad "es una especie de autolesión", describe el científico del CIB-CSIC. Autolesión que destruye las paredes de los vasos sanguíneos para ir dañando lentamente todo el organismo. Primero los riñones, luego el resto del cuerpo.

España lidera el manejo del síndrome

"La enfermedad en los últimos años ha cambiado mucho", en palabras de Francisco Monfort. Él y su familia lo saben de primera mano. En la Navidad de 2006, y ante la imposibilidad de controlar la hipertensión que padecía su hijo, los médicos decidieron extirparle los dos riñones. "Con solo tres años era muy difícil realizar la diálisis y que permaneciera ingresado tantos días", comenta a este medio. "Después de cinco meses en el hospital, volvimos a casa pero siempre regresando para hacer diálisis. Pocos meses después confirmaron que no había tratamiento para la enfermedad. El niño debía permanecer en diálisis durante un tiempo indeterminado. Se hablaba de años, pero no se sabía", dice al otro lado del teléfono.

El eculizumab, comercializado con el nombre de Soliris, fue autorizado en España hace cinco años"Como padres no es que desconfiáramos de las palabras de los doctores, pero necesitábamos saber algo más", cuenta. Por eso se desplazaron hasta Bergamo (Italia), donde estaba Giuseppe Remuzzi, uno de los mayores especialistas en síndrome hemolítico urémico. "Fue muy atento y humano. Nos dedicó casi dos horas para explicarnos con detalle qué era la enfermedad. Al final de la reunión nos dio a entender que dentro de pocos años, posiblemente, habría una solución", relata. Era 2007, el mismo año en el que la Agencia Europea del Medicamento concluía su primer estudio favorable sobre el eculizumab, un anticuerpo monoclonal fruto de la biotecnología, dirigido a frenar la hemólisis o destrucción de los glóbulos rojos. La anemia provocada por esa destrucción era precisamente otro de los síntomas del síndrome hemolítico urémico. El ansiado fármaco contra esta patología cada vez estaba más cerca.

Remuzzi fue, precisamente, el que puso en contacto a Monfort con Rodríguez de Córdoba y otros especialistas de nuestro país. "Los profesionales de la salud en España están liderando el manejo del síndrome", explica el presidente de ASHUA. Tres años después de aquel encuentro, la familia de Francisco recibió la llamada más esperada. "En 2010 nos propusieron un trasplante renal combinado con eculizumab", cuenta. En septiembre, justo cuatro años después de que su hijo sufriera el primer brote, fue trasplantado. Los médicos también dieron el fármaco Soliris al niño por uso compasivo. Un año más tarde, la Agencia Española del Medicamento y Productos Sanitarios autorizó la utilización del eculizumab en nuestro país. "Dos años después de la operación retornó la alegría a la familia. Hasta la fecha el trasplante ha funcionado perfectamente y el medicamento ha frenado los brotes", explica. Fue entonces cuando, un poco más relajados, empezaron a conocer a otros pacientes. "Nos vimos obligados a crear la asociación para devolver la ayuda recibida", relata. Así fue como nació ASHUA, que estima que en España hay entre 400 y 500 pacientes bien diagnosticados. La organización también mantiene contactos hoy en día con otras entidades de pacientes de Europa, Australia y América.

Un tratamiento caro "que salva vidas"

Su pelea, sin embargo, no ha terminado. "Tenemos constancia de casos que no han podido acceder al tratamiento por la crisis", denuncia Monfort. El eculizumab es un medicamento caro, con unos costes que rondan los 300.000 euros al año. "Es de alto impacto, como dicen los políticos, pero salva vidas", sostiene el presidente de ASHUA. Su precio es uno de los retos que cita López Trascasa, quien incide también en que en el futuro será fundamental controlar los brotes del síndrome. Según Monfort, la asociación "ha visto cómo los nefrólogos se ven presionados para reducir el gasto farmacéutico, pero [los políticos] no contemplan que reducir costes de un medicamento puede incrementar por otro lado el gasto de camas en nefrología". El presidente de la entidad es muy crítico en ese sentido. "Hay presión para que se reduzca el uso de este fármaco". La paradoja que explica Monfort no es nueva. El Tribunal Superior de Justicia de Galicia ya sentenció en 2013 que, en relación a la administración de fármacos como el eculizumab, debía prevalecer el criterio médico frente al económico. La Xunta de Galicia había negado esta terapia a un paciente afectado por otra enfermedad ultra rara, la hemoglobinuria paroxística nocturna, que también puede ser tratada con este medicamento. El fallo decía específicamente que la garantía y la protección del derecho a la salud poseían "una importancia singular en el marco constitucional, que no puede verse desvirtuada por la mera consideración de un eventual ahorro económico".

"Hay presión para que se reduzca el uso de este fármaco", denuncia el presidente de la asociación de pacientesASHUA apuesta también por la investigación para hacer frente al síndrome hemolítico urémico. La asociación participó en una campaña, liderada por la Fundación Española para la Ciencia y la Tecnología (FECYT) y ALSA, en la que cada persona que comprase un billete de autobús podía donar un euro en cada adquisición. "El techo se fijó en 10.000 euros, pero al final llegamos a los 20.000", celebra Monfort. El dinero recaudado se destinó al laboratorio de Rodríguez Córdoba, encargado de hacer el diagnóstico genético de la patología en España. Los análisis de ADN "son fundamentales para la prevención", explica el presidente de ASHUA. Los test genéticos son asumidos por la sanidad pública aunque no siempre sucede así. "Tenemos un caso de un paciente de Tarragona en el que los familiares han tenido que pagar los análisis porque su médico ha dicho que no los realiza", denuncia Monfort.

Según explica a Hipertextual Rodríguez de Córdoba, "el diagnóstico genético molecular se realiza siempre que haya diagnóstico clínico". "Tratamos de conocer el factor etiológico, es decir, la causa de la enfermedad", señala. Pero no siempre es posible. "En un 40% de los pacientes, los estudios no identifican un culpable", comenta el experto. Esto puede ser debido a que haya genes adicionales que no se hayan determinado todavía o a causas secundarias que estén confundiendo al médico en el diagnóstico. Los análisis de ADN son realizados por Secugen, una compañía biotecnológica que nació en el seno del CIB-CSIC. Su grupo también realiza un registro de pacientes asociado a un biobanco de muestras, que se cuenta entre los más grandes del mundo. El estudio genético permite no solo "predecir la evolución", sino que también ofrece "ventajas para el consejo genético", en opinión de Rodríguez de Córdoba.

La secuenciación del ADN, sin embargo, "no debe condicionar el tratamiento porque en el síndrome hemolítico urémico, cuanto antes se inicie al tratamiento, más rápido se evitarán problemas como salvar los riñones", explica. Lo que sí está claro es que el diagnóstico genético molecular será imprescindible para la medicina personalizada. En el futuro, seremos capaces de identificar las causas y, en función de ello, individualizar la terapia. Algo que parecía imposible cuando el hijo de Francisco sufrió el primer brote hace solo una década. La ciencia avanza, y salva vidas.

Dejadme que os cuente los detalles de la Operación Mincemeat, una de las estratagemas de contraespionaje más curiosas de la historia.

En la mañana del último día de abril de 1943, un pescador de origen portugués se topó con algo de lo más inesperado y desagradable en la orilla de la extensa y arenosa playa onubense de El Portil, a lo largo de cuya costa el Gobierno del dictador Francisco Franco había mandado construir búkers por si a los Aliados se les ocurría invadir España durante la Segunda Guerra Mundial. Vio el cadáver de un hombre con traje militar, botas, gabardina y chaleco salvavidas, una cartera que tenía atada al cuerpo con una cadena y la cara chamuscada. Lo llevó al puerto y avisó a las autoridades; y cuando a los agentes de la Abwehr destacados en Huelva —como el resto del país se encontraba lleno de ellos porque Franco simpatizaba con el régimen nazi— les fue posible contemplar el contenido de la cartera unos días después, no pudieron menos que pensar que estaban de suerte.

El británico muerto que portaba una carta de vital importancia

Cuando las autoridades españolas comprobaron las pertenencias que llevaba encima, encontraron el carné de un tal William Martin, un capitán galés de la Marina Real Británica de treinta y cuatro años al que habían habilitado como comandante, con su fotografía en él. Así pues, el cadáver se le confió al vicecónsul británico F.K. Hazeldene, que pidió un examen forense, y este reveló que el sujeto había muerto ahogado y había permanecido en el mar entre tres y cinco días, pero no se le realizó una autopsia completa porque llevaba una cruz de plata al cuello y hacérsela sería incorrecto de tratarse de un católico.No se le realizó una autopsia completa porque llevaba una cruz al cuello y sería incorrecto de tratarse de un católico

Un mes más tarde, en el Times se publicó una lista de bajas británicas por la guerra y, junto a la de dos oficiales que viajaban en avión a Gibraltar y que habían perecido al caer el aparato al mar durante el trayecto, apareció el nombre de Martin: la historia cuadraba con el examen forense. Pero la cosa se había puesto de lo más interesante cuando, entre otras cosas de poco provecho, se había hallado en la cartera un pase del Cuartel General de Operaciones Combinadas y una significativa carta de Sir Archibald Nye, Segundo Jefe del Estado Mayor General Imperial, para Sir Harold Alexander, comandante británico en el norte de África.

Dicha carta explicaba la llamada Operación Husky, que se estaba organizando para que, mientras Sir Henry Wilson, general y Caballero del Imperio Británico, atacase Grecia, el propio Alexander hiciera lo mismo en Cerdeña y Córcega, ambas en manos del Eje; y que, además, se planeaba confundir a los alemanes para que creyesen que iban a desembarcar en Sicilia. Y en una carta hallada junto a la otra, Lord Louis Mountbatten, Jefe de Operaciones Combinadas, le contaba a Sir Andrew Cunningham, Comandante en Jefe del Mediterráneo, que Martin llevaba consigo la de Nye a Alexander para entregarla en persona porque contenía información lo suficientemente sensible como para no hacerlo por los canales habituales, por si las moscas. Y, tras el descubrimiento del cadáver, el Almirantazgo le envió comunicaciones en clave al agregado naval de Madrid con suma urgencia para que devolvieran el contenido de la cartera cuanto antes por la enjundia, sobre todo, de la primera carta, que no debía caer en manos inapropiadas.Hitler, siguiendo la información de las cartas que portaba Martin, reforzó sus ejércitos en Cerdeña, Córcega y Grecia para repeler ataques aliados

A mediados de mayo, los documentos estaban de vuelta. Pero ya era demasiado tarde: si Adolf Clauss, técnico en agricultura germano y miembro de la Abwehr, estuvo al tanto de que el pescador había tropezado con el cadáver el mismo día que esto sucedió, él y otros agentes conocían la existencia de las cartas y, no sin ciertos obstáculos, pudieron fotografiar cuanto entrañaba la cartera y enviar el resultado a Berlín para que fuese estudiado por los servicios de inteligencia alemanes, que habían descifrado las comunicaciones del Almirantazgo al agregado naval y que, luego, vieron el nombre de Martin en el Times.

Entonces, Hitler discrepó abiertamente con Mussolini acerca de dónde planeaban desembarcar los Aliados, reforzó sus ejércitos en Cerdeña, Córcega y Grecia, mandando a esta última dos divisiones Panzer y al general Erwin Rommel, el Zorro del Desierto, y se frotó las manos con complacencia. No podía saber en ese momento que acabaría dirigiendo ejércitos fantasma desde el fondo de un búnker berlinés mientras el Tercer Reich se desmoronaba a su alrededor.

Por qué los nazis se tragaron una carne picada en mal estado

Engañar al enemigo para que dé un traspié y aprovecharse de ello para sacar una ventaja táctica es una jugada que se ha visto no pocas veces en los conflictos bélicos, y unas cuantas durante la Segunda Guerra Mundial. La tomadura de pelo más famosa que se organizó a lo largo de la misma fue la Operación Bodyguard, que hizo posible el éxito del desembarco en Normandía de 1944. Pero hubo otras, como antes la Operación Bertram para burlar en Egipto a Rommel en 1942, la soviética Bagration para marchar hacia Alemania desde Bielorrusia en 1944 y la Viersen para que los aliados avanzaran ya hacia el corazón del país en 1945. También, la británica Operación Mincemeat, aprobada por el mismísimo Churchill, en 1943.

Un capitán de corbeta y oficial de inteligencia naval llamado Ewen Montagu, que formaba parte del Comité de los Veinte y, así, comandaba una división del MI5 centrada en el contraespionaje, retomó una idea de Charles Cholmondeley, capitán de la RAF que también integraba el MI5, la cual consistía básicamente en utilizar un cadáver con supuesta información clasificada para desinformar al enemigo: tal era, ni más ni menos, el supuesto William Martin; y todos los datos que los alemanes creían haber recopilado sobre él, así como lo que portaba, era completamente falso.Todos los datos que los alemanes creían haber recopilado sobre William Martin, así como lo que portaba, era completamente falso

Para hacer creíble la identidad de Martin, su misión y las circunstancias de su muerte, escogieron el accidente aéreo en el mar porque los nazis sabían que nunca despachaban documentos tan confidenciales en vuelos sobre territorio hostil, incluyeron en la cartera otros objetos cotidianos, como cartas de amor y fotografías con una novia tan inexistente como el propio Martin, entradas para el teatro, facturas, correspondencia bancaria y hasta un juego de llaves, y tanto las comunicaciones del Almirantazgo al agregado naval de Madrid, cuya clave de cifrado era sencilla, como la lista con el nombre de Martin en el Times sólo estaban destinadas a profundizar en el engaño. Y la cruz que colgaba de su cuello de veras se puso ahí para evitar una autopsia.

Vistieron al desdichado cadáver con un uniforme de la Marina Real, lo conservaron en hielo dentro de un contenedor sellado y lo embarcaron en el submarino británico HMS Seraph, que zarpó el 19 de abril con destino a un punto del Atlántico situado a una milla al sur de las costas onubenses. Una vez allí, ascendieron y el teniente de navío Norman Jewell y sus oficiales, quienes no habían sabido nada de la operación hasta ese instante, sacaron a Martin del contenedor, que otros subalternos habían subido a cubierta antes de que se les mandara permanecer bajo ella, le colocaron el chaleco salvavidas, le amarraron la cartera, rezaron un salmo bíblico y posaron al muerto en el agua con delicadeza y la esperanza de que lo arrastrase la corriente hasta la playa, tal como ocurrió.

El resto de la historia es bien conocido: la treta de la Operación Mincemeat o Carne Picada funcionó, Montagu hizo llegar a Churchill un telegrama en el que se leía: “Se han tragado toda la carne picada”, y los Aliados desembarcaron en Sicilia, tal como pensaba Mussolini, durante la auténtica Operación Husky, enfrentando escasa resistencia, ya que la isla, no sólo carecía de refuerzos, sino que hasta los buques minadores, dragaminas y patrulleros que allí estuvieron destacados habían sido enviados a otros sitios. A lo largo de dos semanas, los alemanes no reaccionaron porque seguían convencidos de que este desembarco no era más que una distracción, y la ocupación de Sicilia concluyó en agosto, tras un mes del inicio de la operación.

A vueltas con la verdadera identidad de William Martin

Montagu contó en su libro The Man Who Never Was, publicado en 1953 y adaptado por Ronald Neame con una película en 1956, que el cadáver al que se disfrazó del comandante imaginario era el de un hombre que había fallecido de neumonía en un hospital de Londres. Sin embargo, el funcionario Roger Morgan afirmó en 1996 que había encontrado evidencias en papeles gubernamentales desclasificados de que se trata en realidad de un mendigo galés alcohólico, quien había sucumbido al ingerir matarratas para suicidarse y respondía al nombre de Glyndwr Michael.Según papeles gubernamentales desclasificados y un memorando del oficial al mando de la operación, el cadáver pertenece a un mendigo galés que se suicidó llamado Glyndwr Michael

Pero hete aquí que John y Noreen Steele, Colin Gibbon, Jesús Ramírez Copeiro y Enrique Nielsen, uniendo sus investigaciones en 2003, propusieron que el cadáver pertenecía verdaderamente a uno de los 379 marinos que perecieron en la explosión y hundimiento del portaaviones británico HMS Dasher, ocurrida en marzo de 1943 ante el estuario escoces del Clyde y los ojos del propio John cuando era niño. Sólo se llegó a enterrar a doce de los marinos, y a las familias que reclamaron al Gobierno se les cerró la boca con un “alto secreto”, y Montagu se reunió con Jewell cuatro días después de la catástrofe para detallarle cómo se llevaría a cabo la Operación Mincemeat.

El mismo Jewell opinaba que era muy improbable que el cadáver de un mendigo envenenado hubiera sido utilizado en la operación, entre otras razones, porque debía dar el pego de un ahogado y la estratagema era tan importante que no se podían permitir fallar en algo así. De hecho, el Seraph navegó desde la base de Blyth, al noreste de Inglaterra, hasta la de Holy Loch, en el noroeste de Escocia, a unas dieciocho millas de la tumba marina del Dasher, antes de marchar hacia las costas de Huelva, y Montagu afirma que transportaron el cuerpo desde Londres hasta Holy Loach, lo cual no parece tener sentido si el Seraph se encontraba antes mucho más cerca, en Blyth.

Además, una de las mujeres del equipo de Montagu contó después que este se hizo primero con el cuerpo del mendigo pero, como llegó a descomponerse demasiado y no parecería un ahogado, decidió usar el de un marino del Dasher, cuya explosión hasta puede que explique por qué el pescador que lo halló en la playa de El Portil dijo haberle visto la cara chamuscada. Y para rematar el cuento, resulta que el hijo de Adolf Clauss, aquel agente de la Abwehr destacado en Huelva durante la guerra, asegura que su padre le contó que los alemanes se llevaron a Martin tras haber sido enterrado en el cementerio de Huelva para practicarle una autopsia a fondo en su base de Spezia, a donde arribaron en submarino, y que la tumba está vacía.La tumba de William Martin siempre ha tenido flores frescas: Isabel Naylor continúa dejándolas como su padre, un emigrado inglés, había hecho

De todos modos, Denis Smyth, historiador de la Universidad de Toronto, tachó esta teoría de conspiranoica en 2010, y alega haber encontrado un memorando de Montagu en el que informa a oficiales de alto rango de que no hay peligro de que se descubra el ardid a pesar del envenenamiento, y que, por tanto, el cuerpo de Martin, que sí está enterrado en el cementerio de Huelva, es el de Glyndwr Michael, cuyo nombre se había añadido a la lápida tras la desclasificación de documentos. Su tumba siempre ha tenido flores frescas, cuyo misterioso origen se despejó en 2002, cuando se supo que es Isabel Naylor, hija de un emigrado inglés, la que se las deja allí continuando con la tradición de su padre, hecho por el que el Gobierno británico la condecoró. Pero no creo que al falso comandante William Martin, sea quien sea, le importe demasiado a estas alturas.

No esperen encontrar el Megaman de NES en esta lista, esta recopilación solo incluye juegos modernos, relativamente jóvenes.

A muchos jugadores les parece muy atractivo un videojuego en el que deban invertir una buena parte de su tiempo dominando la curva de aprendizaje, probando diferentes estrategias, intentando lo mismo una y otra vez hasta que logres hacerlo lo mejor posible, en el menor tiempo, y con la puntuación más alta. No es que disfrutar de juegos más ligeros y casuales sea para seres inferiores y si juegas en modo fácil o normal no mereces el título de "gamer hardcore" que entregan en la oficina de la ridiculez. Es simplemente un estilo que atrae mucha gente a quienes les gusta un reto algo más complicado en sus juegos, como a otros les gusta el picante en sus comidas.

La siguiente lista incluye videojuegos que suelen ser diferentes a la norma, no te toman de la mano la mayoría del tiempo, no tienen piedad a la hora de hacerte fracasar una y otra vez, pueden ser frustrantes, consumen tu tiempo en gran medida, tienes que invertirte verdaderamente en ellos para poder dominarlos. Y, aunque a muchas personas les causan más rabia que diversión y terminan abandonándolos, a otros les causan adicción, y una satisfacción que difícilmente se pueda describir a quien no ha experimentado el éxito en uno de ellos luego de muchos intentos y horas de sufrimiento.

Saga Dark Souls

Esta saga ya está en su tercera entrega, y a pesar de haberse convertido en una marca bastante mainstream, han logrado mantener un excelente nivel en sus juegos con el paso de los años sin "atontarlos" y sin hacerlos inalcanzables tampoco. Técnicamente el primero de la saga fue Demon Souls, un juego sustancialmente más difícil y castigador que cualquier Dark Souls. Quizás se deba al mejor diseño de estos últimos, que su éxito se expandió de la forma en la que lo hizo. Dark Souls introdujo la bonfire por primera vez, esa especie de checkpoint que causa una satisfacción, alegría, sensación de triunfo y seguridad en un juego que parece imposible para quienes los juegan por primera vez, ese poquito de justicia que no existe en Demon Souls.

La bonito de Dark Souls es que From Software hace algo que nadie hace mejor: crean una dificultad completamente orgánica en sus juegos. No existe un "modo fácil" o un "modo más difícil", pero basta con aprender como funciona el juego y sus mecánicas para ver que aprovecharlas al máximo pueden terminar por hacer un juego mucho más accesible o mucho más rudo dependiendo de cómo elijas jugar. Si mejoras tus armas desde el principio, subes mucho de nivel, invocas NPCs o personas en línea para ayudarte, el juego es significativamente más fácil, si optas por todo lo contrario tienes un reto enorme en tus manos. Todo sin cambiar un solo ajuste en la configuración.

• Dark Souls: PC, XBOX 360, PS3.
• Dark Souls II: PC, XBOX 360, PS3
• Dark Souls II Scholar of the First Sin: PC, PS4, XBOX ONE
• Dark Souls III: PC, PS4, XBOX ONE.

Bloodborne

Aunque en teoría Bloodborne forma parte de la saga de Souls, este juego de los japoneses de From Software tiene su propia categoría de dificultad. Mientras Dark Souls tiende a incitar un estilo de juego precavido, el uso de un escudo, un ritmo algo lento, estudioso y delicado; Bloodborne te insta a ir con todo desde el primer momento, a golpear y disparar antes de pensar, a iniciar la pelea en lugar de esperar a que los enemigos te detecten, quizás hay que ser un poco más valiente.

Es un cambio refrescante para quienes estaban acostumbrados a otro estilo de juego, y es también un excelente punto de partida para quienes nunca han jugado algo así. Algunos podrían opinar que es hasta más divertido.

Puedes jugarlo solo en PS4.

Hotline Miami 1 y 2

En el mundo de los juegos independientes pocos se hicieron tan populares en tan poco tiempo como Hotline Miami, el juego terminó llegando a casi cualquier plataforma que existe, y en un par de años ya tenía secuela. Este juego estilo retro con el mejor soundtrack imaginable, se caracteriza por su elevado nivel de dificultad y la enorme cantidad de repeticiones que el jugador debe realizar para poder pasar un nivel. Al mismo tiempo, mientras más juegas, más dominas los movimientos de tu personaje, te aprendes las reacciones de los enemigos, y la satisfacción que causa pasar en modo destructor y machacar todo en tu camino, es simplemente sensacional.

Hotline Miami 2 es un poco más largo que el primero, y aunque se diferencian en poco, hay quienes tienen sus preferencias. La variedad de armas y estrategias del segundo es un plus, pero quizás el primero tiene una dificultad algo más elegante. Sea como sea, necesitarás paciencia, e invertir una buena cantidad de tiempo en aprender a jugar lo mejor posible para no morir en menos tiempo de lo que te toma pestañear.

Puedes jugarlos en PC, PS4, PS3, y PS Vita.

The Witness

The Witness es un juego indie que fue lanzado en enero de 2016, fue alabado por su originalidad y al mismo tiempo por la complejidad de sus rompecabezas. Es un juego con laberintos, misterios y un hermoso mundo magistralmente diseñado. Con todo y lo lindo que se ve, no es nada accesible, debes estar dispuesto a que te duela la cabeza para poder resolver los retos que se te presentan.

Aunque puedes distraerte unos momentos admirando el paisaje y explorando, vas a encontrar unos 700 puzzles que si bien son bastante difíciles, son justos. Y, como en el mismo caso de todos los juegos de esta lista, se trata de aprender bien cómo funcionan las reglas del juego hasta que domines como aplicarlas.

Puedes jugarlo en PC y PS4.

The Swapper

Este es otro juego independiente de rompecabezas y lógica. The Swapper cuenta una historia de ciencia ficción bastante críptica y difícil de descifrar, casi tanto como los puzzles que debes resolver en el transcurso del juego. Tiene un mapa relativamente grande, pero que se hace más largo debido al tiempo que toma completar algunas de las áreas.

Tu única habilidad consiste en clonarte y decidir en que lugar aparecerá cada uno de los tres clones posibles, también puedes "trasmitir" tu consciencia de un clon a otro para tomar posesión de él. Esta dinámica se presta para que te sientas sumamente creativo e inteligente utilizando las mecánicas del juego para avanzar. Al principio lo ponen algo fácil, para que te familiarices con el entorno, pero rápidamente te añaden cada complicación que más de una vez necesitará tomarte un descanso para analizar tus opciones y que no te sangre la nariz.

Puedes jugarlo en PC, PS3, PS4, PS Vista, Wii U, y XBOX ONE.

The Witcher II

The Witcher quizás no sea un juego extremadamente complicado en comparación con otros de esta lista, pero si está bastante por encima en dificultad de la mayoría de los RPGs modernos. La cuestión está en qué esta saga te ofrece diferentes niveles a la hora de comenzar, y aquellos valientes que eligen la dificultad más alta tienen que prepararse para una pequeña tormenta. De los tres juegos de la saga he elegido el segundo porque tiende a ser el más castigador. Aunque la última entrega es sin duda una obra maestra, han sido bastante menos mano dura con la dificultad, incluso en la de pesadilla.

The Witcher 2 tiene un combate un tanto tosco, y necesitas dedicar suficiente tiempo a aprender a dominarlo o pasarás la gran mayoría del tiempo muerto. No solo eso, sino que debes combinar el combate cuerpo a cuerpo con el uso de mugátenos y pociones y un menú tan complicado que en sí mismo es otra cucharada de dificultad grandiosa. Los enemigos son más vulnerables a ciertas armas, ciertas pociones y ciertos materiales, no puedes simplemente usar la misma estrategia con todo, debes leer, aprender sobre tu presa y usar la mejor combinación de recursos. No se trata solo de dar espadazos como loco.

Puedes jugarlo en PC, PS3, y XBOX 360.

S.T.A.L.K.E.R: Shadow of Chernobyl

Este es quizás uno de los juegos más "antiguos" de la lista. S.T.A.L.K.E.R: Shadow of Chernobyl es un videojuego de PC del 2007. Es un shooter en primera persona con muchos elementos RPG, el jugador está ubicado en un mundo en el que ha ocurrido otro desastre nuclear en Chernobyl y el área está plagada de personas y animales mutantes. El mundo es abierto y debes sobrevivir a como de lugar.

A pesar de lo ficticio que suena todo, el juego tiene elementos bastante realistas como la necesidad de dormir y comer, o el hecho de que puedas sufrir de envenenamiento por radiación o simplemente morir de hambre o por una herida sangrante. Es como el modo hardcore de Fallout New Vegas, pero difícil de verdad, y sin la linda música de los años 50.

Puedes jugarlo en PC.

Spelunky

Este es un lindo jueguito de plataformas con unos personajes super adorables y bonitos en un mundo de fantasía en el que debes encontrar tesoros y reliquias antiguas mientras das saltitos y destruyes piedritas. Todo suena muy lindo hasta que te mueres treinta veces en diez minutos. Spelunky es uno de los plataformas 2D más difíciles que puedes encontrar en la actualidad.

Es un juego simple, con alguno que otro item especial que puedes usar para acceder a otra zona, o recoger ese tesoro escondido. Es tan simple que te recuerda a los plataformas del viejo NES, simple y letal. Pero, una vez que aprendes, luego de horas y horas e infinidad de intentos para lograr ese salto especial, gritas de satisfacción al pasar otro nivel. Luego, todo empieza de nuevo.

Puedes jugarlo en PC, XBOX ONE, PS3, PS4 y PS Vita

FEZ

Este juego es tan hermoso como complicado. No solo tiene un concepto sumamente original ejecutado aún mejor, sino que es una maravilla visualmente. Que no te distraigan sun lindos colores brillantes, y lo simpáticos que lucen los personajes con gorritos y demás, FEZ está pensado para destruirte mentalmente. Dejando a un lado la increíblemente abundante cantidad de secretos que esconde este videojuego de rompecabezas, solo los problemas más básicos que debes resolver toman un buen puñado de la energía de tu cerebro.

Si eres más aventurero y quieres descubrir absolutamente todo lo que guarda el mundo de los cubos, vas a tener que pulirte en criptografía, lógica y lenguaje binario. Ah, y también tiene un elemento de plataformas que no le envidia nada a la dificultad de los rompecabezas.

Puedes jugarlo en PC, XBOX 360, PS3, y PS4

ARMA 2 - DayZ

ARMA 2 es un simulador militar hiperrealista en el que si mueres pierdes absolutamente todo lo que llevas encima en ese momento y solo tienes un oportunidad para recuperarlo. No se trata de un shoooter común y corriente al estilo de Call of Duty o Battlefield, sino que involucra muchas tácticas y combate parecido al de la vida real. Es bastante difícil en muchas ocasiones, así que correr sin pensar disparando por ahí usualmente termina mal. Necesitas invertir tiempo explorando y aprendiendo a navegar por los menus y el editor de mapa. El juego tiene un DLC que lo hace aún mejor llamado Operation Arrowhead, y un mod de la comunidad incluso más popular que le mismo juego vainilla: DayZ, considerado uno de los mejores juegos de zombies de la historia.

DayZ aprovecha todo el hiperrealismo de ARMA y lo eleva aún más en un mundo postapocalipttico en el que no solo debes sobrevivir a los zombies, sino a los humanos, ya se que se trata de un multijugador en línea. Empiezas el juego sin nada, y debes intentar sobrevivir a como de lugar y empezar a recolectar comida, agua, medicinas, armas y hasta vehículos. Lo que hace esto aún más difícil es el hecho de que los recursos son bastante escasos, y que necesitaras desde vendajes para curarte, hasta comida y munición muy limitada para defenderte. Y si mueres, se acabó todo, tienes que empezar de cero.

Puedes jugarlo en PC.

Super Hexagon

Uno de los juegos más simples de la lista, y sin embargo uno de los más odiosos. Super Hexagon se trata solamente de tu coordinación mano ojo y qué tan rápido puedas reaccionar y esquivar los obstáculos. Lo mejor se este videojuego es la música, y como el ritmo tan genial que tiene te motiva a seguir intentando romper tu récord una vez más solo para escuchar otros segundos de la pista. Puede llegar a ser increíblemente frustrante, pero no deja de ser divertido y un excelente matatiempo, especialmente en un smartphone.

Puedes jugarlo en PC, iOS, y Android.

Las películas de fantasmas son de las que más hacen las delicias de los espectadores aficionados al terror, pero sólo un puñado merece la pena verlas. Sepamos cuáles son.

Por alguna razón que quizá se nos escape, parece que a la mayoría de los cineastas que se acercan al género les resulta muy complicado realizar una película de terror, ya no de gran calidad, sino sencillamente pulcra. Se pierden por costumbre en los tópicos, la inverosimilitud o la innecesaria truculencia, y esto ocurre muchas veces incluso en ese subgénero temático tan querido y tan sugerente como es el cine de fantasmas, al que se le acaba de unir la secuela de The Conjuring, el último filme del malayo James Wan.

Los espíritus de la gran pantalla

La primera película de terror de la historia es la inevitablemente tontorrona Le manoir du Diable, rodada en 1896 por ese imaginativo mago que era Georges Méliès, y aunque la trama principal le corresponde al Diablo y a sus prácticas vampíricas, también aparecen cuatro espectros conjurados por el mismo, lo que la convierte, además, en el primer filme de vampiros y de fantasmas. Pero la primera obra sobre estos últimos a la que se suele valorar fue una española dirigida por Edgar Neville en 1944, La torre de los siete jorobados, que adaptaba la novela homónima de Emilio Carrere, que de escalofríos no tiene nada y que hoy se siente de lo más ingenua y envejecida.La primera película de terror fantasmal de la historia es 'Le manoir du Diable', de Georges Méliès

Dead of Night es una decente película de cuatro episodios terroríficos y uno cómico, envueltos en una curiosa narración mayor y realizados en 1945 por Alberto Cavalcanti, Charles Crichton, Basil Dearden y Robert Hamer, que adaptan cuentos de escritores como H. G. Wells. Dos de los episodios tratan directamente sobre fantasmas, y en al menos otros dos podría considerarse que interviene algún fenómeno fantasmal. En uno de ellos, por otro lado, nos topamos con el que tal vez sea el primer precedente de los posteriores niños espectrales que nos han dado tan mal rollo en otros filmes; por no hablar, de paso, del episodio centrado en el probable padre de todos los muñecos malvados del celuloide.

Pero no hay que engañarse: los espíritus no han aparecido solamente en el cine de terror, sino también en dramas, simples intrigas y hasta comedias. De hecho, la siguiente película de esta temática que se distinguió fue The Ghost and Mrs. Muir, una simpática comedia dramática rodada por Joseph L. Mankiewicz en 1947 según la novela de R. A. Dick, que era el seudónimo de la escritora irlandesa Josephine Leslie. Y luego llegó el horror elegante y comedido de The Innocents en 1961, que adaptaba una célebre novela de Henry James, The Turn of the Screw, con Jack Clayton a la cabeza, y que introduce el elemento del frío sentido por los personajes cuando un fantasma está presente y el de su posesión de un humano vivo.Los espíritus no han aparecido sólo en el cine de terror, sino también en dramas, simples intrigas y hasta comedias

La característicamente lenta Kwaidan, de Masaki Kobayashi, se produjo en 1964, otro filme de episodios oscuros, basada en los relatos del griego Lafcadio Hearn y en cuya Mujer de la Nieve se puede ver un precursora de las que pueblan lo que treinta años después se conocería como j-horror, el exitoso nuevo cine de terror japonés. Luego, Kaneto Shindô dirigió Kuroneko en 1968, bastante más dinámica que Kwaidan pues va muy al grano, pero con similar aspecto onírico, el mismo recurso a los juegos de luces y sombras y nuevas mujeres fantasmales, además de un pequeño gran problema de verosimilitud, una desacostumbrada sensualidad en una de sus secuencias y, también, la gelidez espectral.

The Legend of Hell House, con la que John Hough adaptó una novela de Richard Matheson en 1973, se malogra en el desenfreno. Y la ya típica trama de una familia con hijos que se muda a una casa encantada, donde casualmente se experimenta una sensación de frío, tiene su primer ejemplo más recordado en la fallida The Amityville Horror, elaborada por Stuart Rosenberg en 1979, la cual cuenta con otro caso de posesión y un perro que siente el mal espiritual. Se la pega por un mal guion con dos callejones sin salida, y ha generado hasta ahora otras trece películas sobre el caso pretendidamente real, pero fraudulento, que relata, incluyendo un remake de Andrew Douglas igual de olvidable en 2005.La trama de una familia que se muda a una casa encantada tiene su primer ejemplo más recordado en 'The Amityville Horror'

El querido John Carpenter aportó su granito de arena en 1980 con The Fog, que posee un intrigante prólogo, pero resuelta elemental y escasamente desarrollada; y los seres sobrenaturales de su historia son un extraño híbrido entre zombis y aparecidos cuya presencia, de nuevo, hace bajar la temperatura del ambiente. Rupert Wainwright se encargó de un remake en 2005, más desarrollado pero sin explicaciones satisfactorias y puntos que chirrían y se lo cargan.

El mismo año que la original, por otra parte, se estrenaron otras dos películas de fantasmas muy reconocidas: The Changeling, de Peter Medak, otra mudanza con una escalada de tensión de lo minúsculo a lo más desasosegante y un espectro infantil haciendo de las suyas, y sobre todo, The Shining, dirigida por el gran Stanley Kubrick, que adapta la perturbadora novela homónima de Stephen King de forma inolvidable, con escenas de tal intensidad que se le quedan a uno en la retina para siempre y la precisión milimétrica que es propia de este cineasta pero enfocada en el horror más absoluto.

El año 1982 nos trajo Poltergeist, de Tobe Hooper, un filme coguionizado por Steven Spielberg al que se recuerda por las escenas espeluznantes que contiene y algunos personajes icónicos, como la niña Carol Anne, encarnada por Heather O’Rourke, y Tangina Barrons, la anciana vidente con la cara de la peculiar Zelda Rubinstein. Su secuela, Poltergeist 2: The Other Side, realizada por Brian Gibson en 1986, se perdió en el exceso, y el cierre de la trilogía que nos dio Gary Sherman en 1988, Poltergeist 3, es lo suficientemente imaginativa como para lamentar que sea tan subestimada. El remake de Gil Kenan, estrenado en 2015, es inferior pero decoroso, con nuevas bajadas de temperatura en presencia de espíritus, y digamos que resume la trilogía con elementos de las tres películas.Poca gente sabe que a la popular 'Ghost', de Jerry Zucker, le salió un remake coreano en 2010

El subgénero fantasmal volvió a la comedia con la añorada Ghostbusters, de Ivan Reitman, en 1984, placentera pero bastante limitada. Tuvo una continuación en 1989, Ghostbusters 2, en la misma línea; y en unos meses veremos qué nos trae la tercera entrega, que reformula el mismo planteamiento con la dirección de Paul Feig.

La impostadísima, absurda y poco menos que irritante A Chinese Ghost Story apareció en 1987, cuyas mujeres espectrales recuerdan a las de Kuroneko, y la responsabilidad de su total falta de gracia es, sobre todo, del realizador Ching Siu-tung, que adaptó el relato de Songling Pu de manera muy torpe. Y completamente diferentes son, en ese sentido, dos filmes de 1988: la gamberra e hilarante Scrooged, versión de Richard Donner de A Christmas Carol, la afamada novela que escribió Charles Dickens, y la surrealista Beetlejuice, a cuya oscura y excéntrica naturaleza ya le gustaría regresar hoy a Tim Burton.

Poca gente sabe que a Ghost, el popular drama romántico de fantasía dirigido por Jerry Zucker en 1990, le salió un remake coreano de Tarô Ohtani en 2010, Gôsuto, como un forúnculo insufrible. Mientras la primera resulta emotiva, graciosa cuando debe y a veces alarmante, la segunda es un tostonazo sentimentaloide que haría perder la paciencia al más curtido espectador.En 'Casper' hay un divertido cameo del cazafantasmas Ray Stantz, al que interpreta Dan Aykroyd

Quizá el ejemplo más famoso de invocación fantasmal sea Candyman, con la dirección de Bernard Rose en 1992, de la que lo único apreciable es la banda sonora de Philip Glass. Y nada que ver con ella tiene la complaciente Casper, que adaptó en 1995 la serie de cortometrajes de animación protagonizados por el fantasmilla infantil entre 1945 y 1979, con la dirección de Brad Silberling y un divertido cameo del cazafantasmas Ray Stantz, al que interpreta Dan Aykroyd. Y en 1996, unos años antes de saltar a la fama, Peter Jackson rodó The Frighteners, una comedia sobrenatural que acaba en un gozoso espectáculo terrorífico, agraciada con una envidiable tensión ascendente y la inspirada banda sonora de un compositor tan oportuno como Danny Elfman.

1999 fue señalado en cine fantasmal. Se estrenó The Haunting, obra de Jan de Bont que adapta por segunda vez una novela de Shirley Jackson, The Haunting of Hill House, tras la película homónima que Robert Wise rodó en 1963. Ambas, que además recurren al elemento de la frigidez espectral, consiguen producir la inquietud que se requerían, pero sólo los medios con que contó De Bont le permitieron afianzar la idea de la casa como ser viviente e, incluso, cierto saludable surrealismo; si bien la de Wise tiene la valentía, para su época, de introducir el ingrediente de la homosexualidad femenina en la trama. David Koepp, por su parte, hizo algo más que inquietarnos con el frío espiritual en la competente Stir of Echoes, adaptación de otra novela escrita por Richard Matheson.Una de las últimas películas realmente conquistadoras de Tim Burton es la oscura y entretenidísima 'Sleepy Hollow'

La sangrienta y algo infravalorada House on Haunted Hill, de William Malone, un remake de aquel patético filme que realizó su tocayo Castle en 1959, justo cuarenta años antes, pese a los toques desagradables y un final que chirría un poco, posee varias secuencias potentes que no se deben ignorar y un matrimonio de anfitriones, interpretados por Famke Janssen y el gran Geoffrey Rush, que son pura dinamita. Contó con una pésima secuela de Víctor García en 2007, Return to House on Haunted Hill. Y Tim Burton estrenó una de sus últimas películas realmente conquistadoras, la oscura, emocionante, despiadada, barroca y entretenidísima Sleepy Hollow, que adapta el cuento de Washington Irving sobre el Jinete sin Cabeza.

Pero si hubo ese año alguna que dejara patidifusos a los espectadores del mundo entero, esa fue The Sixth Sense, con la que el nombre de M. Night Shyamalan alcanzó poco menos que la gloria. El filme, de nuevo con la gelidez espectral, hace principal el elemento del niño que interactúa con espíritus, lo que ya habíamos visto en The Ghost and Mrs. Muir, The Innocents, The Amityville Horror, The Shining, Poltergeist y Stir of Echoes, pero aquí ocurre más en la línea del rodado por Kubrick, y el resultado es un minucioso, impasible, estremecedor y finalmente sorpresivo relato de fantasmas que se encuentra entre lo mejorcito del género.'The Sixth Sense', de M. Night Shyamalan, dejó patidifusos a los espectadores del mundo entero

No se puede decir tanto de Ju-on, la segunda película más recordada del nuevo j-horror, que dirigió Takashi Shimizu en 2000 y que, como su remake estadounidense en 2004 del mismo Shimizu, The Grudge, no va a ninguna parte, y su planteamiento es tristemente similar al de Ringu, con una malvada mujer espectral y, no obstante, un niño de adjunto. En 2001, Steve Beck condujo la injustamente denostada Thirteen Ghosts, otro remake homónimo de un humilde y fallido filme que Castle produjo en 1960 y en el que una misma escena muestra el frío por la presencia de un espíritu y unas plantas que se marchitan.

Los otros es, quizá, la mejor obra cinematográfica del género, un gozoso juguetito narrativo levantado por el español Alejandro Amenábar en 2001, con ecos de The Innocents, precisamente varias vueltas de tuerca y una factura delicada, rotunda, hipnótica y, al final, impresionante: funciona como un reloj, y el recuerdo de la experiencia que supone su primer visionado ya no nos abandona jamás por mucho tiempo que transcurra.'Los otros' es, quizá, la mejor obra cinematográfica del género, un gozoso juguetito narrativo de Alejandro Amenábar

El vigoroso Gore Verbinski se ocupó de la adaptación estadounidense de la novela japonesa que dio origen a la fiebre del j-horror, escrita por Kôji Suzuki y ya adaptada en su país por Hideo Nakata en 1998 con Ringu. Y hay que decir que la versión de Verbinski, The Ring, es infinitamente superior en todos los sentidos, hasta el punto de que puede tratarse de la última gran película de terror. Ringu, aceptable pero un tanto frágil, palidece ante la sinfonía opresiva que construye Verbinski, mucho más espeluznante, coherente y detallista, apuntalada por la rica partitura de Hans Zimmer, y que, además, cuenta con otro animal al que le asusta el mal espiritual, un caballo, como en la versión de The Haunting de Wise.

Los japoneses habían vuelto a las villanías de las mujeres fantasmales, y no podían desaprovechar el filón, así que estrenaron a la vez esa exasperante secuela sin pies ni cabeza de Joji Iida que es Rasen, la cual traiciona y destruye la esencia de la original; y en 1999, Nakata quiso arreglar el entuerto con Ringu 2, otro sinsentido que, en cualquier caso, posee la escena más inquietante de la saga japonesa. Ringu 0: Bâsudei, de Norio Tsuruta, llegó en 2000, una precuela innecesaria que se presenta bien pero pierde el rumbo. Luego, el propio Nakata asumió dirigir la secuela estadounidense en 2005, The Ring 2, su mejor aporte a esta historia, inferior a la de Verbinski pero de verdad aterradora. Y este 2016 se estrenará Rings, el tercer filme estadounidense, obra del español F. Javier Gutiérrez.

En 2007, Guillermo del Toro apadrinó el debut en el largometraje de Juan Antonio Bayona, El orfanato, una película con los fantasmas infantiles más incómodos de los últimos tiempos, y con alguna escena ingeniosa capaz de destrozarnos los nervios a base de bien. Cosa que no logran ni The Conjuring, el digno filme que James Wan estrenó en 2013 y que hace principal el elemento de los videntes e investigadores que acuden a lugares encantados, como ya habíamos visto en The Haunting, The Legend of Hell House, The Changeling, Poltergeist, Ghostbusters, The Frighteners, Los otros y la misma El orfanato, ni Annabelle, su lánguido e inconsistente spin-off de 2014, realizado por John R. Leonetti.'The Ring', la versión de Gore Verbinski de 'Ringu', es infinitamente superior en todos los sentidos, y puede tratarse de la última gran película de terror

Pero la secuela, The Conjuring 2: The Enfield Poltergeist, también de Wan para este 2016, supera a la anterior y nos atemoriza de veras con muy buenos modos. No así otra bastante reciente, The Other Side of the Door, de Johannes Roberts, que mezcla cierta estética asiática de algunos espectros con una historia de aparecidos de corte clásico y, pese a sus apreciables intenciones y correcto desarrollo, termina cayendo por la pendiente de la truculencia innecesaria y no se recupera en su inteligente golpe final. Como muchas otras que no merece la pena mencionar aquí; baste esta relación de los fantasmas más destacados de la historia del cine.

Tras un análisis pormenorizado de las dos versiones de esta interesante historia, aquí os explicamos todas y cada una de las diferencias que hay entre ambas.

Uno de los mayores sueños húmedos para los empollones de la tecnología y de la cultura popular ochentera, geeks y frikis por igual, fue el mundo que trajo consigo la publicación en noviembre de 2011 de Ready Player One, la exitosa novela escrita por el yanqui Ernest Cline. Lo cierto es que, como obra de literatura, se muestra bastante limitadita en su estilo y la profundidad de sus personajes es tan escasa como sus conflictos interiores, pero fue bien acogida por la crítica especializada: Janet Maslin, por ejemplo, la calificó en The New York Times como un “nerdgasmo” con todas las de la ley; además de recibir merecidos elogios por su incuestionable entretenimiento de parte del escritor George R. R. Martin, papá de la saga de Juego de tronos. Se lee con gusto, no hay duda.

Los mismos que la amaron al devorarla aplaudieron la noticia de que el célebre Steven Spielberg, autor de filmes estupendos que parece innecesario enumerar aquí por su fama indiscutible, iba a dirigir la adaptación cinematográfica de la novela, que ha acabado resultando mucho mejor que la obra de la que partía en su terreno, pese a que empeñarse en hacer comparaciones de valor entre un libro y la película con que se lo traslada al cine es como contrastar un tomate y una lechuga de la misma huerta: absurdo. Pero lo que sí tiene sentido es un análisis de las diferencias narrativas elementales entre ambos, o sea, qué ingredientes concretos de la historia cambian en su traslado del papel a lo que antes sería el celuloide; de modo que vayamos a ello.

En el libro de Cline, Wade Watts, el protagonista que cuenta en primera persona su aventura durante la competición para hallar el Huevo de Pascua de James Halliday y Gregarious Simulation Systems (GSS), vive en Oklahoma, no en Columbus, una ciudad con muchísimos vagabundos a la que se muda después de que Nolan Sorrento e Innovative Online Industries (IOI) volase la torre de caravanas de su tía Alice, en la que residía con otros quince individuos y un saco de dormir junto a la secadora, no con un colchón como cama sobre varios electrodomésticos del cuarto de la limpieza. Su encantadora vecina, la señora Gilmore, se encuentra tres caravanas más abajo de la de tía Alice, no en la base de la torre, y en la novela muere por la explosión.

El entorno inicial de Wade es más sórdido de lo que enseña el filme. Acude a clase en un instituto de OASIS, y su avatar, Parzival, es musculoso y lleva una armadura, una espada y un escudo. La portada de la revista Time sobre Halliday la había colgado en su taquilla virtual, no en la pared de su escondrijo en el desguace de coches; y su identificación con él por la incomodidad que sentía en el mundo verdadero queda mucho más clara en la película, donde su evolución al conocer la experiencia vital de Halliday gracias sus deducciones para salir airoso en la Cacería es evidente. El teletransporte a otros mundos de OASIS cuesta dinero, y Parzival no puede permitírselo al comenzar su peripecia.

Su Delorean de Back to the Future (Robert Zemeckis, 1985) luce detalles de otros vehículos: el de Mad Max (George Miller, 1979); de KITT, el de Knight Rider (Glen A. Larson, 1982-1986); el de Los Cazafantasmas (Ivan Reitman, 1984), ECTO-1; y el de Las aventuras de Buckaroo Banzai a través de la octava dimensión (W.D. Richter, 1984); y no se mueve en él durante la batalla final sino en el gigantesco robot Leopardon de la serie Supaidaman (Steve Ditko y Stan Lee, 1978-1979). Wade no es tan desinteresado como en el filme, pues firma contratos ya siendo famoso por los que su imagen sirve para publicitar diversos productos; y es quien teme que Art3mis podría ser un hombre llamado Chuck que mora en el sótano de su madre en Detroit, no Hache.

Como Parzival, no permanece el primero en el Marcador sino que, a lo largo de la Cacería y según el comportamiento de los sixers, cuya apariencia alteran, y de sus amigos competidores, su posición va variando, lo que no sucede en la película de Spielberg. Se construye su propia fortaleza en OASIS y viaja por su espacio virtual en varias naves, y pide ayuda para la batalla definitiva a todos los gunters a través del correo electrónico, no de la televisión de OASIS. Es Wade y no Samantha quien termina en el Reclutamiento Forzoso de IOI, por falsas deudas y según su plan, y quien consigue destruir el escudo esférico del Orbe de Osuvox programando desde la sede de la pérfida compañía a un robot de provisiones, el Johnny Cinco de Cortocircuito (John Badham, 1986), para matar con una bomba al brujo sixer que maneja el Orbe.

Parzival se convierte en Ultraman durante la gran batalla, no Daito, a quien los sixers asesinan en el mundo real a mitad de la novela; y en el interior de semejante artefacto acaba felizmente con el avatar de Sorrento, que no sucumbe matando a todos con el Cataclista igual que en el filme. Wade promete repartir el premio entre sus amigos antes de cruzar la Tercera Puerta, no después de hacerse con el Huevo y ya desconectado de OASIS, y su avatar no llega en el fin de la Cacería a la habitación de la infancia de Halliday, que ya había visitado antes de traspasar la Primera Puerta, sino al despacho de Anorak en su castillo, y adquiere todo su poder y su dinero cuando le estrecha la mano, sin que tantee su aptitud con un contrato legal en el último momento como en la película.

Es Art3mis o Samantha Cook la primera que descubre dónde encontrar la Llave de Cobre, no Wade. Admite ser más parlanchina en la novela, no esconde ningún empeño íntimo para impedir que IOI gane la competición y se lanza a besar a Wade y no al revés como en el filme, donde la identificación de este con Halliday se remata muy adecuadamente. Por otro lado, Hache o Helen Harris no posee un taller en OASIS ni repara vehículos como en la película, sino que ha programado una sala de chat tridimensional como espacio exclusivo de juegos; lo que conduce es una vieja autocaravana y no una furgoneta, y su avatar es más humano que el del filme. El Gigante de Hierro aparece sólo como una opción para elegirlo al confluir el videojuego Black Tiger (Imo Akapa, 1987), no lo confecciona y viste Hache ni ningún otro.

Los únicos que van a la batalla con monstruosos robots no son Hache y Sorrento en la novela, sino que también Art3mis, Shoto y diez sixers además de Parzival los utilizan. Este último y Hache usan insultos y expresiones soeces en la novela y son más competitivos entre ellos; y no conocen a Shoto y Daito pero sí a I-r0k como gunter desde el principio, y no se trata de un antagonista peligroso ni de un mercenario de IOI, únicamente de alguien mezquino; mientras que, en la película, casi no comparte escenas con Wade y nunca habla con Hache. La pareja de espadachines orientales la forman dos japoneses en el libro pero, en el filme, ambos son yanquis, el segundo de ascendencia japonesa, y el primero, china, y no se llama Akihide Karatsu sino Zhou.

La obra de Spielberg cae en la improbabilidad de que los Cinco Mejores se reúnen en Columbus sin dificultades; la novela, no, y en ella, su compañerismo no es inmediato, ni los cuatro supervivientes se conectan a OASIS para la batalla decisiva desde el vehículo de Hache en Columbus, sino en un casoplón indecente de Oregón en el que habita Ogden Morrow, que se presenta al grupo sin previo aviso pero antes de que concluya la Cacería, no después. Por el contrario, Wade se junta con Samantha en las páginas finales. La apariencia del viejo Morrow es diferente a la del filme, algo “entre Albert Einstein y Santa Claus”, y su avatar es otro, no el Conservador de los archivos virtuales de Anroak por los que se sustituye su Almanaque y el diario de Halliday en la película, sino el Gran y Poderoso Og, un hechicero de barba gris.

A Morrow le entrevistan en televisión a medio libro, y Parzival y Art3mis acuden a la discoteca con baile antigravedad por la celebración de su cumpleaños, no en busca de la Llave de Jade. El motivo del fin de la amistad de Morrow y Halliday no fueron también cuestiones sobre OASIS, sino los celos del segundo por la relación de Morrow con Kira específicamente. Halliday es más difícil de tratar que el excéntrico personaje que conocemos en el filme, y tras su muerte, psicólogos trataron de diagnosticarle sin rigor. La frase espuria de Groucho Marx remedada en boca de Halliday transforma “la felicidad” de la novela en “una comida decente” de la película, recuperándola; y cuando Halliday se despide en el libro, no hay sugerencias de inmortalidad virtual en OASIS.

Nolan Sorrento propone a Parzival unirse a IOI y los sixers en la simulación, no proyectándose este último como un holograma en el mundo real igual que en el filme, dentro de su despacho amplísimo en la sede de la compañía en Columbus, donde se halla el villano. No obstante, la propuesta sí se produce en la sede de IOI pero la simulada. Y al decirle el joven que aceptaría si echan al ejecutivo para ocupar él su puesto, los jefes están conformes con tal de que el admirado gunter trabaje para IOI. Y el personaje de F’Nale Zandor, la vil e implacable mano derecha de Sorrento en la película, no existe en el libro de Cline, y el villano, ocasionalmente patético, no está a punto de disparar mortalmente a Wade en el instante climácico de la Cacería, ya habiendo recogido el dichoso Huevo Pascua de Halliday.

Las transiciones de un espacio a otro son más computarizadas en la novela y más físicas en la realidad virtual del filme, el cual además va al grano, como debe ser gracias a todo buen guion: carece de las discusiones culturales del libro y no explica que Halliday se inspiró en el reto de la saga inacabada de videojuegos Swordquest (Dan Hitchens y Tod Frye, 1982-1984) para crear su Cacería. La historia del primer huevo de pascua videogueguil de Warren Robinett en Adventure (1978), fundamental para conseguir el de Halliday, se menciona al comienzo del libro, no al final como en la película de Spielberg. Tanto en esta como en el libro, hay que hacerse con tres llaves, pero en la obra de cine abren en conjunto una sola puerta.

Pero la diferencia más notable entre las dos versiones de la historia de Ready Player One radica en los acertijos y pruebas que los gunters y los sixers deben pasar y resolver para adquirir del Huevo de Halliday. En la novela, están relacionadas con el juego de rol Dragones y Mazmorras (Gary Gygax y Dave Arneson, 1974), el arcade Joust (John Newcomer, 1982), el videojuego Dungeons of Daggorath (Douglas J. Morgan, 1982) y el filme Juegos de guerra (Badham, 1983) para la Llave de Cobre y la puerta número uno en cambio, en la película deben ganar una carrera de vehículos en Nueva York con el tiranosaurio rex del filme Jurassic Park (Spielberg, 1993) o el bueno de King Kong (Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack, 1993).

Para la Llave de Jade y la Segunda Puerta, el desafío tiene que ver con videojuego Zork (Tim Anderson, Marc Blank, Bruce Daniels y Dave Lebling, 1977-1979) y el arcade de plataformas Black Tiger (Masayuki Akahori, 1987); mientras que en la película hay que sobrevivir al Hotel Overlook de El resplandor (Stanley Kubrick, 1980), algo modificado. Y para la Llave de Cristal y la Tercera Puerta, el reto involucra el disco 2112, cuarto álbum de la banda canadiense de rock Rush (1976), el arcade Tempest (Dave Theurer, 1981), la comedia Los Caballeros de la Mesa Cuadrada, de los Monty Python (Terry Gilliam e ídem Jones, 1975) y Adventure, juego ya aludido que constituye lo único que permanece en la obra de Spielberg para este último tramo de la competición. Así, parece acusadísimo que triunfar en la Cacería de la novela requiere mayores habilidades que en la adaptada.

No hay duda de que todas estas variaciones responden a la necesidad de ofrecer un espectáculo cinematográfico con la energía y el ritmo precisos para no aburrir a los espectadores, y propio de su director por otra parte, lo cual resulta por completo comprensible y en ello quiso colaborar el mismo Cline, que firma el libreto de la película con Zak Penn. Y otra de las novedades que llama la atención es que la obsesión extendidísima por la cultura de los años ochenta del siglo pasado, que apasionaba a Halliday, se expande a la de décadas posteriores. Esto se comprueba muy bien en los gunters que participan en batalla final, que no sucede frente al Castillo de Anorak, en el planeta Chthonia, sino ante una fortaleza del planeta Doom, y es lo que IOI envuelve con el campo de fuerza del Orbe de Osuvox. Y, si en la Ready Player One de Spielberg acabamos por saber lo que los Cinco Mejores hicieron con OASIS, Cline prefirió no revelar las decisiones que tomaron los cuatro supervivientes en la novela, para cuyo desenlace los tortolitos son lo que importa.

Un vídeo viral de Facebook nos ha puesto en el disparadero para evitar el efecto espectador y ocuparnos de la necesidad de inculcar la ética del cuidado.

Marina Castejón, una joven madrileña de veinticuatro años, subió con su perro Merlín los cuatro pisos de escaleras que la separaban de su casa en Arganzuela la noche del pasado 24 de abril. Una vez dentro, se sentó ante su ordenador portátil y, emocionalmente exhausta, se dispuso a grabar un vídeo para contar lo que le había ocurrido aquella tarde en el último tramo de la Fiesta de la Primavera, un encuentro de los círculos de Podemos de todo el país, con actividades lúdicas y políticas, celebrado en el espacioso Parque Tierno Galván de la misma ciudad de Madrid, y luego colgarlo en Facebook. No podía ser consciente de la repercusión que sus palabras iban a tener.

Las consecuencias del efecto espectador

“Soy discapacitada”, explica Castejón en su vídeo viral; “tengo epilepsia y un trastorno esquizoafectivo”. Y un poco más adelante: “Cuando me pongo muy nerviosa, normalmente me dan crisis epilépticas”. Es lo que le había sucedido en el evento cuando otra asistente, molesta por la presencia de Merlín, al que Castejón había soltado para que correteara por el césped del parque con otro perro, la increpó a gritos y hasta la insultó por ello. Dándose cuenta de que se encontraba mal, decidió volver a casa; pero también se percató enseguida de que ya era demasiado tarde: no le dio tiempo a dar muchos pasos antes de caer prácticamente en el césped, presa de un ataque epiléptico. Y si la grosera acritud de la otra asistente le ocasionó un buen disgusto, lo que vivió entonces Castejón fue algo intolerable.Las convulsiones epilépticas de Marina Castejón no son muy intensas y permanece consciente durante sus ataques, pero es incapaz de moverse a voluntad

La epilepsia es una enfermedad degenerativa que se produce por una actividad eléctrica anormal en la corteza del cerebro, la cual causa ataques súbitos que se caracterizan por la pérdida de control del cuerpo de inmediato, que se pone rígido, las convulsiones más o menos violentas y, aunque no siempre, la pérdida también del conocimiento. En el caso de Castejón, las convulsiones que la sacuden no son demasiado intensas y, además, permanece consciente durante sus ataques, pero es incapaz de moverse a voluntad.

Así, estuvo desmadejada en tierra durante unos minutos que parecían eternos, agitándose con un papel en la mano donde podía leerse: “Epilepsia”, mientras la multitud de asistentes al evento la rodeaban, pasaban junto a ella por su derecha y su izquierda e incluso los que formaban la cola próxima para utilizar los retretes la observaban en tal estado, como los demás, sin mover un dedo para prestarle ayuda. Y ella, lúcida por completo, se percataba de que esto ocurría y experimentaba una frustración y una tristeza del todo esperables, y la incomprensión de a quien no le cabe en la cabeza sufrir frente a tantísimas personas y que ninguna se dignase a auxiliarla.

Y no se dignaron en el tiempo que duró esta primera crisis epiléptica, ni cuando la misma terminó y la joven lloró “profusamente por el hecho de no haber podido levantarse ni hablar ni hacer absolutamente nada y que nadie le hubiese dicho: «Eh, ¿te pasa algo?, ¿necesitas que te eche una mano?»”, ni cuando le sobrevino una segunda crisis epiléptica, que fue “más épica todavía porque, no solamente le pasaron por la derecha y por la izquierda, sino que además le pasaron por encima literalmente”, ni cuando la crisis concluyó y se dirigió, tambaleándose, hacia donde se encontraba la ambulancia y “los ambulancieros” para que la atendieran, asiendo del brazo a alguien de la organización en el último trecho para que la sostuviese y poder llegar.Castejón: “No puede ser que reivindiquemos la inclusión de los discapacitados y que nadie ayude a alguien que convulsiona en el suelo”

Como había estado un buen rato en el suelo, le dio tiempo a pensar en que, hacía diez minutos escasos, “todos habían estado aplaudiendo felizmente cuando Pablo Echenique”, secretario de Organización de Podemos, “había estado hablando de la inclusión de las personas discapacitadas en la sociedad”. Y Castejón pone el dedo en la llaga: “No puede ser que estemos en un evento político que reivindica esas cosas y que haya una persona convulsionando en el suelo y que nadie se pare a ayudarla”. Pero ¿por qué ocurre esto?

En la psicología social se conoce como “efecto espectador” a aquel fenómeno en el que las personas no ofrecen ninguna clase de ayuda a quien la necesita cuando otros están presentes, y los estudios que se han llevado a cabo al respecto certifican que, cuanta más gente rodee a alguien que requiera ayuda, menos probable es que la consiga y a la inversa. El caso de Kitty Genovese, a la que recordó este año un episodio de la serie Girls y que murió desangrada en 1964 tras un ataque homicida ante la supuesta pasividad de los vecinos, exagerada por la prensa, es el ejemplo clásico del efecto espectador.

Cada uno de los espectadores asume que, como hay muchas otras personas presentes, seguro que alguien se encargará de socorrer o de pedir socorro para la víctima; cuando se comparte la responsabilidad en ello, la presión para actuar disminuye; si uno observa que nadie interviene, puede malinterpretar la situación y hasta pensar que tal vez eso sea lo correcto; y las dudas acerca de lo que sucede conllevan el temor a las consecuencias de entrometerse. “Me parece inhumano”, declara Castejón. Pero lo terrible es que, a día de hoy, el efecto espectador y la insolidaridad que origina en las multitudes resulta algo demasiado humano.

La necesidad de generalizar la ética del cuidado

Algo que Castejón no explica en su “Vídeo-carta abierta sobre cuidados en espacios políticos” es a qué se dedicaba Merlín, su perro, mientras ella padecía las dos crisis epilépticas: lo que suele hacer es tumbarse sobre sus piernas como una forma de protección, y es lo que hizo entonces, que ya era más de lo que está acostumbrada a que los seres humanos hagan por ella con un brete semejante: en la veintena de ocasiones que ha sufrido ataques sin nadie conocido alrededor, sólo la han ayudado en cuatro de ellas, y cuando contó con mejor asistencia, únicamente había una persona presente.Los estudios indican que cuanta más gente rodee a alguien que requiera ayuda, menos probable es que la consiga y a la inversa

Articular una cultura social del cuidado, de la atención y el trato preciso para ciudadanos con discapacidades, es una asignatura pendiente, y nuestras carencias no influyen sólo durante sucesos en los que el efecto espectador malogra las actuaciones correctas, como impedir que quien sufre un ataque epiléptico se golpee con lo que tenga alrededor, colocarle de lado, en posición de defensa, procurar mantener despejadas sus vías respiratorias pero nunca tratar de introducirle nada en la boca, aguardar a que se le pase el ataque y llamar a una ambulancia si dura más de cinco minutos.

También en el diseño del entorno no se tiene en cuenta a las personas epilépticas: la decoración y los carteles luminosos y parpadeantes, las pantallas de vídeos publicitarios callejeras, las luces giratorias de los vehículos policiales y las ambulancias e incluso la disposición geométrica de embaldosados y paredes despiertan las crisis epilépticas porque hurgan en su foco irritativo. Castejón lo pasa mal cuando debe recorrer la Gran Vía madrileña, por ejemplo.

Y cuando alguien padece un trastorno esquizoafectivo, debe lidiar a veces con bruscas variaciones del estado de ánimo, alucinaciones auditivas y delirios paranoides; así que su dinámica social, académica y laboral no puede ser la misma que la de cualquiera, y esto exige la comprensión de la comunidad. Y el hecho de que el origen de dicho trastorno pueda tener relación con padecer además una enfermedad como la epilepsia indica, y es lo que defendía el bueno de Oliver Sacks, que la psiquiatría y la neurología deben unirse en ocasiones para comprender lo que se le viene encima a determinados pacientes.Articular una cultura social del cuidado a ciudadanos con discapacidades es una asignatura pendiente

Castejón puede relatar su experiencia con la incomprensión de lo que conlleva su trastorno en los centros educativos, y con el desprecio médico por las ideas, las necesidades, las sensaciones y los sentimientos de los pacientes psiquiátricos porque, para muchos, lo que tenga que decir alguien que sufre un trastorno como el esquizoafectivo no importa un pimiento, engendrando una frustración enorme en personas como ella, que además está claro que no es ningún zoquete a tenor de su expediente académico —el American Field Service le concedió una beca para estudiar en Estados Unidos y allí la adelantaron dos cursos en un instituto de Boston—, y basta mantener una conversación cara a cara con Castejón para comprobarlo.

Ella bromea cuando cuenta anécdotas ocasionadas por sus enfermedades, como cualquier persona inteligente que sabe que es lo más idóneo para sobrellevarlas, y resulta un encanto cuando se refiere a sí misma como “una loca”, no por ninguna tendencia a la fetichización absurda, sino por lo osado de su autorreferencia tal como está el patio de escrupulosos. Pero no vacila en reivindicar aquello que sirve para mejorar su calidad de vida y cargar contra los que se la hacen difícil. “Hablamos de inclusión en la sociedad de las personas discapacitadas y, sinceramente, lo que yo he visto hoy es que eso significa que se queden en su casa convulsionando tranquilamente, que a mí me da miedito ayudarlas”, dice Castejón en el vídeo.

Y no se queda corta: al margen del aluvión de apoyos que ha recibido cuando este se ha vuelto viral, también ha tenido que vérselas con el uso político torticero que ciertos medios de comunicación han hecho de su experiencia, y con individuos que la acusan de haber fingido sus crisis epilépticas “para dañar la imagen de Podemos” e incluso de no hacerle ningún favor a las personas epilépticas denunciando su caso, o que la insultan y hasta la responsabilizan de lo ocurrido, es decir, otra vez la culpabilización de las víctimas.Los que han machacado a Castejón a causa de sus valientes declaraciones las confirman con su comportamiento insolidario

Lo paradójico es todos los que han aprovechado la mediación de una pantalla para machacar a Castejón a causa de sus valientes declaraciones, por lo visto, no parecen ser conscientes de que su comportamiento insolidario las confirma: el capacitismo ataca de nuevo, la discriminación hacia los discapacitados, quienes para algunos con la empatía de un leño deberían adaptarse a la norma capacitista o excluirse a sí mismos del sistema social.

Sin embargo, los que apoyan a Castejón son mayoría; su vídeo cuenta ya con más de 143.000 reproducciones en Facebook y, además, Echenique le ha escrito para disculparse por lo que le sucedió en la Fiesta de la Primavera, y la diputada Carolina Bescansa la ha llamado por teléfono para lo mismo y para sugerirle que colabore con el área de discapacidades o de diversidad funcional. Podemos convencernos de que Castejón no es una persona frágil, sino sólo una joven con unas necesidades que por una sencilla decencia social debemos cubrir, tal como ella reivindica, y que con ello y la cooperación de sus compañeros, puede lograr mucho en favor de la ética del cuidado.

Pero aún no hemos hablado de algo muy curioso acerca de Marina Castejón. Ha cursado estudios en el Conservatorio Profesional Arturo Soria de Madrid, es cantante profesional, forma parte de un dueto de jazz y de blues, The Family Jewels, junto con el Maestro Moriles, pianista y su propio padre, a ellos se unen de vez en cuando músicos de batería y contrabajo y han compartido escenario con Eva Podless, y sólo ella, con Sir Neville Marriner y los Rolling Stones en su concierto madrileño de junio de 2014.

Lo curioso es que, según dice, si empieza a encontrarse mal y siente que su trastorno va a hacer de la suyas cuando sube al escenario, se dispone a cantar con los focos cegadores y el público ante ella, y se lanza, su ansiedad disminuye hasta que desaparece a lo largo de la actuación. Dicen que la música amansa a las fieras; en este caso, a la fiera esquizoafectiva que a veces queda al descubierto cuando baja la calma de la marea cerebral. Así que podemos suponer que el canto forma parte de los cuidados que Marina Castejón se procura a sí misma, y eso es maravilloso.

“Cuarto Milenio es peligroso porque cuenta cosas que a veces no gustan”, ha dicho Iker Jiménez. Pero, en realidad, lo es porque desinforma a los espectadores.

Si uno se pasea por Twitter los domingos en la noche, podrá comprobar que el programa de televisión Cuarto Milenio, dirigido y presentado para Mediaset desde 2005 por el vasco Iker Jiménez y por su media langosta, la madrileña Carmen Porter, es trending topic en España siempre, excepto entre la segunda quincena de julio y un día variable de septiembre porque ambos periodistas y el resto de su equipo descansan, y tanta gloria llevan en sus vacaciones estivales allá donde lo resistan —el calor del verano, quiero decir— como paz nos dejan a todos los defensores del rigor periodístico. Porque lo suyo es, sin discusión posible, de juzgado de guardia a tenor de su trayectoria, de cómo manejan “los misterios” en los que se les ocurre hurgar, existan con certeza absoluta u opten por sacárselos de la manga.

En el cierre de la temporada décima tercera (13x44), que se emitió el pasado domingo, Iker Jiménez quiso despedirse con estas palabras de sus televidentes adeptos: “Cuando llegábamos a la temporada trece, [el parapsicólogo Enrique de Vicente] (…), con sus códigos cabalísticos y numerológicos, me quería explicar que, habitualmente, este número está presidido por una serie de peleas importantes, y les confieso que así ha sido”, lanzó para empezar. “He estado en los medios (...) por polémicas y por cosas que he soltado aquí, porque he intentado ser libre, me han dejado ser libre (…), y he contado lo que ve un ciudadano normal, que es lo que soy (…). Hemos vivido campañas en contra y ataques tremendos en lo personal (…) del sistema, al que no le gusta que sigamos así, contando lo que contamos y con éxito”.

Y continuó de esta manera: “Habrá más campañas en contra (...), y muchas veces son invenciones (...). Porque resulta que Cuarto Milenio crece y crece y es peligroso porque cuenta cosas que a veces no gustan (…). Y seguro que incluso habrá desafectos y quizá algunos de ustedes se cansen y nos abandonen; pasará de todo. Esto me decía Enrique que iba a pasar en el trece: es el momento de ruptura, de desafección (…). Pero créanme, volveremos si Dios y el cosmos quieren”. De entrada, digamos que está clarísimo que utilizar cuentos esotéricos como la cábala o la numerología para explicar lo que le ocurre a un programa de televisión demuestra que los espectadores no se pueden fiar de uno ni lo más mínimo, pero es que inventarse conspiraciones “del sistema” en su contra ya es de órdago.

Por supuesto, no es el sistema como una malvada abstracción o un bloque poderoso e inverosímil quien se encara con Iker Jiménez y su equipo de Cuarto Milenio, sino todas aquellas personas cabales, reporteros decentes, medios de comunicación donde los magufos no se pueden atrincherar y colectivos comprometidos con la divulgación digna de la información. Es muy triste tener que recordar obviedades como que la labor del periodismo, ya sea en la prensa escrita, en cadenas radiofónicas o en la televisión y pese a tratarse de una profesión liberal, también se rige por una deontología determinada, es decir, por unas obligaciones de cuyo cumplimiento depende la ética y la buena praxis de los periodistas y, por tanto, la confianza que cada uno de los mismos y cada medio ameriten de parte de la ciudadanía.

No es moco de pavo este asunto ni mucho menos, pues las informaciones que la gente obtiene de nuestro trabajo influyen en la opinión pública y en las decisiones que se toman privadamente y como sociedad, en temas nimios y particulares y en aquellos que nos afectan a todos. Y, en cuestiones propias del método científico sobre la naturaleza física del Universo, cómo funciona y lo que existe y lo que no en él, o la salud individual y pública, tanto como en las crónicas de sucesos que se notifican, la veracidad y la exactitud en los datos que proporciona un periodista honesto no son opcionales, no puede elegir si las abraza o nos endilga una milonga sensacional, y sus creencias, intereses o convicciones personales que choquen con esos datos corroborados, ni por asomo deben condicionar su actividad informativa.

No hay más remedio que concluir entonces que Iker Jiménez es la personificación evidentísima de la mala praxis en el periodismo de España, desde que empezó en la emisora del municipio madrileño de Torres de la Alameda en 1990, pasando por su afiliación a la revista Enigmas del difunto Fernando Jiménez del Oso —otra buena pieza— a partir de 1995 o su ya finiquitado programa de radio Milenio 3 en la Cadena Ser desde 2001, hasta el presente Cuarto Milenio en la televisiva Cuatro. Porque aborda con una enorme negligencia cualquier aspecto de las pseudociencias paranormales, desacreditadas de por sí, y lo mejor que podemos sacar de él es una equidistancia improcedente, falsa en muchas ocasiones o, como mínimo, difusa pero a todas luces deshonesta con los datos concretos a la vista.

En su programa hallan acomodo todas las irracionalidades e insensateces del mundo pseudocientífico para vivir fuera de la realidad, por mucho que Iker Jiménez pretenda disfrazarlo con variedades. Y entre visitas de fantasmas, ovnis y demonios por un tubo, milagros, adivinación, vampiros, brujería o conspiraciones locas, sus grandes éxitos por la otra punta incluyen una bochornosa manipulación de las biografías de Abraham Lincoln y John Fitzerald Kennedy para sugerir extraordinarias coincidencias o una delirante insinuación de que el joven Óscar Ortega, fallecido por el atropello de un tren en Santiago de Compostela en mayo de 1988 y sin identificar hasta octubre de 2008 con sus huellas dactilares, viajó en el tiempo a ese día desde una época diferente o a nuestro mundo desde otro (1x17).

Pero también contar la historia sobre el espectro de Ivan Istochnikov, un pobre astronauta de la Unión Soviética que la diñó en el espacio y cuya muerte quiso encubrir la dictadura... y que no era más que un montaje del fotógrafo Joan Fontcuberta —Ivan Istochnivok significa “Juan Fuentes”—, elaborado en 1997 para una exposición de la Fundación Telefónica (1x31); fomentar la superchería del feng shui (2x08) y la pseudoterapia de la acupuntura (2x13) o exponer sin remilgos una leyenda urbana sobre un experimento parapsicológico en la prestigiosa Universidad de Duke, sita en la localidad norcarlorinesa de Durham, en el que se habría predicho el accidente de aviación civil de Los Rodeos de marzo de 1977 y sus 583 víctimas mortales, como un hecho verídico (2x33).

O la expedición a Tassili n'Ajjer, “una de las últimas regiones inexploradas del planeta”, en el Sáhara argelino, sacrificando cabras infelices a “los espíritus de las arenas” y durmiendo a la intemperie (3x01)... cuando se trata de un parque nacional de los más frecuentados del país y con la declaración de Patrimonio de la Humanidad, aeropuerto, hoteles y agencias turísticas en la población cercana de Djanet. Y habían ido allí para ver unas pinturas rupestres de unas figuras antropomorfas con la cabeza extrañamente grande y redondeada que, claro, podrían ser alienígenas... si bien cualquier alumno de Historia del Arte podía decirles que nuestros antepasados prehistóricos dibujaban las cabezas así en ocasiones para dejar claro que son personas, como a las mujeres con los pechos muy notorios y a los hombres con los genitales protuberantes.

Y promocionar la pseudociencia de la grafología (3x10), proponer un análisis insensato de “una aparición” en una foto junto a la catedral de Cuenca (4x06) cuando sus habitantes sabían que se trataba de una mendiga habitual, confundir una portada de la revista satírica yanqui The Onion de octubre de 2006 con una publicación verdadera de noviembre de 1929 (4x12), desvariar con que el bosón de Higgs es Dios, sin metáforas ni autocontrol alguno, y que en su búsqueda con el Gran Colisionador de Hadrones nacería una religión nueva (4x35); o entrevistar a Armando Valdés, el ex militar chileno que aseguraba haber sido abducido una noche de abril de 1977 (4x40) y más tarde reconoció el embuste y que sólo se había separado de sus compañeros de armas para ir a orinar.

Sin olvidar aprovecharse de tragedias humanas tan horribles como el Holocausto nazi para montar un circo del misterio yendo a la caza de psicofonías en el campo de concentración de Dachau (5x26), referirse sin juicio a las pirámides de Bosnia no descubiertas por Semir Osmanagic (6x05), a la posibilidad de los viajes en el tiempo por los neutrinos que no se pueden mover más rápido que la luz (7x04), a las fantasías del doctor Eben Alexander sobre su paseíto por el Cielo durante la semana que estuvo en coma por una meningitis (7x17) y a los ficticios cosmonautas muertos en misiones espaciales soviéticas según los embaucadores Judica-Cordiglia (7x26); o debatir una atrocidad del calibre de si el virus del sida es parte de una conspiración y fue creado en un laboratorio (8x01).

Ni su obstinación en presentar las Caras de Bélmez como un enigma (10x01 y 10x02) cuando se conoce su fraude hace décadas, considerar la pseudoterapia del reiki (11x12), la conspiranoia respecto a la Organización Mundial de la Salud con el antivacunas Miguel Jara (11x25) y, puf, la homeopatía (11x29); insistir en la maldición de la localidad abandonada de Ochate (1x01, 2x28, 5x13 y 12x04) por epidemias que nunca ocurrieron, un bulo del tarotista Prudencio Muguruza; alentar la alarma antiantenas con la enfermedad inexistente de la hipersensibilidad electromagnética (12x05), aseverar que el porno es nada menos que “un arma de destrucción mental” (12x13) o aproximarse como un lamentable crédulo a la fraudulenta casa encantada de Amityville (1x29, 8x40 y 12x18).

O permitir que un ingeniero curricularmente imaginativo y llamado José Luis Cordeiro le descerraje a la audiencia sus animaladas sobre la cercanía de la humanidad inmortal (12x42) —aunque este tipo se lo colara también a noticiarios más prudentes—, deliberar sobre si el cambio climático es antropogénico (9x14 y 12x44), como si hubiese alguna duda real sobre este tema con los estudios bien hechos delante; o promover la locura de los chemtrails (4x11, 8x09, 9x10 y 13x05). Y así hasta el infinito del despropósito más desvergonzado. Porque Iker Jiménez no es “un ciudadano normal” ante las cámaras, sino un periodista con unas obligaciones éticas que incumple sistemáticamente arguyendo que “en la ciencia también hay mafias y modas” (6x12) cuando los estudios científicos contradicen sus descabelladas hipótesis.

No obstante, la verdad es que la difusión en Cuatro de Cuarto Milenio y sus reposiciones en Energy entre 2012 y 2014 y aún en Be Mad TV desde 2016 quizá no resulten tan sangrantes como la de su hermano mayor, el programa radiofónico Espacio en blanco, conducido por el caraqueño Miguel ídem en Radio Nacional de España entre 1989 y 1992 y, de nuevo, a partir de 2008 tras un largo periplo por otras emisoras: el deber de servicio público que se supone que desempeña la Corporación de Radio y Televisión Española como ente estatal debería impedir que fuese acogido en su programación, tanto como que se hable de pseudoterapias, astrología, convocatorias parapsicológicas y enfermedades quiméricas o se entreviste a antivacunas sin la imprescindible rectitud periodística en TVE.

Pero eso no cambia que charlatanes como Iker Jiménez tampoco deberían disponer de ningún hueco en la parrilla de las cadenas privadas por la innegociable exigencia de ofrecer una información veraz, y la demanda de contenidos sobre disparates paranormales o incluso los niveles de audiencia de Cuarto Milenio no pueden servir de excusa a Cuatro ni a Mediaset para eludir su responsabilidad como medio y grupo de comunicación. Y el propio periodista tampoco puede escudarse en la libertad de sus colaboradores —como el médium Aldo Linares— para verter cuantos desbarros quieran, pues la pulcritud periodística de este programa en diferido es de su incumbencia, y las propuestas enajenadas y las flagrantes imprecisiones de su indescriptible espectáculo surgen de su misma boca sin equidistancias fingidas que valgan.

Y que tuviese las narices de pontificar sobre las fake news (2x06, 5x07, 13x15, 13x26 o 13x40) cuando no hay quien oculte que se dedica a la desinformación activa y de ello vive, que recurriese a las ideas del astrofísico escéptico Carl Sagan, contrario a las pseudociencias que él difunde sin pudor ninguno, para reforzar las suyas (5x07 y 13x43); y que se regodeara inclusive en su desfachatez durante una entrevista de noviembre de 2013 afirmando —ojo aquí— que “es un honor causar tirria a los escépticos”, o sea, a los que luchan por una divulgación científica rigurosa y de fiar, supone el colmo de sus méritos para que, por fin, lo cuelguen metafóricamente por los pulgares del palo mayor en aras de defender la limpieza y la honra herida del periodismo en nuestra televisión para que, caray, pueda ser una caja un poco menos tonta.

El jefe del Gobierno de Venezuela ha respondido otra vez a las preguntas incómodas de Jordi Évole, y hemos contrastado lo que ha dicho con los datos disponibles.

Venezuela se halla ahora mismo en el ojo del huracán, y forma parte otra vez de las conversaciones cotidianas, las actualizaciones de las redes, los titulares de la prensa, las tertulias en los programas de televisión y radio y los dimes y diretes en los parlamentos del mundo. Se trata de un fenómeno cíclico que se produce cuando hay noticias de interés internacional relacionadas con este país caribeño: procesos electorales, manifestaciones en contra del régimen chavista, censuras y detenciones irregulares de políticos y periodistas o la oleada de emigrantes venezolanos que huyen de la República Bolivariana en busca de una vida mejor. Y ya no es sólo que se informe de todo ello por los conflictos que suscitan las codiciadas riquezas naturales de Venezuela, como el petróleo, el gas, el oro, la bauxita, el coltán o los diamantes, sino que esto se ha convertido en una costumbre mediática.

Esa es la razón de que Salvados, el programa televisivo de reportajes que presenta Jordi Évole y se emite todos los domingos en el canal español La Sexta, entrevistara a Nicolás Maduro en octubre de 2017 y, de nuevo, este mes de febrero de 2019. Han sido unas de esas raras ocasiones en que el jefe actual del Gobierno de Venezuela ha tenido que responder a preguntas incómodas sobre su gestión, en vez de limitarse a atender a periodistas de medios afines al régimen, que le enjabonan o no le importunan en las ruedas de prensa, o recibir el asentimiento y los aplausos de una Asamblea Nacional Constituyente sin sesiones de verdadero control parlamentario, sin nadie que le replique como es debido igual que en cualquier país democrático que se precie de serlo. Y Maduro no ha llevado frío con las cuestiones de Évole, el cual, de todos modos, podría haberse mostrado más incisivo.

Para empezar, el Presidente negó que hubiese detenciones de periodistas que cubren la crisis en Venezuela, tildando las informaciones al respecto de “montajes” y “manipulaciones de todas las agencias y medios de comunicación internacionales” para “hacer parecer a Venezuela como un monstruo, una dictadura” en primer lugar y, a continuación y sobre los colombianos Mauren Barriga y Leonardo Muñoz y el español Gonzalo Domínguez, tres periodistas de la agencia EFE retenidos el 30 de enero durante veinticuatro horas por el Servicio Bolivariano de Inteligencia (Sebin), de un simple “chequeo”, que puede ser de hasta cuarenta y ocho horas, “como sucede en cualquier país del mundo”. Pero de ninguna manera es cierto que las autoridades policiales puedan retener de forma arbitraria, sin una justificación legal, ni a periodistas ni a nadie en los estados democráticos.

Y Amnistía Internacional ya había hecho la denuncia oportuna sobre la detención reciente e infundada de al menos once periodistas, como los franceses Pierre Caillé y Baptiste des Monstiers, los chilenos Rodrigo Pérez y Gonzalo Barahona, ambos deportados, o los venezolanos Maikel Yriarte y Ana Rodríguez. Este “ataque flagrante y profundamente preocupante contra la libertad de expresión y el derecho a la verdad”, en palabras de AI, rechazado también por la Asociación de la Prensa Extranjera venezolana (APEx) o por Relatoría Especial para la Libertad de Expresión de la Comisión Interamericana de Derechos Humanos (CIDH), no cuadra en absoluto con “el ejercicio pleno de la libertad de expresión” al que se refiere Maduro en la entrevista; sobre todo considerando que es una práctica habitual en Venezuela, con cincuenta y un reporteros detenidos en 2018 según AI.

Ahí tenemos el caso del alemán Billy Six, que investigaba a narcotraficantes y contrabandistas de combustible y material estratégico o la trata de personas y la emigración masiva y que lleva encarcelado en El Helicoide desde noviembre por rebelión, espionaje y “violar zonas de seguridad”, acusaciones de un tribunal castrense siendo él un civil extranjero, tras haber fotografiado a Maduro “muy de cerca”. Además, en el último informe sobre el derecho a la libertad de expresión e información en Venezuela de la organización no gubernamental Espacio Público, durante el año 2017, se documentaron 708 casos de entre las 1.002 denuncias de violaciones de este derecho, y se cerraron “ocho canales de televisión, cincuenta y cuatro emisoras y diecisiete medios impresos que dejaron de circular por falta de papel prensa, seis de ellos indefinidamente”.

Y se bloquearon “trece sitios web informativos, lo que impidió que durante varias horas los usuarios tuvieran acceso a estos medios de información en internet”. Todo porque “el Gobierno utiliza la violencia institucional para censurar mediante restricciones directas o indirectas y a través de los entes estatales”, y la denominada Ley contra el Odio, la Intolerancia y por la Convivencia Pacífica de 2017, que condena “el discurso de odio, pero no lo define ni establece categorías claras” y se aplica así arbitrariamente. Por otro lado, Venezuela se sitúa en el puesto 143 de 180 en la clasificación mundial de libertad de prensa de 2018 —entre Camboya y Sudán del Sur—, que elabora cada año la organización Reporteros Sin Fronteras, con “estatus consultivo” ante la Organización de las Naciones Unidas, la Unesco o el Consejo de Europa y cuyo criterio profesional se emplea para la concesión de ayudas al desarrollo.

RSF asegura que “Nicolás Maduro, en el poder desde 2013, se empeña en hacer callar a la prensa independiente y sigue controlando la información”, y que “una ley adoptada en 2010 [por la Asamblea Nacional de Hugo Chávez] contempla que el gobierno pueda sancionar cualquier contenido que «cuestione a la autoridad constituida legítimamente», lo que se traduce en detenciones abusivas de reporteros y juicios por difamación” y una “interminable tendencia autoritaria”. Tendencia que se ve con total claridad cuando Periscope, Instagram, YouTube, Twitter o Facebook son bloqueadas por CANTV, el proveedor estatal de comunicaciones, para impedir que se divulguen contenidos sobre lo que sucede en Venezuela en temporadas que ponen en jaque al régimen chavista; o al estar al tanto de que, según Espacio Público, cincuenta y tres personas fueron detenidas allí entre 2009 y 2018 por lo que expresaron en las redes sociales y en chats como WhatsApp.

Y esta situación podría empeorar mucho si se aprueba la Ley Constitucional del Ciberespacio, que “justifica y expande aún más los poderes del gobierno para controlar y vigilar el uso de internet sin contrapesos institucionales, lo cual representa una grave amenaza a los derechos humanos de los venezolanos”, y entre otras cosas, “obligaría a los proveedores de servicios de difusión de mensajes (lo cual puede incluir desde redes sociales hasta servicios de mensajería instantánea) a censurar contenidos sin orden judicial previa ni respeto por garantías mínimas de libertad de expresión, ni de debido proceso”, según el concienzudo análisis del anteproyecto que han realizado el Instituto de Prensa y Sociedad de Venezuela y, de nuevo, la organización Espacio Público. Otro clavo en el ataúd de la democracia venezolana, por más que Maduro proclame en la entrevista con Évole que la revolución bolivariana “ha sido ejemplar en su expediente democrático”.

“Estoy convencido de que las fuerzas revolucionarias bolivarianas somos mayoría social, política y electoral y hemos pasado por las pruebas electorales, hemos cumplido con la Constitución de la República y gobernamos por mandato y voluntad nacional”, sostiene, pero dista mucho de ser cierto. Cuando la opositora Mesa de la Unidad Democrática (MUD) obtuvo la mayoría en las elecciones a la Asamblea Nacional con el 56,2 por ciento de los votos en diciembre de 2015, el chavismo designó poco después, antes de la renovación de la AN, a trece magistrados y veintiún suplentes afines sin respetar el proceso establecido por la Constitución y la Ley Orgánica del Tribunal Supremo de Justicia, que luego, en marzo de 2017, se otorgó a sí mismo las funciones legislativas de la AN opositora, en dudoso desacato, y decidió ampliar los poderes de Maduro, contraviniendo nuevamente la Constitución con estas acciones ilegales.

En 2016, la oposición había organizado un referéndum revocatorio contra Maduro y, aunque contaban con el número de firmas necesario para su convocatoria pese a las anulaciones, el Consejo Nacional Electoral chavista lo había rechazado. Pero fue la “ruptura del hilo constitucional” de 2017 la que produjo un virulento rechazo en las democracias occidentales y las protestas de la Rebelión de Abril, a las que el presidente alude durante la entrevista con estas palabras: “Tratamos de convivir con ese Parlamento; fue imposible; y los conflictos llevaron a lo que llamaron la Guarimba, un intento de derrocamiento violento que, entre abril y julio de 2017, incendió el país”. Cualquier parecido con la realidad en su relato es pura coincidencia. “Cuando surgió esa coyuntura, agarré la Constitución y convoqué (...) para que se hiciese un proceso político y regresara la paz al país; y se convocó una elección libre, abierta, popular, y se eligió una Asamblea Nacional Constituyente”.

“O sea, usted crea otro parlamento para pacificar el país”, apostilla Évole. “Y dio resultado: se acabó la violencia, llegó la paz, que era el objetivo”, responde el otro. “Ante esas circunstancias, teniendo en cuenta que, en la última semana, según la ONU, ha habido cuarenta muertos por las revueltas que se han producido en las calles, o treinta y cinco según el Observatorio Venezolano de la Conflictividad Social, ante esta nueva situación no pacífica, cree usted un tercer parlamento”, propone Évole. Y Maduro, quizá sabedor que de que no ha colado ni lo más mínimo la trola del supuesto ánimo pacificador con el que los chavistas consiguieron neutralizar a la Asamblea Nacional reglamentaria de Venezuela, dice que ni flores: “Es una ironía de tu parte; no voy a contestar”. Y como el entrevistador no acepta que sustituir un parlamento ajeno al control chavista por otro ad hoc sea propio de una democracia, el Presidente replica: “Estás envenenado por los noticieros de España contra Venezuela”. Y olé.

La convocatoria, en cualquier caso, no fue legal porque sólo la ciudadanía puede efectuarla tras una consulta según el artículo 347 de la Constitución. El Gobierno, a través de la Fiscalía General, lanzó acusaciones delictivas contra los principales dirigentes opositores, los tribunales del chavismo les impusieron condenas y el CNE, entre otras restricciones que sacaron a más del proceso, prohibió que hubiese candidatos así; y al sectorializar las bases de los comicios, violaron la universalidad del voto que se consagra en el artículo 63 de la Constitución. La participación última de los censados no fue ni del cuarenta y dos por ciento, a lo que hay que añadir que Antonio Mugica, director ejecutivo de Smartmatic, la entidad que se ocupaba del sistema de voto electrónico, reveló en Londres que hubo manipulaciones en los datos de participación electoral: “La diferencia entre la cantidad anunciada y la que arroja el sistema es de al menos un millón de electores”, dijo.

Y, después de todo lo anterior, Maduro aún pregunta lo que sigue: “¿Por qué la Unión Europea le tiene que decir a un país del mundo que ya hizo elecciones presidenciales de acuerdo a sus Constitución, a sus leyes, a sus instituciones, con toda la observación internacional, que tiene que repetir sus elecciones presidenciales?”. Y Évole le contesta: “En las elecciones presidenciales de mayo de 2018, con la abstención más alta de las últimas celebradas, un cincuenta y cuatro por ciento, la empresa que siempre auditaba las elecciones no participó, los únicos observadores internacionales fueron a propuesta de su Gobierno, hubo muchos líderes de la oposición invalidados y, por ejemplo, en el Estado de Bolívar se impugnaron los resultados”. A lo que hay que sumar la práctica odiosa de ofrecer bonos de alimentación o de dinero a la gente empobrecida a cambio de que voten al régimen y, sí, de obligar a los funcionarios públicos a ello con la amenaza de ser despedidos si no obedecen.

No por ninguna razón el impecable factchecking de la Unidad de Inteligencia de The Economist coloca a Venezuela en el puesto 134 de 167 en el Índice de Democracia global, como un régimen autoritario, es decir, sin democracia efectiva, entre Zimbabue y Guinea-Conakri y sólo con Cuba por debajo en Latinoamérica. Un régimen dictatorial que ha apostado por el militarismo y que, según Maduro, dispone de una Milicia Nacional Bolivariana con dos millones de integrantes, algo completamente imposible en opinión del periodista especializado Javier Mayorca: si el Ejército de Venezuela no ha de albergar a más de 200.000 efectivos regulares por “la continuada deserción de las tropas insubordinadas”, la Milicia debe de ser muy inferior porque “el presupuesto no da para tanto”, porque “la fuerza armada nunca tuvo dos millones de fusiles” y, hoy, contará con unos 300.000 como mucho más un número indeterminado de los antiguos belgas. Menudo farol presidencial.

Como ese otro de que “Venezuela no tiene una crisis humanitaria”. Con una inflación en 2018 de casi 1.700.000 por ciento, el ochenta y siete de los ciudadanos en la pobreza, una escasez de medicamentos del ochenta por ciento, un desabastecimiento alimenticio del sesenta y siete y centros hospitalarios en los que muere un niño al día por desnutrición, no parecen muy creíbles las declaraciones del Presidente. Ni lo que difunde de que el desempleo en Venezuela está “por debajo del seis por ciento” pues, según la información del Fondo Monetario Internacional (FMI), es del treinta y ocho, y con tan deplorable tesitura económica, no tendría sentido ninguno esperar algo distinto ni tragarse la cifra del Gobierno. Ni que sitúe la emigración de venezolanos “en el orden de los 600.000 u 800.000”, con la Agencia de Naciones Unidas para los Refugiados (ACNUR) y la Organización Internacional de las Migraciones (OIM) hablando de tres millones en noviembre de 2018, estimación que menciona Évole.

Y una de las cosas inútiles que ofrece Maduro para negociar una salida apacible de la crisis política y del enfrentamiento internacional es acoger a inversionistas yanquis, pero con la destrucción del tejido empresarial, que en agosto de 2017 se contabilizaba con la pérdida de unas 500.000 compañías desde 2008 según María Carolina Uscátegui, presidenta del Consejo Nacional del Comercio y los Servicios (Consecomercio), y de más de 8.000 industrias de capital privado desde que Hugo Chávez llegó al poder según Juan Pablo Olalquiaga, presidente de Conindustria, y con la expropiación de casi 700 empresas entre 2002 y 2016, a las que se les debía en 2017 unos 15.000 millones de dólares en el pago de sus activos según Asdrúbal Oliveros, director de Ecoanalítica, y con los embolados de la terrible inflación, el acceso nulo a materias primas y unos controles estatales excesivos, ¿cuántos inversores estarían dispuestos a poner sus fondos en Venezuela?

La juramentación de Juan Guaidó, miembro del partido de izquierda progresista Voluntad Popular, sin la violencia de un alzamiento, como presidente interino del país “es una payasada sin ninguna base constitucional” y “parte de un golpe de estado” en opinión de Maduro. Pero, en primer lugar, un incidente como un golpe de estado efectivo derribaría al Gobierno, y el chavismo continúa en pie, con el control de las instituciones venezolanas y su cúpula en el Palacio de Miraflores; y en segundo lugar, el juramento de Guaidó se produce porque el artículo 233 de la Constitución de Venezuela establece que, ante la falta absoluta del Presidente electo —que no hay por el fraude de los comicios de 2018— para tomar posesión de la poltrona, “se encargará de la Presidencia de la República el Presidente o Presidenta de la Asamblea Nacional” —es decir, Guaidó— hasta que se convoquen elecciones presidenciales y se escoja a uno nuevo.

Es posible que las faltas absolutas que marca la Constitución sean la incapacidad física o mental permanente, el fallecimiento, la renuncia, el abandono del cargo, la destitución decretada por el Tribunal Supremo de Justicia o la revocación popular, pero la Carta Magna habla del Presidente electo, cosa que Maduro no es sin dudas razonables, el artículo 333 insta a cualquier ciudadano “investido o no de autoridad” para asumir “el deber” de la colaboración “en el restablecimiento de su efectiva vigencia” si el texto constitucional fuese violentado como con las trampas chavistas, y el artículo 350 dice así: “El pueblo de Venezuela, fiel a su tradición republicana, a su lucha por la independencia, la paz y la libertad, desconocerá cualquier régimen, legislación o autoridad que contraríe los valores, principios y garantías democráticos o menoscabe los derechos humanos”, es decir, un pleno para el Gobierno chavista.

Pero el momento culminante de la sinrazón en la entrevista de Salvados ocurre cuando Jordi Évole le hace escuchar a Nicolás Maduro estas palabras del ex presidente uruguayo Pepe Mujica: “Amigos, como está la situación, por disparatada que parezca la propuesta de elecciones totales hecha por Europa, mal que mal daría una salida. Todo esto se puede criticar por principios, pero la peor alternativa es la guerra”, y el jefe del Gobierno venezolano responde: “Yo no he hablado con él; no sé cuál es su pensamiento político”. Facepalm, señoras y caballeros. “La guerra es la paz, la libertad es la esclavitud, la ignorancia es la fuerza”, escribió el indobritánico George Orwell como las consignas de la dictadura en su escalofriante novela 1984. Y uno no puede evitar acordarse del tuit fijo que tiene en lo alto de su timeline el periodista venezolano Luis Carlos Díaz, y que dice así: “El Gobierno miente. No importa cuándo leas esto”. Y tanto que no importa, ciudadanía de Venezuela.

En pocas ocasiones se dice con claridad que, cuando se produce un accidente de circulación con un buen número de víctimas mortales y múltiples heridos, la forma en que reaccionan las autoridades sirve como muestra de su altura política, de si su compromiso con los ciudadanos es cierto y, naturalmente, de algo tan elemental como su honradez, su sentido de la justicia y su disposición a defenderla por encima de cualquier otro interés involucrado. Los hechos que tuvieron lugar tras el accidente de Metrovalencia de 2006 no dejan demasiadas dudas sobre este asunto.

El accidente

Pasada una hora del mediodía del 3 de julio, dos unidades de la línea uno de Metrovalencia, con sendos coches motores cada una y unos 150 pasajeros a bordo, abandonaron la estación de la Plaza de España en dirección a la de Torrent. Cuando se hallaban a unos cincuenta metros de la estación de Jesús, descarrilaron en la curva de acceso a esta. Fue el accidente de metro más grave de la historia de España, el tercero en Europa y el cuarto en el mundo.El de Valencia fue el accidente de metro más grave de la historia de España, el tercero en Europa y el cuarto en el mundo

El primer tren se arrastró contra la pared del túnel y sobre la vía tras volcar hacia su izquierda; al segundo no le llegó a ocurrir nada de eso. Las ventanas del primero se desprendieron de sus marcos y muchas de las personas que en él iban salieron despedidas al exterior de los vagones y fueron aplastadas, y más tarde las encontraron los servicios de emergencia desperdigadas a lo largo de la curva del túnel, tras haber acudido allí por las llamadas de socorro de los viajeros atrapados.

El Centro de Coordinación de Emergencias se puso de inmediato en marcha; la zona fue acordonada y se instalaron dos hospitales de campaña junto a la estación del metro; se atendió a los heridos y los cuerpos de las víctimas mortales se destinaron al Instituto de Medicina Legal. “Nos encontramos un campo de cadáveres. Casi todos los muertos estaban fuera del vagón”, recuerda uno de los bomberos que acudió al túnel. Hubo cuarenta y un fallecidos y cuarenta y nueve personas heridas de diversa consideración, todos del primer tren, pero dos de los últimos sucumbieron días después en centros hospitalarios. El segundo tren se incorporó al servicio cinco más tarde.

Las investigaciones y los procesos judiciales

Tres semanas después el accidente se constituyó una comisión de investigación de los hechos en las Cortes Valencianas, a regañadientes del Partido Popular, que por entonces estaba en el Gobierno tanto de la Comunidad Valenciana como de la propia ciudad de Valencia. El 4 de agosto de 2006, la comisión concluyó que la línea de metro por donde circulaba el convoy siniestrado era perfectamente segura y que, además, el único culpable del accidente fue el maquinista, fallecido en el mismo, por conducir por ese tramo al doble de la velocidad permitida.La comisión de investigación de 2006 fue la más breve de la historia parlamentaria con los cuatro días escasos que duró

En esta comisión, que fue la más breve de toda la historia parlamentaria, se produjeron treinta y dos comparecencias en los cuatro días escasos que duró, pues el Partido Popular utilizó su mayoría absoluta, no sólo para vetar comparecencias de expertos y documentación relevante que habían solicitado el resto de partidos, sino que además las conclusiones se aprobaron con los únicos votos de los populares. Hubo parlamentarios de la oposición que expresaron sus sospechas de que los técnicos comparecientes habían sido preparados para insistir en que el accidente era inevitable, pero los populares y sus afines los tacharon de paranoicos y, a la vez, de carroñeros políticos.

Si hubiera estado programada la orden oportuna de frenado en la baliza del túnel, se habría evitado el accidenteMientras tanto, en la primera investigación judicial que realizó, la jueza Nieves Molina, titular del Juzgado de Instrucción Número 21 de Valencia, encargó un informe a un perito independiente para saber si era lógico que el tren hubiese descarrilado en aquella curva a la velocidad que circulaba, y cuando la respuesta que este dio fue afirmativa, archivó la causa y no quiso seguir indagando. Esto ocurrió en marzo de 2007, a unos dos meses de las elecciones autonómicas y municipales, tras las que la misma jueza decidió reabrir el caso, pero lo volvió a cerrar al no hallar responsabilidades penales, lo que para ella no excluía que las hubiese políticas.

Con el tiempo, gracias a los medios de comunicación, la opinión pública se fue enterando de que, meses antes del accidente, se había entregado un informe a la dirección de los Ferrocarrils de la Generalitat Valenciana que indicaba puntos negros de la red de metro y medidas de precaución que era necesario tomar. En el túnel previo a la estación de Jesús, en concreto, había un bache que zarandeaba un poco los trenes al pasar por él y, por el progresivo deterioro de las infraestructuras debido a la falta de inversión para su adecuado mantenimiento, se requería una baliza de frenado automático puntual, indicadora de la velocidad permitida, y el túnel contaba con ella pero no estaba programada para que diese la orden de velocidad correspondiente al tren.Si la sujeción de los cristales de las ventanas no hubiera sido deficiente, ningún pasajero habría salido despedido hacia una muerte segura

Además, en junio de 2011, un maquinista declaró que la sujeción de los marcos de los cristales en los vagones era deficiente porque no se había realizado con la silicona prescrita por el fabricante y, de no haberlo sido, ningún pasajero habría salido despedido hacia una muerte segura. Por lo tanto, si hubiera existido la orden oportuna en la baliza del túnel, se habría evitado el accidente y, en caso contrario, si la sujeción de los marcos de las ventanas hubiera sido la que debía, muchas víctimas mortales ahora se contarían entre los vivos.

Pero asegurarlo no fue lo único por lo que este maquinista, de nombre Luis Jorge, fue expedientado por la dirección de los FGV: también contó que el maquinista del tren accidentado, un muerto al que pretendían endilgarle toda la responsabilidad, era epiléptico, condición que le inhabilitaba para conducir trenes.

El libro de averías del que descarriló en aquel fatídico túnel, por otra parte, desapareció sin dejar rastro, lo que, en opinión de los maquinistas y expertos de seguridad de los FGV, solamente es posible si alguien se lo llevó del lugar del accidente, porque era un buen mamotreto que se puede deteriorar pero no se volatiliza. Como sus copias, que, casualmente, también desaparecieron.Los FGV contrataron a una consultoría de comunicación con dinero público para aleccionar a sus empleados y que insistieran en que el accidente había sido inevitable

Y para rematar, en marzo de 2012, se supo que los FGV aleccionaron a sus empleados en diversas reuniones sobre lo que debían declarar en la comisión de investigación de 2006, contratando con dinero público los servicios de la empresa de consultoría de comunicación HM y Sanchís, todo ello con el mismo objeto que habían sospechado los parlamentarios que pusieron el dedo en esta llaga y por ello les llamaron de todo: insistir en que el accidente había sido inevitable, en que la línea uno de Metrovalencia era segura y en que no había responsabilidades de ningún tipo por negligencia a causa de un mantenimiento defectuoso.

A Marisa Gracia, gerente de FGV que luego fue cesada a causa de ello por el presidente popular que sustituyó a Francisco Camps cuando este se vio obligado a dimitir por la trama de corrupción de la Gürtel, Alberto Fabra, se la oyó negar tajantemente en la comisión de investigación que se hubiesen puesto de acuerdo en la empresa para poner en práctica “una estrategia”, cuando precisamente las reuniones aleccionadoras se produjeron en su despacho, hasta para ensayar las respuestas que debían darse, sin palabras como ‘tragedia’, ‘deficiencia’ o, vaya, ‘baliza’.

Los empleados de los FGV celebraron con comidas el éxito de sus planes en la comisión de investigaciónY, por si todo esto fuera poco, al margen de las posteriores comidas de la empresa de los FGV para celebrar el éxito de sus planes para la comisión, los familiares de las víctimas de Torrent atestiguaron que Juan Cotino, hoy ex consejero del Gobierno valenciano y ex presidente de las Cortes, se presentó en sus casas, en los días siguientes al siniestro, para ofrecerles empleos con la condición velada de que no tomaran medidas judiciales en busca de responsabilidades. La misma condición que figuraba en una especie de contrato que debían firmar si querían recibir los 60.000 euros de indemnización de los FGV, cosa que en absoluto era necesaria.

Sólo tras conocer lo que había ocurrido y, sobre todo, las órdenes que se habían dado desde la dirección de la cadena y los despachos del Gobierno autonómico, los espectadores de la televisión pública de la Comunidad Valenciana pudieron reaccionar con estupor ante el tratamiento informativo que esta le había dado al accidente.En 2013, Canal Nou reconoció "una actitud indigna para una televisión pública que debía estar al lado de sus ciudadanos" por su tratamiento del accidente

Ni siquiera cambiaron la programación el día que se produjo: “Si Canal 9 en ese momento no cortó la información y no hizo un despliegue que perfectamente podía hacer porque tienen los medios, los profesionales y estaban en la misma ciudad, si no compite con las otras cadenas que sí estaban en directo en el sitio donde se produjo el accidente, es porque había una decisión desde la línea editorial y desde la dirección de la casa de no interrumpir esa programación”, cuenta el que era editor de los informativos, Frederic Ferri.

Parece que lo que Canal Nou hizo con el accidente de Metrovalencia, pasar de puntillas por el asunto y reproducir el discurso oficial, no fue sino otra de las maniobras del Gobierno popular para intentar tapar lo ocurrido y eludir responsabilidades. Y en noviembre 2013, cuando ya se había anunciado el cierre de Radiotelevisión Valenciana, el equipo de informativos reconoció, en una emisión desde la boca de metro de la parada de Jesús, que había tenido “una actitud indigna para una televisión pública que debía estar al lado de sus ciudadanos”.

El 17 de mayo de 2013, tras la enorme indignación que había despertado el reportaje “Los olvidados” del programa Salvados, conducido por Jordi Évole y emitido en La Sexta, y de la multitudinaria concentración que este había conseguido para la Asociación de Víctimas del Metro 3 de Julio en la Plaza de la Virgen de Valencia, donde se reunían cada mes, la Fiscalía reabrió la investigación. Pero el 17 de septiembre, la misma jueza, Nieves Molina, desestimó la petición de reabrirla porque, incomprensiblemente, consideraba que no había nada nuevo bajo el sol.La enorme indignación que despertó el reportaje del programa Salvados sobre el accidente volvió a poner a la justicia en marcha

La Asociación de Víctimas no se dio por vencida, recurrió la decisión y, en enero de 2014, la Sección Segunda de la Audiencia Provincial de Valencia mandó reabrir la investigación para aclarar de una vez por todas las causas y si existen posibles responsables del siniestro de Metrovalencia. “Se pone de manifiesto la existencia de nuevos elementos de investigación que podrían dar lugar a nuevas sospechas y hacer útil la continuación de la instrucción”, afirma el auto; y continúa: “No caben titubeos o vacilaciones, no hay que desfallecer en la búsqueda de la verdad para evitar una victimización secundaria de las víctimas del fatal accidente”.

La misma Nieves Molina decidió imputar en mayo de 2014 a tres directivos de FGV: Vicente Contreras, director de Explotación, que se había mostrado muy enérgico en la comisión de investigación y le echaba broncas a los que “se equivocaban” en sus declaraciones, Francisco García Sigüenza, director técnico, y Francisco Orts, el jefe de Estudios y Proyectos. Ellos, como otros tres luego también imputados incluyendo a Gracia, podrían ser condenados por un delito de imprudencia si se constata que “existió un error en la planificación y programación de las balizas que fue determinante en el descarrilamiento y vuelco del metro” e “insuficientes las medidas de protección de la curva con señalización visual”.

Y en el noveno aniversario del accidente, los miembros de las nuevas Cortes Valencianas salidas de las elecciones autonómicas de 2015 acordaron, con la abstención del Partido Popular, llevar a cabo una nueva comisión de investigación sobre el mismo. Durante la misma, la Unió de Periodistes entregó un informe que certificaba la manipulación informativa de Canal 9, a las órdenes de Pedro García y Lluís Montes, entonces director general de RTVV y jefe de informativos respectivamente, por “falsedad, ocultación, falta de transparencia y amaño de noticias”, según dijo luego la comisión parlamentaria.Según la nueva comisión de investigación, el Gobierno del Partido Popular quiso “impedir que se impusiera cualquier versión distinta de la oficial”

En sus conclusiones del 24 de junio de 2016, después de 150 horas de comparecencias y setenta testimonios, esta afirma que el accidente fue previsible y evitable, que el Gobierno del Partido Popular “tuvo como objetivo impedir que se impusiera cualquier versión distinta de la oficial”, y que, aparte de otros nueve, Camps y Cotino cuentan con responsabilidades políticas en todo el caso, y Gracia y Contreras, como dirigentes de los FGV. Y se va a crear la Agencia Valenciana de Seguridad Ferroviaria para velar por ella, lo cual es una de las reivindicaciones de la Asociación de Víctimas, que por fin ha visto cómo su lucha ha dado sus frutos. Pero esperemos que nunca más haga falta tanto empeño.

La entrada 10 años del accidente de la vergüenza: de la inmunidad a la lupa se publicó primero en Hipertextual.

Espinoso asunto atreverse a evaluar en términos de alcance, frutos y justicia una figura histórica tan destacada como lo ha sido el dictador cubano Fidel Castro. Ya no sólo porque se trate de una cuestión de gran complejidad con multitud de dimes y diretes entre aquellos que le alaban y los que le abominan, sino también porque quizá sea una pretensión un tanto prematura cuando sus cenizas están aún calientes: hay quien señala que todavía hay mucho pasado por remover del que pueden aflorar sorpresas, pero sería de lo más extraño que alguna acción defendible del castrismo no hubiera sido pregonada ya a los cuatro vientos por sus propagandistas y, si alguna cosa esconde la dictadura, poco sentido tiene pensar que será algo bueno.

Lo que hizo el Comandante

Castro había nacido en el seno de una familia humilde de Birán, al este de Cuba, en 1926, y pese a que su padre había logrado luego una buena posición económica, pasó hambre durante el duro año de 1932 porque su institutriz empleaba la asignación en sostener a su numerosa familia en la ciudad de Santiago, a donde habían enviado al niño para que continuase sus estudios. La suya es la historia de cómo alguien que se vendía como un adalid de los valores democráticos acabó cayendo de cabeza en la tentación autoritaria cuando obtuvo el poder, traicionando promesas realizadas públicamente en varias ocasiones pero no del todo a sí mismo.

No fue hasta que se matriculó en la Universidad de La Habana en 1945 que dio comienzo su aprendizaje político y su militancia. Presidió el Comité Pro Democracia Dominicana de la Federación Estudiantil Universitaria, y como delegado suyo, se había citado durante la Conferencia Interamericana de 1948 con Jorge Eliécer Gaitán, candidato de la izquierda liberal a presidir Colombia, que fue asesinado pocas horas antes de su encuentro, lo que desencadenó los terribles disturbios del 9 de Abril, el Bogotazo. En 1952, dos años después de su licenciatura en leyes, se presentó por el nacionalista Partido Ortodoxo para ocupar un puesto en la Cámara de Representantes del Congreso cubano, pero el golpe de estado del general Fulgencio Batista dio al traste con el sistema electoral.

Castro era de la correcta opinión de que, cuando los medios legales o al menos pacíficos resultan inútiles para derribar a una dictadura, siempre ilegítima, existe una justificación para la lucha armada como medio para conseguirlo. Por esa razón, cuando acusó a Batista ante un Tribunal de Urgencia de infringir la legalidad constitucional y este rechazó su demanda, se decidió por combatir. Pero lo cierto es que no era la primera vez que tomaba decisión semejante, puesto que ya había participado en la fallida expedición armada de Cayo Confites para derrocar al dictador dominicano Rafael Trujillo en septiembre de 1947.

Tras intentar la toma de los cuarteles Moncada, de Santiago de Cuba, y Carlos Manuel de Céspedes, de Bayamo, en julio de 1953, que le llevó a la cárcel hasta la amnistía general de mayo de 1955; de su exilio en Estados Unidos y México y el fracaso inicial a su regreso en diciembre de 1956 de la invasión de la isla, que derivó en una guerra de guerrillas desde Sierra Maestra, y de que el general Eulogio Cantillo facilitase la huida de Batista a la República Dominicana, Fidel Castro proclamó el triunfo de su revolución en enero de 1959. A su llegada a La Habana, pronunció uno de sus discursos tan característicos, durante el cual se le posó en el hombro una paloma de las que sus seguidores habían lanzado como símbolo de paz y libertad, lo que fue visto como una absurda señal mística.

En julio de 1957, Castro había suscrito el Manifiesto de Sierra Maestra, en el que los guerrilleros del Movimiento 26 de Julio, entre los que encontraba Ernesto “Che” Guevara, en caso de triunfar y apoderarse de Cuba, se comprometían a celebrar “elecciones generales para todos los cargos del Estado, las provincias y los municipios en el término de un año bajo las normas de la Constitución del 40 y el Código Electoral del 43 y entregar el poder inmediatamente al candidato que resultara electo”. Luego, tras la caída de Batista, Castro prometió elecciones libres en un plazo de dieciocho meses ante la pregunta de un periodista extranjero. Y ni qué decir tiene que no cumplió su palabra.

Si lo cierto es que ya se encontraba muy influenciado por las ideas del marxismo-leninismo cuando intentó una condena legal para Batista, tras ser nombrado Comandante en Jefe de las Fuerzas Armadas por el Gobierno supuestamente provisional y, más tarde, Primer Ministro en febrero de 1959, llevó a cabo una política de expropiaciones de tierras y recursos naturales que provocó las primeras tensiones de su régimen con Estados Unidos, pues esto afectaba a sus intereses propietarios tras décadas de dominar casi por completo la economía de Cuba, tratando al país como si fuese su patio trasero. Así, el presidente Dwight Eisenhower inició la larga serie de represalias económicas, violentos sabotajes y acciones de guerra estadounidenses contra la isla.

Mientras tanto, Castro insistía en que el comunismo ni se le había pasado por la cabeza. “No soy comunista, ni los comunistas tienen fuerza para ser un factor determinante en mi país”, le había explicado a la prensa en Washington durante su visita de abril de 1959. “Esta revolución no es comunista sino humanista”. Y en octubre del mismo año, clamaba: “¿Acusarnos de comunistas para qué? Acusarnos de comunistas para ganarse el halago y para ganarse el apoyo de la reacción”. Los servicios de inteligencia de Estados Unidos, por su parte, calificaban su ideología de enigma absoluto; y hasta el director adjunto de la CIA comentaba lo que sigue en diciembre de 1959: “Sabemos que los comunistas consideran a Castro un representante de la burguesía”.

Hasta que, en diciembre de 1961, el susodicho se quitó la careta por fin ante las cámaras de televisión: “Con entera satisfacción y con entera confianza soy marxista-leninista y seré marxista-leninista hasta el último día de mi vida”, le descerrajó a los cubanos y resto al mundo. Después justificó su reticencia a reconocerlo porque era inoportuno a causa del enraizado anticomunismo de Cuba, pero no hay forma de justificar sus falsas promesas: “Restableceremos todos los derechos y libertades, incluyendo la absoluta libertad de prensa”, aseguró en enero de 1959 durante un discurso. “Las ideas se defienden con razones, no con armas. Soy un amante de la democracia”, declaró a los medios unos días más tarde. “Nunca vamos a usar la fuerza, y el día que el pueblo no me quiera, me iré”, afirmó luego.

Castro y sus compañeros habían acabado con una dictadura feroz y opresora, que había torturado y asesinado a unas 20.000 personas, profundizado en la brecha social y apuntalado la dominación económica de Estados Unidos, la corrupción política y los negocios de drogas, juego y prostitución que la Mafia estadounidense tenía en La Habana, con Batista enriqueciéndose gracias a todo ello hasta acumular una fortuna de unos 100 millones de dólares, que se llevó consigo en su huida a la República Dominicana, a la portuguesa isla de Madeira y, finalmente, a la España de Franco, donde residió casi tres lustros hasta su muerte.

Pero la sustituyeron por otra dictadura mucho más duradera que, aun siendo menos brutal, tiene hasta ahora un saldo de entre 3.000 y 5.000 fusilamientos según el activista Elizardo Sánchez, presidente de la Comisión Cubana de Derechos Humanos y Reconciliación Nacional, de los que casi 1.200 han sido víctimas de ejecuciones extrajudiciales de acuerdo con los datos recopilados por la iniciativa estadounidense Archivo Cuba; y en la actualidad, cerca de un centenar de presos políticos y la opresión reforzada por el espionaje social del Comité para la Defensa de la Revolución y las innumerables palizas a disidentes que han propinado y propinan las Brigadas de Respuesta Rápida del Gobierno.

Y la situación del colectivo LGTB merece párrafos aparte. En 1979, se legalizó la homosexualidad en Cuba, y hoy se financian las operaciones de cambio de sexo y existe la prohibición de discriminar a los trabajadores por su orientación sexual. Pero entre 1965 y 1968, numerosos homosexuales fueron recluidos en los campos de trabajo forzado de las Unidades Militares de Ayuda a la Producción, con intelectuales opositores y otros disidentes y objetores de conciencia del servicio castrense. Fueron unos 30.000 individuos en total los confinados, en ambientes que variaban de un campo a otro, pero con “tratamientos para curar la homosexualidad” como la aplicación de descargas eléctricas o el condicionamiento utilizando el hambre y la sed de días.

“No podemos llegar a creer que un homosexual pudiera reunir las condiciones y los requisitos de conducta que nos permitirían considerarlo un verdadero revolucionario, un verdadero militante comunista”, decía Castro en 1965. No obstante, en 2010 aseguró que él no tenía prejuicios contra los homosexuales, y reconoció que los de las UMAP “fueron momentos de una gran injusticia”, propiciados por “tantos problemas de vida o muerte” de entonces que no le permitieron prestar atención al asunto. Unas declaraciones que probablemente no les sirvan ni de consuelo a los que fueron obligados a recolectar caña de azúcar en los campos, aun con sueldo, y ni mucho menos de reparación a los que fueron sometidos a tácticas estúpidas, dolorosas e indignas para corregir su homosexualidad.

La Mafia fue de las organizaciones transnacionales que más perdió con la llegada de Castro al Gobierno, y la primera propiedad nacionalizada por la Ley de Reforma Agraria de mayo de 1959 fue la de su propia familia. Y mientras el embargo económico de Estados Unidos contra Cuba arreciaba, proclamó la expropiación de todos y cada uno los establecimientos privados que aún quedaban en marzo de 1968, convirtiendo al Estado en “en el supercapitalista más terrible, único dueño de empresas, único productor, único empleador, único editor de libros y diarios, único distribuidor de bienes, único medio de comunicación”, en palabras del periodista Mauricio-José Schwarz. También, por supuesto, estrechó lazos comerciales con la Unión Soviética hasta el punto de que, cuando esta cayó en 1989, la economía de la isla se derrumbó con ella.

Los críticos con el embargo, acertadamente, argumentan que sólo sirvió para que Cuba y la URSS se acercasen más por la necesidad de la primera y estrategia de la segunda y no sólo por afinidad ideológica, y para que Castro culpara a Estados Unidos de los males del país y se presentara como defensor de los cubanos contra los agresores estadounidenses, afianzándole así más en el poder. Y si había cinismo en el hecho de que Estados Unidos comerciara con el régimen comunista de Vietnam, o con el de China, a partir los años noventa del siglo pasado, la excusa del embargo se volvió cínica en boca de Castro a la luz de la recuperación económica vietnamita tras la guerra sin contar con el mercado estadounidense.

Entre 1959 y 1991, el ejército de la Cuba castrista intervino en una docena de contextos nacionales y conflictos bélicos desatados en Panamá, la República Dominicana, Venezuela, Argelia, el Congo, Siria, Angola, Etiopía y Nicaragua. En los tres primeros y en el último sólo quiso extender su revolución e influencia; pero su acción más recordada por oportuna fue la Operación Carlota, desarrollada entre 1975 y 1991 con militares, ingenieros, médicos y profesores y cuyos mayores logros fueron su contribución a la independencia de Angola y de Namibia y para echar abajo el apartheid en Sudáfrica, mantenido por el Gobierno al que apoyaba Estados Unidos.

Pese a las presiones de Washington que fomentaron el aislamiento del país ante sus vecinos de Latinoamérica, excepto México, Cuba fue entablando relaciones en las últimas décadas con Venezuela, Argentina, Ecuador, Bolivia y Brasil por sus nuevos Gobiernos más o menos afines, muy en especial en el caso venezolano: Fidel Castro firmó un buen número de convenios de cooperación con el filocomunista Hugo Chávez, al que le unía su oposición a Estados Unidos y su más que perceptible déficit democrático, convenios como la Alternativa Bolivariana para América o ALBA. La Cuba castrista fue, por otra parte, uno de los países que envió ayuda en 2014 para atajar el brote de ébola de Sierra Leona, Guinea y Liberia con la brigada médica Henry Reeves.

“Yo no estoy interesado en el poder, no lo ambiciono”, había dicho Castro en un discurso de enero de 1959. Y por si el que había acumulado hasta el momento no era bastante, fue propuesto para presidir los Consejos de Estado y de Ministros de Cuba en diciembre de 1976. Treinta y dos años después, tras los problemas de salud que le mantuvieron apartado de sus obligaciones gubernativas, delegó en su hermano Raúl en febrero de 2008 y, a partir de entonces, sólo fue diputado de la Asamblea Nacional del Poder Popular y Primer Secretario del Partido Comunista.

Y ese joven que en 1940 le había enviado una carta a Franklin D. Roosevelt para felicitarle por su reelección, ese guerrillero que se había declarado marxista-leninista hasta la muerte en 1961, ese tirano que se enrocó en una defensa nacionalista contraria al internacionalismo de la izquierda, que también practicó, y que disponía de una fortuna valorada en unos 900 millones de dólares en 2006 según Forbes, falleció a finales de este pasado mes de noviembre de 2016. Por ese motivo se ha vuelto a desatar la polémica en torno a él, haciendo imprescindible un juicio sereno y documentado sobre su figura crucial y su herencia para los cubanos.

La Cuba que ha dejado Fidel Castro

El sostenimiento del sistema político castrista durante décadas quizá tenga alguna relación con que todos los niños de Cuba deben pertenecer a la Organización de Pioneros, que se dedica básicamente a adoctrinarles en la ideología del régimen para que los ciudadanos la interioricen desde pequeños. Al igual que el propio sistema educativo, que promueve “la formación comunista de las nuevas generaciones” según el artículo treinta y nueve de la Constitución y respecto al que, pese a su gratuidad y su extensión muy próxima al cien por cien en primaria y secundaria, algunos han bromeado estos días diciendo que Castro se empeñó en que todos los chavales cubanos supieran escribir para que pudiesen copiar lo que dictaba.

La isla caribeña se halla en el puesto 56 de 167 en el Índice de Percepción de la Corrupción, con denuncias de que se ha convertido en “un estilo de vida”, y en el 85 de 163 del de Paz Global. En el Índice de Desarrollo Humano de la ONU ocupa un puesto mediano, el 67 de 188; Estados Unidos está en el 8; España, en el 26; y respecto a Latinoamérica, Argentina, Chile, Uruguay y Panamá la superan. La población cubana tiene unos 79 años de esperanza de vida y el Gobierno destina casi un 9 por ciento del PIB al sistema sanitario, el país se ubica en el puesto 107 de 193 en la tasa de mortalidad mundial, cuenta con casi el 100 por ciento de alfabetización, unos 14 años de escolarización media y una renta per cápita de unos 5.112 dólares que lo sitúa en el puesto 95 de 196.

La sanidad de Chile, Argentina, México, Perú y República Dominicana es más eficiente que la de Cuba, gratuita y universal pero anticuada y desabastecida, con pocos medicamentos y un equipo médico desfasado, y en la que seudoterapias como la homeopatía, la piramidología y otros disparates campan a sus anchas, ya que parte del presupuesto se tira a la basura consignándolo a ellas. Eso sí, Cuba carece de desnutrición infantil según UNICEF y cumple con los criterios del desarrollo sostenible de la Fundación Mundial para la Naturaleza, todo un mérito sin duda, pero eso sólo no basta para abstenerse de decir que a este viaje no le hacían falta alforjas autoritarias.

Y el caso es que hay otros países en los que los tratamientos de la sanidad pública y todas las matrículas de la educación del Estado son gratis, sin necesidad de erigir antes una república comunista ni de censura y adoctrinamiento algunos. “Aquellos militantes quisieron producir una sociedad «revolucionaria», capaz de sacudirse la opresión y valerse por sí misma, e hicieron exactamente lo contrario: armaron una en la que confían tan poco que nunca le permitieron gobernarse”, cuenta Martín Caparrós en The New York Times. Y el propio Castro, durante unas entrevistas concedidas entre agosto y septiembre de 2010, admitió que el modelo cubano no es exportable: “Ya no funciona ni siquiera para nosotros”, decidió soltar para estupor de los suyos y para sorpresa de la mayoría.

Uno de los propósitos más indignantes que se pueden encontrar entre los valedores del castrismo consiste en difundir la idea de que Cuba es una democracia, generalmente intentando demostrar que los cubanos escogen a sus gobernantes. Se celebran elecciones cada lustro con los candidatos locales propuestos por asambleas de barrio o las circunscripciones correspondientes que se ratifican en las urnas; luego estos señalan a la mitad de los que optarán a las Asambleas Provinciales y la Nacional, y al resto, las Comisiones de Candidaturas, que integran organizaciones estatales como la Central de Trabajadores de Cuba, la Federación de Mujeres, la de Estudiantes Universitarios o, vaya, los Comités para la Defensa de la Revolución.

Todo ello, naturalmente, no es más que un paripé. El método de nominación implica que no se puede presentar quien quiera para ser elegido delegado municipal o provincial ni diputado nacional. La Constitución, por otro lado, decreta que “ninguna de las libertades reconocidas a los ciudadanos puede ser ejercida (…) contra la existencia y fines del Estado socialista, ni contra la decisión del pueblo cubano —comillas— de construir el socialismo y el comunismo”, lo cual “es punible” según su artículo sesenta y dos. Y da la casualidad de que Fidel Castro fue elegido —comillas otra vez— ininterrumpidamente durante casi cincuenta años para la Comandancia hasta que le sustituyó su hermano Raúl.

Así las cosas, la selección de los candidatos a los parlamentos regionales y el estatal está controlada por las autoridades, los cubanos no pueden proponer ninguna reforma esencial de su sistema político porque eso constituye directamente un acto delictivo abominable, hasta el punto de que en el artículo cincuenta y tres de la Constitución “se reconoce a los ciudadanos libertad de palabra y prensa conforme a los fines de la sociedad socialista”, y nunca conforme a otros, so pena de encarcelamiento o de que las Brigadas de Respuesta Rápida le den una buena tunda al que se atreva con ello; y los Castro, en la práctica, llevan gobernando con plenos poderes desde 1959, es decir, de un modo dictatorial.

Pero también hay otros que juzgan la democracia electoral real algo secundario, no imprescindible, y que lo preferente es que las autoridades procuren el bienestar de los ciudadanos y su satisfacción. Nada tiene de anecdótica esa cantinela tan repetida estos días de que los cubanos —así, en un falso bloque homogéneo— sienten que acaban de perder “a un padre”, porque un padre sólo desea el bien para sus hijos y, además, sabe lo que les conviene, como si las supuestas buenas intenciones y “la consanguineidad patriótica” garantizaran que alguien cuente con los conocimientos y las aptitudes para gobernar sin conducir a un país al infierno.

Según esta perspectiva retorcida, suministrar lo que se considera adecuado para la población es instituir una democracia porque, de este modo, los ciudadanos logran lo que quieren, sepan o no que es así, y por lo tanto, alcanzan el poder; y Castro mandaba en Cuba, era positivo que lo hiciera y hasta lo merecía porque sólo le interesaba la prosperidad de la nación y de los cubanos. Con una salvedad, por supuesto: la de los disidentes y los opositores, pero más que nada porque a esa gentecilla no la pueden incluir entre los verdaderos patriotas, ya que estar en contra de la omnisciencia del castrismo es estar en contra de la patria, y por eso merecen las palizas, la cárcel y los fusilamientos como traidores que son, exactamente igual que en todas las dictaduras, donde sólo el líder y sus acérrimos otorgan los certificados de patriotismo.

Y tanto los que afirman que Cuba es una democracia electoral como los que reconocen que no lo es y dicen que, de todos modos, su sistema es democrático de facto obvian que ninguno puede calificarse como tal si se pisotean los derechos humanos y el pluralismo brilla por su ausencia: disfrutar de una democracia no se resume en ir a votar ni en el reconocimiento de sólo algunos derechos humanos, sino también en el ejercicio de la libertad legítima que allí fue defenestrada, primero por el autoritarismo represivo de Batista, y luego, por el de Castro. Porque sin valores y prácticas liberales no hay democracia, y esa es la razón de que, por poner otro ejemplo, la Venezuela del chavismo en la que de verdad se vota se aproxime en su déficit democrático a la Cuba castrista.

Por todo lo anterior, que las democracias liberales necesiten volverse más participativas y directas o, al menos, representativas de veras, profundizar en la viabilidad de las protecciones sociales en vez de destruirlas y, algunas, abolir la pena de muerte no va a transformar a Cuba en un Estado democrático ni más democrático y saludable que estas si sigue como hasta ahora. Y, de la misma manera, que Fidel Castro no estableciese la tortura y el asesinato masivos de disidentes, como los golpistas Pinochet o Videla, no le absuelve de los crímenes y desmanes que sí se han cometido en su nombre ni justifica su dictadura; y que no haya sido el más violento de todos no lo hace bueno para Cuba y sus ciudadanos, ni a los ojos del resto del mundo ni para los anales de la historia.

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Hay películas con un éxito tan descomunal que consiguen una posición privilegiada en el imaginario colectivo e influyen en generaciones enteras de espectadores, cineastas inclusive. Pero, claro, eso provoca que los actores y las actrices que forman parte de su equipo artístico queden marcados por sus papeles de por vida, y que se les relacione con los personajes que interpretan para la posteridad. Puede que Star Wars sea la saga cinematográfica que se encuentra en la cúspide de la cultura popular, y al igual que le ha ocurrido a Mark Hamill con su Luke Skywalker y a Harrison Ford en cuanto a Han Solo —con el permiso de Indiana Jones—, a Carrie Fisher se la reconoce como nuestra Leia Organa, princesa de Alderaan y luego general de la Nueva República.

Sin embargo, la carrera de Fisher es más amplia, y su galáctico personaje la ha marcado tanto que uno casi ha de ser un cinéfilo desmedido para recordar otros de sus papeles. El hecho de que naciese nada menos que en la exclusiva localidad de Beverly Hills, junto a Los Ángeles y muy cerca de Hollywood, en octubre de 1956 se debe a que era hija de la actriz Debbie Reynolds, fallecida sólo un día después que ella, y el cantante Eddie Fisher, de ancestros británicos y rusos respectivamente. Desde niña tuvo una enorme afición a la lectura, pues “se escondía en los libros” hasta el punto de que en su familia la llamaban “el ratón de biblioteca”, y al tiempo, era aficionada a escribir diarios y poesía.

Nunca llegó a graduarse en la escuela secundaria porque su carrera como actriz interfería con su educación académica, y su debut en el mundo del espectáculo fue como cantante de Broadway, junto con su madre, en la nueva versión del musical Irene (Gower Champion, 1973), si bien Reynolds la había obligado antes a participar en una actuación de un club de Las Vegas. Con la oposición de esta, se unió ese mismo año a la Central School of Speech and Drama de Londres, en la que permaneció dieciocho meses. En 2014, Fisher bromeaba así durante una entrevista: “Mi madre me lo ha estado recriminando hasta hace aproximadamente un año”.

No se puso por primera vez delante de las cámaras en una producción de cine hasta que interpretó a Lorna en Shampoo (Hal Ashby, 1975), compartiendo plano con Warren Beauty, Julie Christie, Goldie Hawn o Jack Warden. Se inscribió en el Sarah Lawrence College de la ciudad neoyorkina de Yonkers para estudiar Artes pero, de pronto, le llegó la oportunidad que cambió su vida para siempre: como todos sabemos, el papel de la muy querida princesa Leia Organa en Star Wars (George Lucas, 1977), primera entrega de la saga gracias a la que se la conoce mundialmente y, desde luego, no por ser hija de otra estrella del celuloide internacional.

Tras varios proyectos televisivos, que incluían su aparición en el programa Saturday Night Live (Lorne Michaels, desde 1975), retomó su papel de Leia en The Empire Strikes Back (Irvin Kershner, 1980), durante cuyo rodaje confesó en 2010 haber consumido bastante cocaína, y fue una mujer misteriosa en The Blues Brothers (John Landis, 1980). Un día del rodaje de esta última en Chicago, su compañero de reparto Dan Aykroyd le salvó la vida con la maniobra Heimlich cuando Fisher se estaba ahogando con un brote de col de Bruselas. Tras un par de nuevos trabajos en Broadway, su eterna princesa de armas tomar volvió a reclamarla para Return of the Jedi (Richard Marquand, 1983).

Luego contaron con ella para la Lisa Rolfe de Garbo Talks (Sidney Lumet, 1984) y para la Paula del remake The Man with One Red Shoe (Stan Dragoti, 1985), protagonizado por Tom Hanks. Ese mismo año, tras meses sin probar las drogas o el alcohol, mezcló unos medicamentos que le habían recetado con sus pastillas para dormir y acabó en el hospital por la accidental sobredosis. Más tarde, se puso en la piel de April en Hannah and her Sisters (Woody Allen, 1986) y en la de Laurie McNamara para un episodio (2x17) de Amazing Stories (Steven Spielberg, Joshua Brand y John Falsey, 1985-1987).

Este último año fue el de la publicación de su primera novela, la exitosa y premiada Postcards from the Edge, semiautobiográfica en lo que respecta a las adicciones de la protagonista y a la relación con su madre. Se vio las caras con el Hercule Poirot de Peter Ustinov en Appointment with Death (Michael Winner, 1988), volvió a compartir encuadre con Tom Hanks en The Burbs (Joe Dante, 1989) y encarnó a Marie en la recordada When Harry Met Sally (Rob Reiner, 1989). Por otro lado, su novela fue adaptada por Mike Nichols en 1990 con la participación de Meryl Streep como Suzanne, de Shirley MacLaine y Dennis Quaid; y cuando le preguntaron a Fisher por qué, además de haber escrito el guion, no la había protagonizado ella misma, elocuente, respondió lo que sigue: “Yo he interpretado ya a Suzanne”.

Editó su segunda novela, también semiautobiográfica, el mismo año: Surrender the Pink. Por otra parte, la pareja no acreditada que se besa en un puente de Hook (Spielberg, 1991), a la que Campanilla rocía con los polvos mágicos, son George Lucas y la propia Fisher, lo cual no resulta casual porque la contrataron como consultora del guion para que lo puliera. Igual que hizo con un buen montón de ellos, hasta el punto de que, en mayo de 1992, Entertainment Weekly aseguraba que ella era “una de los consultores de guion más solicitados de la ciudad”.

Y es que se encargó de revisar el de Lethal Weapon 3 (Richard Donner, 1992), Sister Act (Emile Ardolino, 1992), Made in America (Richard Benjamin, 1993), Last Action Hero (John McTiernan, 1993), So I Married an Axe Murderer (Thomas Schlamme, 1993) y, a petición de su creador, los de la serie The Young Indiana Jones Chronicles (Lucas, 1992-1993), además de escribir el de uno de sus episodios (2x16). Delusions of Grandma fue el título de su tercera novela, autobiográfica igualmente y publicada ese mismo año. Los sucesivos afinó el texto de My Girl 2 (Howard Zieff, 1994), Milk Money (Benjamin, 1994), The River Wild (Curtis Hanson, 1994), Love Affair (Glenn Gordon Caron, 1994) y Outbreak (Wolfgang Petersen, 1995), e hizo de sí misma en un capítulo (3x09) de Ellen (Carol Black, Neal Marlens y David S. Rosenthal, 1994-1998).

Retocó el libreto de The Mirror Has Two Faces (Barbra Streisand, 1996), encarnó a la terapeuta de Austin Powers: International Man of Mystery (Mike Myers, 1997), redactó el guion de un episodio de Roseanne (Matt Williams, 1988-1997) y prosiguió con el examen y mejora de otros: el de The Wedding Singer (Frank Coraci, 1998), The Out-of-Towners (Sam Weisman, 1999), The Phantom Menace (Lucas, 1999) a petición del propio director y Coyote Ugly (David McNally, 2000). Fue Bianca, una actriz a la que suelen confundir con la propia Fisher, en Scream 3 (Wes Craven, 2000), cuyo guion también pulió. Se interpretó a sí misma en un capítulo (3x14) de Sex and the City (Darren Star, 1998-2004) y fue la enfermera de Jay and Silent Bob Strike Back (Kevin Smith, 2001).

Coescribió el guion de These Old Broads (Matthew Diamond, 2001), comedia televisiva en la que aparece su madre y Elizabeth Taylor, ex mujer de su padre y, por tanto, madrastra suya durante un lustro. Le pidieron que se encargase de la introducción a Hollywood Moms, un libro de fotografías en las que también figuraba ella. Arregló el texto de Kate and Leopold (James Mangold, 2001) y, por supuesto, el de Attack of the Clones (Lucas, 2002), y encarnó a la madre superiora de Charlie’s Angels: Full Throttle (McG, 2003). Por otro lado, el guion de Intolerable Cruelty (Ethan y Joel Coen, 2003) se basa en uno que ella había revisado en 1994, y no se sabe lo que quedó de su labor cuando los Coen lo reescribieron.

En 2004, publicó The Best Awful There Is, la continuación de su primera novela; fue Pauline Kahn en un episodio (5x05) de Smallville (Alfred Gough y Miles Millar, 2001-2011), limó el libreto de Mr. and Mrs. Smith (Doug Liman, 2005) y, por último, el de Revenge of the Sith (Lucas, 2005) y recibió ese mismo año el premio Woman of Vision de la Women in Film and Television International, una red global de unas 10.000 integrantes que se dedica a promover el desarrollo profesional de las mujeres en el mundo audiovisual, hacer mayor su visibilidad en la industria del entretenimiento y reconocer sus logros cuando son destacados. Antes que Fisher, habían premiado también a otras actrices como Kathy Bates, Mary Steenburgen, Tippi Hedren o Sharon Stone.

Se puso en la piel de Arlene Cutter en un capítulo (3x03) de Weeds (Jenji Kohan, 2005-2012) y en la de Rosemary Howard en uno (2x04) de Rockefeller Plaza (Tina Fey, 2006-2013). Escribió el libreto de la obra de teatro autobiográfica Wishful Drinking y ella misma se interpretó, como única actriz, desde 2007 y durante los años siguientes, adaptándola a libro en 2008 y montándola a partir de octubre de 2009 en el mítico Studio 54 de Broadway y hasta enero de 2010. Fenton Bailey y Randy Barbato rodaron un documental sobre la representación de su obra, que fue emitido por la HBO en diciembre de ese último año en que estuvo en los escenarios.

Realizó un cameo como la doctora de Fanboys (Kyle Newman, 2009), que cuenta la peripecia que vive un grupo de fanáticos de Star Wars para desplazarse hasta el Rancho Skywalker y tratar de ver The Phantom Menace antes de su estreno. Personificó a Anna Fowler en un episodio (7x07) de Entourage (Doug Ellin, 2004-2011), y ese último año publicó Shockaholic, una especie de continuación de Wishful Drinking. Fue miembro del Jurado del Festival de Venecia en 2013 y ella misma en un capítulo (7x14) de The Big Bang Theory (Chuck Lorre y Bill Prady, desde 2007) y en Maps to the Stars (David Cronenberg, 2014), así como Mia en varios episodios de Catastrophe (Rob Delaney, desde 2015).

Le prestó su voz a Angela, la jefa de Peter Griffin, en veintitrés capítulos de Family Guy (Seth MacFarlane y David Zuckerman, desde 1999), y en uno de ellos (9x18), parodia de The Return of the Jedi, a la misma Angela como Mon Mothma, una de los líderes de la Alianza Rebelde. Y no pudo contar con un broche de oro mayor para su carrera cinematográfica que volver a encarnar a la general Leia Organa en The Force Awakens (J.J. Abrams, 2015) y en el futuro Episodio VIII (Rian Johnson, 2017), ahora mismo en posproducción. Ya había rodado todas sus escenas, por lo que ahora Johnson y compañía deben decidir cómo las montarán con vistas a la siguiente entrega, para la que no podrán contar con Fisher. Si bien está claro que tienen la opción de hacer lo mismo que con el Moff Tarkin de Peter Cushing en Rogue One.

En noviembre de este 2016, Fisher publicó The Princess Diarist, libro basado en los diarios que había ido escribiendo a lo largo de los rodajes de la trilogía original de Star Wars, entre 1977 y 1983. De hecho, el avión a Los Ángeles en el que sufrió el infarto masivo que ha acabado con su vida lo había tomado para volver desde Londres tras promocionar esta última publicación. Padecía un trastorno bipolar, enfermedad mental de la que hablaba sin tapujos y que conlleva un mayor riesgo de mortalidad por enfermedades cardiovasculares. Y así se nos ha ido esta “agnóstica entusiasta que sería feliz si le mostraran que hay un Dios”. Pero no cabe duda de que, a estas alturas, no lo necesita para pasar a la posteridad: en el futuro siempre será nuestra Leia Organa, y todo lo que ha sido más allá de ella.

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Si hay unos galardones cinematográficos que despiertan expectación entre los cinéfilos, merézcanla o no, esos son los de la Academia de Hollywood; y por ello, todas las curiosidades que puedan conocer sobre ellos, más allá de cuáles son los filmes con más Oscar de la historia, siempre son bienvenidas, ya tengan que ver con los candidatos, los triunfos absurdos, con las manifestaciones políticas durante la ceremonia o con otras cifras relevantes y verdaderamente curiosas. Por ejemplo, una es la nominación que obtuvo Grand Hotel (1932), aun así ganadora del Oscar a la Mejor Película; dos son las secuelas que han tomado ese mismo premio: The Godfather 2 (1974) y The Return of the King (2003); como un par son los cineastas que han recogido el Oscar al Mejor Guion Adaptado dos años consecutivos: Joseph L. Mankiewicz por A Letter to Three Wives (1949) y All About Eve (1950) y Robert Bolt por Doctor Zhivago (1965) y A Man for All Seasons (1966).

Tres directores han conseguido la estatuilla correspondiente dos años sucesivos: John Ford por The Grapes of Wrath (1940) y How Green Was My Valley (1941), Joseph L. Mankiewicz por A Letter to Three Wives y All About Eve y Alejandro González Iñárritu por Birdman (2014) y The Revenant (2015). Tres años seguidos cosechó Roger Edens el Oscar a la Mejor Banda Sonora por Easter Parade (1948), On the Town (1949) y Annie Get Your Gun (1950); como Emmanuel Lubezki a la Mejor Fotografía por Gravity (2013), Birdman y The Revenant.

Tres ganadores de un Oscar lo han rechazado: el guionista Dudley Nichols por The Informer (1935) debido a la huelga de su colectivo profesional, el actor George C. Scott por su protagonista en Patton (1970) a causa de sus discrepancias con la Academia y el mismísimo Marlon Brando por su Vito Corleone de The Godfather (1972) para protestar por trato denigrante que recibían los indios americanos en el cine hollywoodiense. Y tres veces tuvo que retrasarse la ceremonia de entrega de los estos galardones: siete días por las inundaciones en Los Ángeles de 1938, dos en 1968 por el luto ante el asesinato de Martin Luther King, y uno tras la tentativa de homicidio contra el presidente Ronald Reagan en 1981.

Cuatro Oscar son los que se ha llevado a casa como máximo una sola persona en la misma ceremonia: el gran Walt Disney en 1954; cuatro al Mejor Director logró John Ford, el que más hasta ahora, por The Informer, The Grapes of Wrath, How Green Was My Valley y The Quiet Man (1952); y cuatro a la Mejor Actriz recogió Katharine Hepburn, imbatible hasta el día de hoy, por su Eva Lovelace de Morning Glory (1934), su Christina Drayton de Guess Who’s Coming to Dinner (1967), su Leonor de Aquitania en The Lion in Winter (1968), junto con Barbra Streisand, y su Ethel Thayer de On Golden Pond (1981).

Cuatro veces, el realizador del filme que acabó haciéndose con el Oscar a la Mejor Película ni siquiera estaba nominado en su categoría: ni William A. Wellman por Wings (1928), ni Edmund Goulding por Grand Hotel, ni Bruce Beresford por Driving Miss Daisy (1989) ni Ben Affleck por Argo (2012). Cinco filmes con cuatro o más candidaturas han obtenido el premio de todas: It Happened One Night (1934), Gigi (1958), The Last Emperor (1987), The Matrix (1999) y The Return of the King.

Cinco actores han tomado un Oscar dos años inmediatos: Luise Rainer por su Anna Held de The Great Ziegfeld (1936) y su O-Lan de The Good Earth (1937), Spencer Tracy por su Manuel de Captains Courageous (1937) y su padre Flanagan de Boys Town (1938), Katharine Hepburn por Guess Who’s Coming to Dinner y The Lion in Winter, Jason Robards por su Ben Bradlee de All the President’s Men (1976) y su Hammett de Julia (1977) y Tom Hanks por su Andrew Beckett de Philadelphia (1993) y su protagonista de Forrest Gump (1994). Y seis son las nominaciones con las que han reconocido como máximo a una sola persona el mismo año: lógicamente, Disney en 1954.

También seis sagas han sido multipremiadas: The Godfather (1972-1990), Star Wars (desde 1977), Mad Max (desde 1979), Terminator (desde 1984), The Matrix (1999-2003) y The Lord of the Rings (2001-2003); como seis directores han ganado el Oscar correspondiente por su primer largometraje: Delbert Mann por Marty (1955), Jerome Robbins por West Side Story (1961), Robert Redford por Ordinary People (1980), James L. Brooks por Terms of Endearment (1983), Kevin Costner por Dances with Wolves (1990) y Sam Mendes por American Beauty (1999); y seis años contaba Shirley Temple cuando le otorgaron el Oscar Honorífico en 1935.

Únicamente seis actores negros consiguieron un Oscar hasta el año 2000: Hattie McDaniel por su Mammy de Gone with the Wind (1939), Sidney Poitier por su Homer Smith de Lilies of the Field (1963), Louis Gossett, Jr. por su sargento Emil Foley de An Officer and a Gentleman (1982), Denzel Washington por su soldado Trip de Glory (1989), Whoopi Goldberg por su Oda Mae Brown de Ghost (1990) y Cuba Gooding Jr., por su Rod Tidwell de Jerry Maguire (1996). En este siglo, tanto las candidaturas como los premios se han multiplicado para los intérpretes afroamericanos.

Ha habido ocho películas con tres nominaciones o más en la misma categoría; entre ellas, On the Waterfront (1954), Tom Jones (1963), The Godfather o The Godfather 2, a sus actores secundarios, y Beauty and the Beast (1991) o The Lion King (1994), a sus canciones; como ocho Oscar son el máximo que ha cosechado una mujer: la diseñadora de vestuario Edith Head, entre 1949 y 1973; y ocho años había cumplido Justin Henry cuando le propusieron para el Oscar por su actuación de Billy en Kramer vs. Kramer (1979).

Diez candidaturas logró Crouching Tiger, Hidden Dragon (2000), la película extranjera con mayor número de ellas. Y diez son los filmes de habla no inglesa han obtenido la nominación a la Mejor Película; por ejemplo, La grande illusion (1937), Cries and Whispers (1972), Il postino (1995), La vita è bella (1997), Letters From Iwo Jima (2006) o Amour (2012); sólo lo ha ganado The Artist (2011). Al igual que diez premios recibió Disney durante ocho años consecutivos; y que diez son las ocasiones en que una obra italiana se ha hecho con el Oscar a la Mejor Película Extranjera; por ejemplo, por 8½ (1963), Amarcord (1974), Cinema Paradiso (1989), La vita è bella o La grande bellezza (2013).

Diez años tenía Tatum O’Neal cuando obtuvo un Oscar por su papel de Addie Loggins en Paper Moon (1973). Y doce fueron los minutos que duró la ovación en pie al irrepetible Charles Chaplin cuando le entregaron su Oscar Honorífico en la ceremonia de 1972; y las veces que fue nominado William Wyler a Mejor Director. En doce ocasiones, el compositor John Williams ha sido candidato por más de una partitura el mismo año de entre las cincuenta candidaturas que ha acumulado hasta el momento; y ha ganado la estatuilla por la música de Jaws (1975), Star Wars (1977), E. T.: The Extra-Terrestrial (1982) y Schindler’s List (1993).

Catorce filmes con cinco o más premios no han sido reconocidos con el Oscar a la Mejor Película; por ejemplo, Doctor Zhivago, Star Wars, Raiders of the Lost Ark (1981), The Aviator (2004), Gravity o Mad Max: Fury Road (2015). Y el mismo número de actores han conseguido un Oscar por interpretar a villanos; entre ellos, Louise Fletcher por su enfermera Ratched de One Flew Over the Cuckoo’s Nest (1975), Michael Douglas por su Gordon Gekko de Wall Street (1988), Kathy Bates por su Annie Wilkes de Misery (1990), Anthony Hopkins por su Hannibal Lecter de The Silence of the Lambs (1991), Javier Bardem por su Anton Chigurh de No Country for Old Men (2007) o Heath Ledger por su Joker de The Dark Knight (2008).

Dieciséis actores han sido premiados por su primer papel en un largometraje; por ejemplo, Eva Marie Saint por su Edie Doyle de On the Waterfront, Julie Andrews por su protagonista de Mary Poppins (1964), Barbra Streisand por su Brice de Funny Girl (1968), Timothy Hutton por su Conrad de Ordinary People (1980), Anna Paquin por su Flora de The Piano (1993) o Lupita Nyong’o por su Patsey de Twelve Years a Slave (2013). Y en dieciséis ocasiones han sido nominados los guiones originales de Woody Allen, y se ha llevado el Oscar a casa en tres de ellas: por el de Annie Hall (1977), Hannah and Her Sisters (1986) y Midnight in Paris (2011).

Suman diecinueve obras con siete o más candidaturas entre las que no se encontraba la de Mejor Película; por ejemplo, Close Encounters of the Third Kind (1977), Aliens (1986), The Dark Knight o Cold Mountain (2003). Veinte filmes han ganado el Oscar a la Mejor Película pero, curiosamente, no el de Mejor Director; por ejemplo, Alfred Hitchcock no lo recibió por Rebeca (1940), ni Laurence Olivier por Hamlet (1948), ni Francis Ford Coppola por The Godfather, ni John Madden por Shakespeare in Love (1998), ni Ridley Scott por Gladiator (2000) ni Paul Haggis por Crash (2005).

Veinte son las nominaciones que ha acumulado Meryl Streep hasta ahora por sus interpretaciones, y ha logrado el Oscar en tres ocasiones: por su Joanna de Kramer vs. Kramer, su protagonista de Sophie’s Choice (1982) y su Margaret Thatcher de The Iron Lady (2011). Le sigue Jack Nicholson con doce candidaturas y otros tres premios: por su Randle Patrick McMurphy de One Flew Over the Cuckoo’s Nest, su Garrett Breedlove de Terms of Endearment (1983) y su Melvin Udall de As Good as It Gets (1997). Las mismas nominaciones obtuvo Katherine Hepburn.

Veinte veces ha sido ya candidato el ingeniero de sonido Kevin O’Connell sin ganar un solo premio, pero la vigésima primera está aún por decidirse. Y veintidós películas con siete o más nominaciones no han conseguido ningún Oscar; por ejemplo, The Elephant Man (1980), The Color Purple (1985), The Godfather 3 (1990), The Shawshank Redemption (1994), The Insider (1999) o Gangs of New York (2002). A los veinticuatro años John Singleton fue propuesto como Mejor Director por Boyz n the Hood (1991). Y veintiséis Oscar es el número máximo que ha recibido una sola persona, veintidós en competición y cuatro honoríficos: Disney de nuevo, entre 1932 y 1969.

Treinta y dos años tenía Norman Taurog cuando cosechó el Oscar al Mejor Director por Skippy (1931). Cuarenta nominaciones a la Mejor Película Extranjera han sido para Francia entre 1948 y 2015, más que ningún otro país; por ejemplo, por Monsieur Vincent (1948), Mon Oncle (1958), Les Parapluies de Cherbourg (1964), Le Charme discret de la bourgeoisie (1972), Cyrano de Bergerac (1990) o Amélie (2001); y ha triunfado en doce ocasiones. Y cincuenta y nueve son las veces que fue Disney candidato a los premios de la Academia.

Sesenta y dos son los años que esta ha tardado en nominar a un filme de animación al Oscar a la Mejor Película, desde 1929: Beauty and the Beast (1991). Y ochenta en darle a una mujer el Oscar al Mejor Director: Kathryn Bigelow por The Hurt Locker (2009); y sigue siendo la única tras cuatro candidatas aparte de Lina Wertmüller por Seven Beauties (1976), Jane Campion por The Piano (1993) y Sofia Coppola por Lost in Translation (2003).

Sesenta y dos personas han recibido nominaciones póstumas a diversos Oscar; entre ellas, James Dean por sus actuaciones de Cal Trask y Jett Rink en East of Eden (1955) y Giant (1956), Spencer Tracy por su Matt Drayton de Guess Who’s Coming to Dinner, Disney por el corto animado Winnie the Pooh and the Blustery Day (1968), Peter Finch por su interpretación de Howard Beale en Network (1976), Bernard Herrmann por las bandas sonoras de Obsession y Taxi Driver (1976) o Heath Ledger por su papel en The Dark Knight (2008). Y dieciséis han ganado en estas circunstancias.

Setenta y cuatro velas había soplado Clint Eastwood cuando le concedieron el Oscar al Mejor Director por Million Dollar Baby (2004); John Huston, setenta y nueve cuando le nominaron en la misma categoría por Prizzi’s Honor (1985); Christopher Plummer, ochenta y dos cuando logró el Oscar al Mejor Actor de Reparto por Beginners (2011); Gloria Stuart, ochenta y siete cuando la nominaron a Mejor Actriz de Reparto por Titanic (1997); los mismos que Ennio Morricone cuando obtuvo su candidatura por la banda sonora de The Hateful Eight (2015).

1969 es el único año en que un filme clasificado equis ha sido, no sólo nominada, sino también favorecida con el Oscar a la Mejor Película: Midnight Cowboy. 3.400 suman el número total de asientos en el antes conocido como Teatro Kodak, hoy Teatro Dolby, donde se celebra desde 2002 la ceremonia de entrega de los Oscar. Y 5.830 son los miembros del colegio electoral de la Academia, los cuales votan para escoger a los ganadores de los Oscar de 2017. Veremos si con sus elecciones cambian alguna de estas curiosas cifras.

Actualización

· Kevin O’Connell ha ganado por fin un Oscar, el de Mejor Sonido, en su vigésima primera nominación por Hacksaw Ridge.
· Veintiún filmes han conseguido el Oscar a la Mejor Película pero no el de Mejor Director con el premio a Moonlight.
· David Chazelle se une a Norman Taurog en recibir el Oscar al Mejor Director con sólo treinta y dos años por La La Land.

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La atribución errónea de textos y declaraciones no es en absoluto un fenómeno reciente, de la era de las redes sociales, y por lo general, no esconde ningún tipo de pretensión deshonesta de aquellos que las iniciaron ni de quienes contribuyen desde entonces a su propagación. Pero hay casos en los que algunos individuos han querido aprovecharse del respeto que se tiene por determinadas personas, ganado con esfuerzo, para legitimar sus propias mediocridades. Y, si bien el rey de la falsedad en frases atribuidas es el científico Albert Einstein, probablemente por la gran reputación que le otorgan su inteligencia y sus aportaciones, muchos otros han sufrido la misma lacra.

Por ejemplo, el filósofo griego Sócrates (c. 470-399 a. e. c.) ni dejó nada escrito ni pronunció nunca estas palabras: “Conócete a ti mismo”, sino que es lo que podía leerse en el pronaos del templo dedicado a Apolo en Delfos. Ni su discípulo Platón (c. 427-347 a. e. c.) tuvo la elocuencia para señalar que “sólo los muertos han visto el final de la guerra”, sino en 1922 el escritor español George Santayana en las páginas de Soliloquios en Inglaterra y soliloquios posteriores. Y al diplomático florentino Niccolò Machiavelli (1469-1527) de ninguna manera se le ocurrió afirmar en El príncipe, su ensayo de 1513, que “el fin justifica los medios”. Lo más parecido a ello, pero sin el sentido de justificación, puede encontrarse en: “Al valorar una acción, uno debe considerar siempre los resultados finales”, o en el tercer volumen de su Historia de Florencia, publicada entre 1520 y 1525: “Aquellos que triunfan nunca resultarán avergonzados por el modo en que hayan triunfado”.

En el Quijote, del celebérrimo escritor español Miguel de Cervantes (1547-1616), no se puede leer: “Ladran, amigo Sancho, luego cabalgamos”, lo que en verdad procede, sin mencionar al rechoncho escudero, de un poema del alemán Johann Wolfgang von Goethe titulado “Labrador” y escrito en 1808: “Pero sus estridentes ladridos / sólo son señal de que cabalgamos”; ni: “Cosas veredes, amigo Sancho, que farán fablar las piedras”, que en realidad proviene del Romancero del Cid, colección poética anónima de los siglo XV y XVI: “Cosas tenedes, el Cid, / que farán fablar las piedras”; ni siquiera: “Con la Iglesia hemos topado, Sancho” en el sentido de cómo dicha institución entorpece el progreso, sino: “Con la iglesia hemos dado”, el edificio, mientras los protagonisas buscaban un palacio en el Toboso; ni: “Cambiar el mundo, amigo Sancho, que no es locura ni utopía, sino justicia”.

Pero lo que desde luego no salió por la pluma de Cervantes fue el siguiente texto, compartido en Facebook y en Twitter hasta el hartazgo, tan pueril que uno ve incomprensible que alguien sea capaz de creer que es, ya no solamente de este literato, sino de alguno de renombre, y que hasta hay que ponerse bizco para recitarlo con propiedad: “Hoy es el día más hermoso de nuestra vida, querido Sancho; los obstáculos más grandes, nuestras propias indecisiones; nuestro enemigo más fuerte, el miedo al poderoso y a nosotros mismos; la cosa más fácil, equivocarnos; la más destructiva, la mentira y el egoísmo; la peor derrota, el desaliento; los defectos más peligrosos, la soberbia y el rencor; las sensaciones más gratas, la buena conciencia, el esfuerzo para ser mejores sin ser perfectos, y sobre todo, la disposición para hacer el bien y combatir la injusticia donde quiera que esté”. ¡Paulo Coelho, sal de este cuerpo!

El grandísimo filósofo ilustrado François-Marie Arouet, archiconocido como Voltaire (1694-1778), jamás expresó lo que sigue: “No estoy de acuerdo con lo que usted dice, pero defenderé hasta la muerte su derecho a decirlo”, una maravilla que, por el contrario, salió de la mente de la británica Evelyn Beatrice Hall precisamente para su obra de teatro The Friends of Voltaire, de 1906. Y el político estadounidense Benjamin Franklin (1706-1790) no ideó lo que luego se convirtió en refrán: “En el mundo lo único que hay de cierto son la muerte y los impuestos”, sino el inglés Christopher Bullock.

Una de las atribuciones incorrectas más asentadas es para el presidente yanqui Abraham Lincoln (1809-1865): “Puedes engañar a todo el mundo algún tiempo. Puedes engañar a algunos todo el tiempo. Pero no puedes engañar a todo el mundo todo el tiempo”, algo que no hay forma de demostrar que dijera alguna vez. Y jamás afirmó el científico británico Charles Darwin (1809-1882) que “las especies que sobreviven no son las más fuertes, ni las más inteligentes, sino aquellas que se adaptan mejor a los cambios”, pese a que esto sea coherente con sus tesis.

De ningún modo describió el economista alemán Karl Marx (1818-1883) algo tan de actualidad como esto: “Los dueños del capital estimularán a la clase trabajadora a comprar cada vez más bienes costosos, casas y tecnología, llevándoles a pedir créditos cada vez más caros, hasta que su deuda sea insostenible. El impago llevará a la quiebra de los bancos, que tendrán que ser nacionalizados, y el Estado deberá tomar un camino que llevará al comunismo”. Y Tampoco es responsabilidad del ácido escritor estadounidense Mark Twain (1835-1910) algo tan impropio para él como esto: “Dentro de veinte años lamentarás más las cosas que no hiciste que las que hiciste. Así que suelta amarras y abandona el puerto seguro. Atrapa los vientos en tus velas. Explora. Sueña. Descubre”, ni montones de otras frases que se le atribuyen.

Ni de su colega inglés Oscar Wilde (1854-1900) lo siguiente: “Sé tú mismo; los demás puestos están ocupados”. Ni del líder político indio Mahatma Gandhi (1869-1948) este consejo: “Sé el cambio que quieres ver en el mundo”, si bien había expresado ideas no muy distintas, como: “Si pudiéramos cambiarnos a nosotros mismos, las tendencias del mundo también cambiarían. Cuando un hombre cambia su propia naturaleza, también lo hace la actitud del mundo… No necesitamos esperar a ver qué hacen los demás”. Y el primer ministro británico Winston Churchill (1874-1965) jamás dijo: “Si no eres liberal a los veinticinco años, no tienes corazón. Si no eres conservador a los treinta y cinco, no tienes cerebro”, ni: “La democracia es el peor sistema de gobierno diseñado por el hombre, con la excepción de todos los demás”, que se inspira en lo escrito por el novelista Robert Briffault, compatriota suyo.

El alemán Bertolt Brecht (1898-1956) no es autor, sino el reverendo holandés Martin Niemöller, de un poema de 1945 tan necesario como este: “Cuando los nazis vinieron a llevarse a los comunistas, / guardé silencio, / porque yo no era comunista. / Cuando encarcelaron a los socialdemócratas, / guardé silencio, / porque yo no era socialdemócrata. / Cuando vinieron a buscar a los sindicalistas, / no protesté, / porque yo no era sindicalista. / Cuando vinieron a llevarse a los judíos, / no protesté, / porque yo no era judío. / Cuando vinieron a buscarme, / no había nadie más que pudiera protestar”.

De entre todas las frases pedorras que tiene que soportar el nombre del literato argentino Jorge Luis Borges (1899-1986), sirva esta horrenda cursilería de muestra: “Con el tiempo comprendes que sólo quien es capaz de amarte con tus defectos, sin pretender cambiarte, puede brindarte toda la felicidad”. Del novelista británico William Golding (1911-1993) es esta frase: “Creo que las mujeres están locas si pretenden ser iguales a los hombres. Son bastante superiores y siempre lo han sido”, pero no este añadido repulsivo por rancio: “Cualquier cosa que des a una mujer, ella lo hará mejor. Si le das esperma, te dará un hijo. Si le das una casa, te dará un hogar. Si le das alimentos, te dará una comida. Si le das una sonrisa, te dará su corazón. Engrandece y multiplica cualquier cosa que le des. Si le das basura, ¡prepárate a recibir toneladas de mierda!”

Espuria es la anécdota en que se cuenta que el escritor español Camilo José Cela (1916-2002) replicó que “no es lo mismo estar jodido que estar jodiendo”. Y una de las falsas atribuciones más indignantes que uno se pueda echar a la cara, por pedestre y porque se da de cabeza contra el pensamiento del pretendido autor, es la de “la definición de hijo” del escritor portugués José Saramago (1922-2010), ateo para más señas, con la que aún nos topamos por la red y que empieza así: “Hijo es un ser que Dios nos prestó para un curso intensivo de como amar a alguien más que a nosotros mismos”, y termina asá: “Dios bendiga siempre a nuestros hijos pues a nosotros ya nos bendijo con ellos”.

Aunque se ha creído mayormente que eran palabras de la actriz Marilyn Monroe (1926-1962), la frase: “Las mujeres educadas raramente hacen historia” también se la han encasquetado a Ana Bolena, Eleanor Roosevelt, Margaret Thatcher, Hillary Clinton o Meryl Streep, siendo en realidad de un ensayo de la estadounidense Laurel Thatcher Ulrich. Tampoco pertenece a Monroe la sugestiva: “Hollywood es un lugar donde te pagarán mil dólares por un beso y cincuenta centavos por tu alma”, ni la vacía: “Dale a una mujer un buen par de zapatos y ella puede conquistar el mundo”, que se sacó del caletre otra actriz, Bette Midler.

El ateo Gabriel García Márquez (1927-2014), enfermo de cáncer, negó en 1997 haber escrito una abominable carta de despedida que comienza con la siguiente frase: “Si por un instante Dios se olvidara de que soy una marioneta de trapo y me regalara un trozo de vida, aprovecharía ese tiempo lo más que pudiera”, y que continúa con perlas como: “Trata de decir siempre lo que sientes y haz siempre lo que piensas en lo más profundo de tu corazón”. Por supuesto, Gabo la calificó de ridícula y se vio obligado a decir una obviedad como que él no escribe las vulgaridades pastelosas del juntaletras que la compuso. Pese a ello, continúa circulando por las redes sociales como si tal cosa.

“Prefiero morir de pie a vivir de rodillas” se suele colocar sobre todo junto al nombre del guerrillero argentino Ernesto Che Guevara (1928-1967), si bien también a veces junto al del revolucionario mexicano Emiliano Zapata. Pero parece que fue cosa de la política española Dolores Ibárruri, la Pasionaria, en un discurso de 1936, durante Guerra Civil, y lo dijo así: “… el pueblo español prefiere morir de pie a vivir de rodillas”.

Ni por la boca del activista estadounidense Martin Luther King (1929-1968) salió nunca: “Lamento la pérdida de miles de vidas preciosas pero jamás me alegraré de la pérdida de una, aunque sea la de un enemigo”. Si bien podría haber salido sin problemas, fue escrita por la profesora Jessica Dovey en su muro de Facebook junto a una cita real de King cuando se cargaron a Osama Bin Laden. El implacable humorista estadounidense George Carlin (1937-2008) nos brindó multitud de jugosas declaraciones en sus monólogos sobre los escenarios, pero entre ellas no se encuentra esta: “Luchar por la paz es como follar en nombre de la virginidad”, con la que se protestaba por la Guerra de Vietnam en su momento. Y, por desgracia, lo más famoso que supuestamente dijo el actor yanqui Morgan Freeman (desde 1931) salió de un tuit de una cuenta falsa: “Odio la palabra homofobia. No es una fobia. Usted no tiene miedo. Usted es un imbécil”.

Visto lo visto, mostrarse cuidadosos a la hora de compartir frases y textos que encontramos por ahí, no sea que nos cuelen algún engendro como algunos de los anteriores, resulta por completo necesario para nuestra salud intelectual. Aunque sólo sea por no satisfacer a los que tratan de tomarle el pelo a la gente, utilizando de manera torticera el respeto que se le debe a personas valiosas, para difundir sus filosofías de baratillo, de una profundidad similar a la de un bidé y tan inútiles como los libros de autoayuda, de las que parecen sacadas: por tales características las reconoceréis.

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